MALDITO TRANSGRESSOR

Música e sensibilidade.

2012-01-29T07:43:00.000-08:00

O filme Amargo Pesadelo estava sendo rodado no interior dos Estados Unidos. O diretor fez a locação de um posto de gasolina nos confins do mundo, onde aconteceria uma cena entre vários atores contracenando com o proprietário do posto onde ele também morava com sua mulher e filho. Este último autista e nunca saía do terreno da casa.

A equipe parou no posto de gasolina para abastecer e aconteceu a cena mais marcante que o diretor teve a felicidade de encaixar no filme.

Num dos cortes para refazer a cena do abastecimento, um dos atores que sendo músico sempre andava acompanhado do seu instrumento de cordas aproveitando o intervalo da gravação e já tendo percebido a presença de um garoto que dedilhava um banjo na varanda da casa aproximou-se e começou a repetir a sequência musical do garoto.

Como houve uma "resposta musical" por parte do garoto, o diretor captou a importância da cena e mandou filmar. O restante vocês verão no vídeo.

Observe:

- O garoto é verdadeiramente um autista;

- Ele não estava nos planos do filme;

- A alegria do pai curtindo o duelo dos banjos... dançando;
- A felicidade da mãe captada numa janela da casa;

- A reação autêntica de um autista quando o ator músico quer cumprimentá-lo.

Vale a pena o duelo, a beleza do momento e, mais que tudo, a alegria do garoto, a sua
expressão. No início está distante, mas, à medida que toca o seu banjo, ele cresce com a música e vai se deixando levar por ela, até transformar a sua expressão num sorriso contagiante, transmitindo a todos a sua alegria.

A alegria de um autista, que é resgatada por alguns momentos, graças a um violão forasteiro. O garoto brilha, cresce e exibe o sorriso preso nas dobras da sua deficiência, que a magia da música traz à superfície.

Depois, ele volta para dentro de si, deixando a sua parcela de beleza eternizada "por acaso" no filme "Amargo Pesadelo"

Poesias/ Pensamentos

2011-12-25T06:50:00.000-08:00

Dia desses meu menino deu de surgir no topo daquele monte onde nos encontramos quando me aquieto, debaixo daquela árvore de raízes profundas, a brincar de me contar histórias e a rir demais. Rir do quanto sou sério e trágico às vezes. E, me atirando uma fruta, me interrompe a fala e me deixa a rir com ele. Partilhamos a tal fruta num silêncio confortável.

Um vento derruba algumas pequenas folhas sobre nós, uma delas pousa em seu cabelo e não a tiro.

Quando aparece o sol e tem vento, a gente sai pra empinar pipa, correr...

Hoje tive que sair. Minhas pequenas felicidades se cansaram de mim. O barulho de uma onda me chamou e eu corri.

Porque num gramado muito grande dá vontade de correr para embaraçar o cabelo...

E em cada passo vou me escancarando, pois sei como me vêem aqueles olhos.

Esqueço as piadas que havia ensaiado.

Um redemoinho mais forte me empurra.

O vento e a onda são coisas leves que são fortes...

Afinal o que é que aquele moleque quer de mim?!

... e me pôe no cangote para pegar jabuticabas no alto...

Abro mão, me deixo pelo que não sei. Um aconchego estranho se acolhe no meu cólo e está cá dentro. Não faz mais sentido voltar, nem colher pedras caídas, e corro mais.

Avisto, fruta de muita sede, aquele correndo ao meu encontro. Sua simplicidade e inteireza nos movimentos firmes e entregues ao seu próprio vento, me atordoavam. Atordoado me desequilibro em movimentos impensados e sei que são pedaços meus que havia perdido.

Salto em seu cólo e o abraço. Grudando meu peito no seu e é só.

Dia desses meu menino deu de surgir no topo daquele monte onde nos encontramos quando me aquieto. Estamos os dois aqui e agora.

Poesias/Pensamentos

2011-12-12T05:14:00.000-08:00

Ah, se eu pudesse guardar o tamanho dos encontros... Como palhaço sou ensinado a respira'-los e encher o peito com todas as perfeitas imperfeiçoes dos detalhes que os fazem reais. Dos instantes plenos, de delicadezas e esbarroes porque sao humanos. E o quanto melhores eles sao por serem divinamente humanos. Porque me interessam as assimetrias, as imprecisoes. Tudo que parte de um pulso vivo. Que me faz acreditar que esta' realmente aqui na vida.
Ainda assim nao estou livre de querer subir ate' o topo dos encontros e abraça-los na ilusao de te-los pra mim.
E ai me lembro quanto melhor e' nao poder guardar o tamanho dos encontros. Isso nos faz ter que viver esse tamanho sempre. Porque o que se guarda pode envelhecer. E vive-lo e' estar a passea-lo sempre por todos os seus espaços, e amplia-los, e reconhece-los, e respeita-los, e cuida-los, e as vezes simplesmente estender a rede e contempla-los.
A isso sim se vale o encantamento por algo que nao se possa guardar. Como uma montanha, um mar, como uma estrela...
Mas se pode vive-los e intensamente, com cheiros, e cores, e gostos.
Se pode encantar e brilhar os olhos, e brilhar sorrisos, se pode buscar girassois de Van Gogh, se pode embriagar-se em vinhos chilenos e fazer piadas fora de hora. Se pode dançar estranhamente livre e esquecer o caminho de casa. Se pode nem ter casa. Se pode deitar na grama pra ver o Toto' e ver o Ney de pertinho. Se pode ocupar lonas e teatros e cantar alto ou de ponta-cabeça, porque, nao importa como, mas e' preciso cantar como e' preciso ser. Se pode fazer discursos bregas pra falar de amor. Se pode acreditar nos acasos que acontecem e que nos levam para onde precisavamos ir. Se pode andar sem destino e curtir o caminho e criar tudo. Reinventar os valores, os conceitos e o tempo.
Amo esse frio na barriga que ainda sei ter ao me saber diante de coisas grandes que nao posso guardar - Uma cachoeira de 60 metros! Porque ha algo de acreditar nisso, ha algo de entregar-se a propria vida e ser completo o que se e'.
Me arrebata essa sensaçao divina das coisas que somos e nao precisamos guardar. Assim como somos artistas para doar, somos tambem a cachoeira que nao precisamos ter. E somos sim esses encontros e seus instantes pequenininhos que sao grandes.
Ah se eu pudesse guardar o tamanho dos encontros...
O tamanho dos encontros nao se guarda moço.
E te digo mais: Ta' vendo isso tudo aqui? Ja' e' tudo nosso por estarmos sem armas e com coragem!
Entao ta'. Agora presta atençao. Abre a janela. Ta' vendo aquela estrela? Aquela a um palmo de braço estendido a frente com um dos olhos fechados a sua direita na mesma linha das tres marias, uma estrela bem brilhante, nao e' a mais brilhante do ceu mas e' forte. E' uma estrela como tantas, mas e' uma estrela, tem ideia do tamanho disso? Pois e' tua estrela agora. E' teu presente .

Palhaços sem treino! Os melhores.

2011-10-09T15:05:00.000-07:00

Que me perdoem os sérios estudiosos da arte do palhaço, mas eu não consigo parar mais com esse módulo das lições de liberdade e simplicidade desses incríveis palhaços que são crianças, ou dessas incríveis crianças que são palhaços!

Dica - Curso agora final de Outubro - Leo Bassi.

2011-10-05T19:53:00.000-07:00

Gente, enorme prazer em passar essa dica pra vocês desse Bufão maravilhoso que estará dois dias dando esse curso na nossa Sede - o Quintal de Criação.

Aula final - Sinceridade!

2011-10-03T20:21:00.000-07:00

Bom, meus queridos, aqui concluimos o curso intensivo com as crianças. Mas fica a dica, porque eles são os nossos maiores mestres! Beijos

Intensivo. Aprenda muitos fundamentos fundamentais!

2011-10-03T20:07:00.000-07:00

Gramelô

Musicalidade

Aceitação - Diga sim! hahahahahaha

Aula dois - resistência!

2011-10-03T19:56:00.000-07:00

Gente é isso! As crianças dão aula!
Você que está saindo do seu quadragésimo sétimo curso de palhaço deve estar me xingando, mas é minha gente, é difícil ser simples!

Dicas importantes, time, rítmo e verdade!

2011-09-29T13:17:00.000-07:00

Bom, começamos com esse post uma série de dicas essenciais aos palhaços. Para isso chamamos alguns especialistas no assunto para serem observados, aprendam com eles.

Um enorme encontro!

2011-09-23T16:34:00.000-07:00

Esta postagem vai sem texto, porque... porque... bom, porque ninguém precisa ler nada depois de ver esse video, hahahahaha. Charlie Chaplin e Buster Keaton!

Palhaço por que?

2011-09-19T16:24:00.000-07:00

Claramente tenho na minha alma o momento exato em que decidi ser palhaço. (Não sei realmente se teria outra opção, por isso a palavra "decidir" me soou meio engraçada agora, mas sigamos). Entre os quinhentos e vinte nove elementos em minha vida que me provocaram pra esse rastro, um especificamente foi o mais importante e aqui está ele:

Essa cena exata é responsável... pera aí, minto, não é a cena, nem o Chaplin, mas certamente é também ... hahahahaha
As gargalhadas descontroladas do meu pai assistindo inúmeras vezes essa cena, sim, elas foram as reponsáveis pela minha escolha. Lógico, eu tinha que aprender a fazer aquilo com as pessoas! Nossa! Como eu entendi naquele instante, claramente, a magia que aquele pedaço de fita Betamax indo e voltando tinha!
Aquela bunda projetada que levava o tronco daquele louco genial a procurar a letra da música desopilava o fígado do meu pai que descontrolado, em risadas, peidava! Ou seja: de cú pra cú! Vocês conseguem conceber o tamanho disso?!?!?!? Sim, aquele lazarento, digo isso com o maior amor do mundo, estava curando meu pai décadas depois de ter realmente vivido aqueles movimentos! Errados por sinal! Movimentos errados, música errada, canção errada! hahahahahaha E o que é certo?!
Certo é que eu, aos meus doze anos, presenciei essa magia desse palhaço.
E o homem mais velho de nove irmãos, de uma família muito pobre de uma cidade minúscula que saiu de casa aos quatorze anos pra construir uma história improvável estava lá, diante dos meus olhos... Doutor Fernando, em plena anarquia de sentimentos e imitações, um bôbo, um retardado, lacrimejando, dançando com a bunda pra cima e gargalhando a ponto de se estudar toda a arcada dentária!

Nunca, nenhum outro palhaço, no universo, com excessão do Chaplin, fez tão bem essa cena como meu pai!

"Sing!! Never mind the words."

Louis de Funés

2011-09-12T20:56:00.000-07:00

Louis de Funés (31 de julho de 1914 — 27 de janeiro de 1983), ator francês.

Biografia

Filho de espanhóis e com apenas 1,64 m de altura, careca e de olhos extremamente azuis, ele se transformou no mal-humorado mais engraçado do cinema francês. Começou a carreira em 1945 mas se tornou mundialmente conhecido em 1964 ao interpretar pela primeira vez o seu personagem mais famoso, um mal-humorado gendarme.
Seu maior sucesso no cinema fora da França foi o filme As Loucas Aventuras do Rabi Jacob, um campeão de bilheteria inclusive nos cinemas brasileiros na década de 1970.

http://www.youtube.com/watch?v=wr7v0uw9z5Y&feature=related

Jango Edwards

2011-08-01T17:24:00.000-07:00

Jango Edwards dedicou sua vida ao estudo da comédia e à arte do palhaço, não só como trabalho, mas como um estilo de vida.

Site com todas as informações:
http://jangoedwards.net/workshops/clown-front/

Momentos preciosos desse palhaço Rock'n Roll

Entrevista:

O Pianista Virtuoso

O Bêbado

Mergulho no copo

Tortell Poltrona

2011-08-01T16:57:00.000-07:00

Jaume Mateu Bullich, catalão, criador do famoso circo espanhol Circ-Crac e dos Palhaços sem Fronteiras. Fundada em 1998, a ONG tinha como objetivo inicial divertir refugiados de guerra. Atualmente, os grupos de Palhaços sem Fronteiras se espalham por vários países e Bullich corre o mundo interpretando o palhaço Tortell Poltrona.

O Palhaços sem Fronteiras se apresenta em hospitais, em escolas, em lugares em guerra. Como é esse trabalho?
Há quatro anos, fui convidado por crianças de uma escola a apresentar o meu circo para refugiados de guerra. Os organizadores pagaram tudo, me acompanharam, me levaram até o local em segurança. Aí, pensei que, se eu fui convencido a fazer isso, também poderia convencer meus amigos palhaços a fazer o mesmo trabalho. O palhaço é um provocador e um revolucionário. Então, resolvi agir, me aproximar da realidade e levar a alegria dos palhaços para quem precisa. Foi como surgiu a idéia de criar o grupo. Hoje são várias unidades do Palhaços sem Fronteiras em todo o mundo.

Site:
http://www.tortellpoltrona.com/

“Digo isso com a autoridade de um outro palhaço, quer dizer, eu enquanto palhaço estou dizendo que Tortell é fonte de muito prazer estético, humano e do riso. Quem quiser pode procurar qualquer setor do riso do planeta e pedir para indicar os dez maiores palhaços do mundo, que Tortell Poltrona faz parte dessa relação. Só indo para ver como ele conduz a relação com o público, que energia linda tem o Tortell e como bons risos vão ser brotados da platéia”, reforçou Luiz Carlos Vasconcelos, o palhaço XUXÚ

XUXU

2011-07-29T16:19:00.000-07:00

Nem preciso falar que Luiz Carlos Vasconcelos, o palhaço Xuxu é um dos meus favoritos, porque o leitor já o viu sempre bonitão lá em cima na foto principal do Blog olhando aqui pra baixo, espiando o que apronto e quem trago pra esse espaço. Então falar o que? Dalhe Xuxu!

O ator Luiz Carlos Vasconcelos nasceu em Umbuzeiro, Paraíba, em 25 de junho de 1954.

O teatro e principalmente o circo sempre foram as grandes paixões de Vasoncelos, que, apesar de ser formado em Letras, estudou artes cênicas na Dinamarca para depois incorporar-se ao grupo teatral Intrépida Trupe.

Em 1978, está em João Pessoa, e cria o pesonagem que iria acompanhá-lo pela vida afora, o palhaço Xuxu, um palhaço cidadão, nas palavras de seu criador, por ser uma presença constante nas comunidades carentes. Mesmo quando está trabalhando em outros projetos, como filmes e séries de televisão, Vasoncelos sempre arruma hora e lugar para se apresentar vestido e maquiado como Xuxu.

Antes de chegar à caracterização ideal de Xuxu, Vasoncelos interpretou vários palhaços e pegou o melhor de cada um deles para compor o personagem atual.

Ainda em 1978, junto com outros artistas, fundou em João Pessoa a Escola Piolim, nome dado em homenagem a um velho palhaço paraibano. O complexo, além de ser sede de seu grupo teatral, desenvolve um trabalho de educação popular.

Em 1984, Vasconcelos passou a morar no Rio de Janeiro onde fez a Escola Nacional de Circo. Viveu vinte anos na capital fluminense, sustentado por Xuxu, muito requisitado para apresentações em eventos e aniversários de criança, um grande laboratório, conforme afirma o ator.

Dos anos 80 em diante alterna residências entre o Rio e João Pessoa. Em 1992, na Paraíba, Vasconcelos realiza um sonho alimentado desde seus tempos de universitário: o de adaptar para o teatro o conto Vau da Sarapalha, de Guimarães Rosa. A peça produzida pelo Grupo Piolim, sob sua direção, foi um sucesso: excursionou pelo Brasil e pelo exterior até 2006.

Estréia no cinema no papel do cangaceiro Lampião, em O Baile Perfumado, filme pernambucano de 1996. A produção, de baixo orçamento mesmo para os padrões brasileiros, fez sucesso em festivais e os cineastas dos grandes centros tiveram sua atenção atraída para Vasconcelos. Na seqüência, fez filmes para Walter Salles e Andrucha Waddington.

Na televisão, teve uma curta participação na novela Senhora do Destino e em séries.

No cinema, participou de Romance do Vaqueiro Voador (2006) ; Árido Movie (2004); Carandiru (2003); Abril Despedaçado (2001); Eu Tu Eles (2000); O Primeiro Dia (1998); Baile Perfumado (1997).

Na TV, participou da novela Senhora do Destino e de episódios de Carga Pesada; Carandiru, Outras Histórias - série (2005); Pastores da Noite - minissérie (2002) e Você Decide - episódio A Bola da Vez (2000).

Em 2007, Luiz Carlos esteve no elenco da microssérie da Rede Globo "A Pedra do Reino", adaptação do romance de Ariano Suassuna, com direção de Luiz Fernando Carvalho.

No ano seguinte, participou do elenco da minissérie "Queridos Amigos", da Rede Globo, além de participar do especial "O Natal do Menino Imperador" e dos seriados "Faça sua História" e "Dicas de Um Sedutor".

Em 2010, Luiz Carlos Vasconcelos está nas telas dos cinemas no longa metragem "O Sol do Meio Dia" filmado quatro anos antes.

No Festival de Cinema do Rio, em 2009, os atores Chico Diaz e Luiz Carlos Vasconcelos receberam o Troféu Redentor de Melhor Ator, por suas atuações no filme “O Sol do Meio-dia”, de Eliane Caffé. “

Televisão

2000 - Você Decide - ep. "A Bola da Vez"
2002 - Pastores da Noite - Pé de Vento
2004 - Senhora do Destino - Sebastião (jovem)
2005 - Carga Pesada - Fábio
2005 - Carandiru, Outras Histórias - Médico
2007 - A Pedra do Reino - Arésio
2008 - Faça sua História - João Grande
2008 - Dicas de Um Sedutor - Jimi
2008 - Casos e Acasos - Gilberto Gomes
2008 - Queridos Amigos - Ivan
2008 - O Natal do Menino Imperador - Zampano
2011 - Araguaia - Frei Gusmão

Cinema

1997 - Baile Perfumado - Lampião
1998 - O Primeiro Dia - João
2000 - Eu Tu Eles - Ciro
2001 - Abril Despedaçado - Salustiano
2003 - Carandiru - Médico Dráuzio Varela
2004 - Árido Movie - Jurandir
2006 - Romance do Vaqueiro Voador - Vaqueiro Voador
2007 - Mutum - Seu Aristeu

Paul Hunt

2011-07-27T19:39:00.000-07:00

Paul Hunt fazia suas "bobagens" nos intervalos das provas olímpicas de ginástica.

Ele chegou a ser campeão em 1971 e 1973 na Ginástica Solo e, desde 1980, faz performances comicas nas rotinas de ginástica femininas com o nome de Paulette Huntinova.

O cara é muito bom.

(Mais uma dica de Marcelo Lujan) http://www.youtube.com/user/warcelocirco

Mina de ouro!

2011-07-26T13:33:00.000-07:00

Gente, com autorização divulgo aqui o Canal de Marcelo Lujan no You Tube. Esse querido palhaço do Circo Zanni e do Circo Amarillo foi louco o suficiente de pesquisar e selecionar mais de 550 vídeos de palhaços, esquetes cômicas e circenses. É uma ultra seleção de coisa boa. Deliciem-se.

http://www.youtube.com/user/warcelocirco

Links extras: Circo Zanni:   http://www.circozanni.com/
                    Circo Amarillo: http://circoamarillo.wordpress.com/

Benditos sejam os Malditos

2011-07-26T13:20:00.000-07:00

Da ironia que deu origem ao título do Blog teço mais umas linhas.

"A contestação não é o esforço do pensamento para negar existências ou valores, é o gesto que reconduz cada um deles aos seus limites, e por aí ao Limite no qual se cumpre a decisão ontológica: contestar é ir até o núcleo vazio no qual o ser atinge seu limite e no qual o limite define o ser." (FOUCAULT, 2001. p. 34)

Nessa terra onde o termo popular está sendo tão vergonhosamente empregado na cultura, benditos sejam os malditos, lindos sejam os que incomodam, queridos daqueles que causam turbulência, maravilhosos desses ousados e diferentes que nadam contra a corrente. Os mais sinceros não estão no TOP 10, mas estão no mundo de verdade! Eu me apaixono por esses questionadores e amo loucamente quando eles nem sabem que o são.

Gene Sheldon

Que tontos! rs

2011-07-12T11:13:00.000-07:00

Mikhail Usov

Goth Comedian

Roy Gartner & James

Umas bobagens maravilhosas

2011-07-04T16:47:00.000-07:00

Maioria das vezes, quanto mais "simples" e bobagem mais me divirto.

George Carl

Jerry Lewis

Você é Palhaço? Divulgue seu trabalho.

2011-07-04T11:46:00.000-07:00

O Blog Maldito Transgressor está recebendo material - vídeos, fotos, textos, cursos, entrevistas - de palhaços anônimos, famosos, iniciantes, veteranos. Mandem um comentário com links e contatos que postaremos. Vamos mostrar nossos trabalhos!

Mandem também sugestões, críticas, correções e materiais sobre palhaços que não encontraram aqui no Blog. Beijos

Números de Avner

2011-07-04T11:35:00.000-07:00

Bill Irwin

2011-07-04T11:17:00.000-07:00

William Mills "Bill" Irwin (nascido em 11 de abril, 1950) é um americano ator e palhaço conhecido por sua contribuição para o renascimento do circo americano durante a década de 1970.

Laurens (Larry) V. Griswold

2011-07-04T11:04:00.000-07:00

Laurens (Larry) V. Griswold (1905 - 1996), conhecido como "O Louco do

mergulho", foi um ginasta americano e artista que esteve envolvido no

desenvolvimento inicial do trampolim .

Griswold desenvolveu um número de acrobacias e palhaçadas, atuando

profissionalmente durante anos.

Fingia ser um homem bêbado e descoordenado que tentava pular de um

trampolim para efetuar um grande mergulho. Um ato hilário e, ao mesmo

tempo, arrepiante.

Aqui, uma de suas apresentações no "Frank Sinatra Show" datada de

Novembro de 1951.

Leia mais em: Laurens (Larry) V. Griswold malabarismo e saltos! - Amigos do MDig http://www.mdig.com.br/index.php?itemid=19538#ixzz1RA2iN2Q0

Educação e Arte

2011-07-04T11:00:00.000-07:00

Insistir!

2011-06-12T22:31:00.000-07:00

Quero aqui compartilhar uma coisa bem pessoal porque acho que tem total relação com o palhaço.
Vivo um momento de grandes questionamentos artísticos e decidi investir. Não investir em algo que me foi dito por algum grande mestre, porque mestre é o cachorro do bêbado, a flor do sertão, a criança do metrô, investir no que sei com a respiração da parte de trás da cabeça. Tem alguma coisa de força nisso, nessa teimosia de insistir em ser o que se é. Então eu finco estaca nessa terra dos artístas que me criaram. Valores de grandes poetas que me embalaram assim porque foram também embalados por outros grandes poetas. E é isso que eu sou. E a maneira que encontrei pra demarcar esse território foi reafirmar sete momentos referênciais artísticos que resumem minha alma* e, ancorado neles, retomo essa escalada. Quanto mais alto, mais leve e maior é a paz de espírito pelo próprio rastro, aquele que se sabe. Subamos!

*

O Último Discurso - Charles Chaplin em "O Grande Ditador"

Depoimento de Eduardo Galeano na praça Catalunya

Das Vantagens de ser Bobo - Clarice Lispector

"O bobo, por não se ocupar com ambições, tem tempo para ver, ouvir, tocar no mundo.

O bobo é capaz de ficar sentado quase sem se mexer por duas horas. Se perguntado

por que não faz alguma coisa, responde: "Estou fazendo, estou pensando”.

Ser bobo às vezes oferece um mundo de saída porque os espertos só se lembram de

sair por meio da esperteza, e o bobo tem originalidade, espontaneamente lhe vem a idéia.

O bobo tem oportunidade de ver coisas que os espertos não vêem. Os espertos estão sempre tão atentos às espertezas alheias que se descontraem diante dos bobos, e estes os vêem como simples pessoas humanas.

O bobo ganha utilidade e sabedoria para viver.

O bobo parece nunca ter tido vez. No entanto, muitas vezes, o bobo é um Dostoievski.

Há desvantagem, obviamente. Uma boba, por exemplo, confiou na palavra de um desconhecido para a compra de um ar refrigerado de segunda mão: ele disse que o aparelho era novo, praticamente sem uso porque se mudara para a Gávea onde é fresco. Vai a boba e compra o aparelho sem vê-lo sequer.

Resultado: não funciona.

Chamado um técnico, a opinião deste era que o aparelho estava tão estragado que o concerto seria caríssimo: mais vale comprar outro.

Mas, em contrapartida, a vantagem de ser bobo é ter boa-fé, não desconfiar, e, portanto estar tranqüilo.

Enquanto o esperto não dorme à noite com medo de ser ludibriado. O esperto vence com úlcera no estômago. O bobo não percebe que venceu.

Aviso: não confundir bobos com burros.

Desvantagem: pode receber uma punhalada de quem menos espera. É uma das tristezas que o bobo não prevê. César terminou dizendo a célebre frase: "Até tu, Brutus?"

Bobo não reclama. Em compensação, como exclama!

Os bobos, com todas as suas palhaçadas, devem estar todos no céu.

Se Cristo tivesse sido esperto não teria morrido na cruz.

O bobo é sempre tão simpático que há espertos que se fazem passar por bobos.

Os espertos ganham dos outros. Em compensação, os bobos ganham a vida.

Bem-aventurados os bobos porque sabem sem que ninguém desconfie. Aliás,

não se importam que saibam que eles sabem.

Há lugares que facilitam mais as pessoas serem bobas (não confundir bobo com burro,

com tolo, com fútil). Minas Gerais, por exemplo, facilita ser bobo. Ah, quantos perdem

por não nascer em Minas!

Bobo é Chagall, que põe vaca no espaço, voando por cima das casas.

É quase impossível evitar excesso de amor que o bobo provoca.

É que só o bobo é capaz de excesso de amor.

E só o amor faz o bobo."

O Guardador de Rebanhos - VIII - Num Meio-Dia de Fim de Primavera - Alberto Caeiro - Fernando Pessoa

Num meio-dia de fim de primavera

Tive um sonho como uma fotografia.

Vi Jesus Cristo descer à terra.

Veio pela encosta de um monte

Tornado outra vez menino,

A correr e a rolar-se pela erva

E a arrancar flores para as deitar fora

E a rir de modo a ouvir-se de longe.

Tinha fugido do céu.

Era nosso demais para fingir

De segunda pessoa da Trindade.

No céu era tudo falso, tudo em desacordo

Com flores e árvores e pedras.

No céu tinha que estar sempre sério

E de vez em quando de se tornar outra vez homem

E subir para a cruz, e estar sempre a morrer

Com uma coroa toda à roda de espinhos

E os pés espetados por um prego com cabeça,

E até com um trapo à roda da cintura

Como os pretos nas ilustrações.

Nem sequer o deixavam ter pai e mãe

Como as outras crianças.

O seu pai era duas pessoas

Um velho chamado José, que era carpinteiro,

E que não era pai dele;

E o outro pai era uma pomba estúpida,

A única pomba feia do mundo

Porque não era do mundo nem era pomba.

E a sua mãe não tinha amado antes de o ter.

Não era mulher: era uma mala

Em que ele tinha vindo do céu.

E queriam que ele, que só nascera da mãe,

E nunca tivera pai para amar com respeito,

Pregasse a bondade e a justiça!

Um dia que Deus estava a dormir

E o Espírito Santo andava a voar,

Ele foi à caixa dos milagres e roubou três.

Com o primeiro fez que ninguém soubesse que ele tinha fugido.

Com o segundo criou-se eternamente humano e menino.

Com o terceiro criou um Cristo eternamente na cruz

E deixou-o pregado na cruz que há no céu

E serve de modelo às outras.

Depois fugiu para o sol

E desceu pelo primeiro raio que apanhou.

Hoje vive na minha aldeia comigo.

É uma criança bonita de riso e natural.

Limpa o nariz ao braço direito,

Chapinha nas poças de água,

Colhe as flores e gosta delas e esquece-as.

Atira pedras aos burros,

Rouba a fruta dos pomares

E foge a chorar e a gritar dos cães.

E, porque sabe que elas não gostam

E que toda a gente acha graça,

Corre atrás das raparigas pelas estradas

Que vão em ranchos pela estradas

com as bilhas às cabeças

E levanta-lhes as saias.

A mim ensinou-me tudo.

Ensinou-me a olhar para as cousas.

Aponta-me todas as cousas que há nas flores.

Mostra-me como as pedras são engraçadas

Quando a gente as tem na mão

E olha devagar para elas.

Diz-me muito mal de Deus.

Diz que ele é um velho estúpido e doente,

Sempre a escarrar no chão

E a dizer indecências.

A Virgem Maria leva as tardes da eternidade a fazer meia.

E o Espírito Santo coça-se com o bico

E empoleira-se nas cadeiras e suja-as.

Tudo no céu é estúpido como a Igreja Católica.

Diz-me que Deus não percebe nada

Das coisas que criou —

"Se é que ele as criou, do que duvido" —

"Ele diz, por exemplo, que os seres cantam a sua glória,

Mas os seres não cantam nada.

Se cantassem seriam cantores.

Os seres existem e mais nada,

E por isso se chamam seres."

E depois, cansados de dizer mal de Deus,

O Menino Jesus adormece nos meus braços

e eu levo-o ao colo para casa.

.............................................................................

Ele mora comigo na minha casa a meio do outeiro.

Ele é a Eterna Criança, o deus que faltava.

Ele é o humano que é natural,

Ele é o divino que sorri e que brinca.

E por isso é que eu sei com toda a certeza

Que ele é o Menino Jesus verdadeiro.

E a criança tão humana que é divina

É esta minha quotidiana vida de poeta,

E é porque ele anda sempre comigo que eu sou poeta sempre,

E que o meu mínimo olhar

Me enche de sensação,

E o mais pequeno som, seja do que for,

Parece falar comigo.

A Criança Nova que habita onde vivo

Dá-me uma mão a mim

E a outra a tudo que existe

E assim vamos os três pelo caminho que houver,

Saltando e cantando e rindo

E gozando o nosso segredo comum

Que é o de saber por toda a parte

Que não há mistério no mundo

E que tudo vale a pena.

A Criança Eterna acompanha-me sempre.

A direção do meu olhar é o seu dedo apontando.

O meu ouvido atento alegremente a todos os sons

São as cócegas que ele me faz, brincando, nas orelhas.

Damo-nos tão bem um com o outro

Na companhia de tudo

Que nunca pensamos um no outro,

Mas vivemos juntos e dois

Com um acordo íntimo

Como a mão direita e a esquerda.

Ao anoitecer brincamos as cinco pedrinhas

No degrau da porta de casa,

Graves como convém a um deus e a um poeta,

E como se cada pedra

Fosse todo um universo

E fosse por isso um grande perigo para ela

Deixá-la cair no chão.

Depois eu conto-lhe histórias das cousas só dos homens

E ele sorri, porque tudo é incrível.

Ri dos reis e dos que não são reis,

E tem pena de ouvir falar das guerras,

E dos comércios, e dos navios

Que ficam fumo no ar dos altos-mares.

Porque ele sabe que tudo isso falta àquela verdade

Que uma flor tem ao florescer

E que anda com a luz do sol

A variar os montes e os vales,

E a fazer doer nos olhos os muros caiados.

Depois ele adormece e eu deito-o.

Levo-o ao colo para dentro de casa

E deito-o, despindo-o lentamente

E como seguindo um ritual muito limpo

E todo materno até ele estar nu.

Ele dorme dentro da minha alma

E às vezes acorda de noite

E brinca com os meus sonhos.

Vira uns de pernas para o ar,

Põe uns em cima dos outros

E bate as palmas sozinho

Sorrindo para o meu sono.

......................................................................

Quando eu morrer, filhinho,

Seja eu a criança, o mais pequeno.

Pega-me tu ao colo

E leva-me para dentro da tua casa.

Despe o meu ser cansado e humano

E deita-me na tua cama.

E conta-me histórias, caso eu acorde,

Para eu tornar a adormecer.

E dá-me sonhos teus para eu brincar

Até que nasça qualquer dia

Que tu sabes qual é.

.....................................................................

Esta é a história do meu Menino Jesus.

Por que razão que se perceba

Não há de ser ela mais verdadeira

Que tudo quanto os filósofos pensam

E tudo quanto as religiões ensinam?

Uma Didática da Invençãodo "O Livro das Ignorãnças" ed. Civilização Brasileira. - Manuel de Barros

Para apalpar as intimidades do mundo é preciso saber:

a) Que o esplendor da manhã não se abre com faca

b) 0 modo como as violetas preparam o dia para morrer

c) Por que é que as borboletas de tarjas vermelhas têm devoção por túmulos

d) Se o homem que toca de tarde sua existêncianum fagote, tem salvação

e) Que um rio que flui entre 2 jacintos carrega mais ternura que um rio que flui entre 2 lagartos

f) Como pegar na voz de um peixe

g) Qual o lado da noite que umedece primeiro.Etc.etc.etc.

Desaprender 8 horas por dia ensina os princípios.

Poema do poeta Inglês William Ernest Henley (1849-1903). Comentário do Mandela

De dentro da noite que me cobre,

Negra como a cova, de ponta a ponta,

Eu agradeço a quaisquer deuses que sejam,

Pela minha alma inconquistável.

Na cruel garra da situação,

Não estremeci, nem gritei em voz alta.

Sob a pancada do acaso,

Minha cabeça está ensanguentada, mas não curvada.

Além deste lugar de ira e lágrimas

Avulta-se apenas o Horror das sombras.

E apesar da ameaça dos anos,

Encontra-me, e me encontrará destemido.

Não importa quão estreito o portal,

Quão carregada de punições a lista,

Sou o mestre do meu destino:

Sou o capitão da minha alma.

“Nosso medo mais profundo

não é o de sermos inadequados.

Nosso medo mais profundo

é que somos poderosos além de qualquer medida.

É a nossa luz, não as nossas trevas,

o que mais nos apavora.

Nós nos perguntamos:
Quem sou eu para ser Brilhante,

Maravilhoso, Talentoso e Fabuloso?

Na realidade, quem é você para não ser?
Você é filho do Universo.

Se fazer pequeno não ajuda o mundo.

Não há iluminação em se encolher,

para que os outros não se sintam inseguros

quando estão perto de você.

Nascemos para manifestar

a glória do Universo que está dentro de nós.

Não está apenas em um de nós: está em todos nós.

E conforme deixamos nossa própria luz brilhar,

inconscientemente damos às outras pessoas

permissão para fazer o mesmo.

E conforme nos libertamos do nosso medo,

nossa presença, automaticamente, libera os outros.”

Mandela.

A Alvorada Do Amor (Olavo Bilac) - 1965

Um horror, grande e mudo, um silêncio profundo

No dia do Pecado amortalhava o mundo.

E Adão, vendo fechar-se a porta do Éden, vendo

Que Eva olhava o deserto e hesitava tremendo,

Disse:

***************************

Chega-te a mim! entra no meu amor,

E e à minha carne entrega a tua carne em flor!

Preme contra o meu peito o teu seio agitado,

E aprende a amar o Amor, renovando o pecado!

Abençôo o teu crime, acolho o teu desgôsto,

Bebo-te, de uma em uma, as lágrimas do rosto!

***********************

Vê tudo nos repele! a tôda a criação

Sacode o mesmo horror e a mesma indignação...

A cólera de Deus torce as árvores, cresta

Como um tufão de fogo o seio da floresta,

Abre a terra em vulcões, encrespa a água dos rios;

As estrêlas estão cheias de calefrios;

Ruge soturno o mar; turva-se hediondo o céu...

**********************

Vamos! que importa Deus? Desata, como um véu,

Sôbre a tua nudez a cabeleira! Vamos!

Arda em chamas o chão; rasguem-te a pele os ramos;

Morda-te o corpo o sol; injuriem-te os ninhos;

Surjam feras a uivar de todos os caminhos;

E, vendo-te a sangrar das urzes através,

Se amaranhem no chão as serpes aos teus pés...

Que importa? o Amor, botão apenas entreaberto,

Ilumina o degrêdo e perfuma o deserto!

Amo-te! sou feliz! porque, do Éden perdido,

Levo tudo, levando o teu corpo querido!

*****************************

Pode, em redor de ti, tudo se aniquilar:

Tudo renascerá cantando ao teu olhar,

Tudo, mares e céus, árvores e montanhas,

Porque a Vida perpétua arde em tuas entranhas!

Rosas te brotarão da bôca, se cantares!

Rios te correrão dos olhos, se chorares!

E se, em tôrno ao teu corpo encantador e nú,

Tudo morrer, que importa? A natureza és tu,

Agora que és mulher, agora que pecaste!

Ah! bendito o momento em que me revelaste

O amor com teu pecado, e a vida com o teu crime!

Porque, livre de Deus, redimido e sublime,

Homem fico na terra, luz dos olhos teus,

Terra, melhor que o Céu! homem maior que Deus!

A Última Fala do Palhaço

2011-06-06T19:05:00.001-07:00

- Deixem-me ser eu

um instante, ao menos...!

Ainda vale a pena!

Deixem-me vir à cena

em primeiro lugar,

a rir ou a chorar

(a mesma coisa afinal...)!

Deixem-me, antes que morra,

demolir a masmorra

que eu mesmo construí

com lágrimas e sangue

e, embora exangue,

ser só eu, tal e qual!

Saul Dias

Família Durov

2011-04-24T07:25:00.000-07:00

(O texto vai soar um pouco estranho algumas vezes pois eu estou tentando traduzir do original em inglês - hahahahaha)

Na era soviética, Vladimir Durov foi uma figura emblemática do circo russo. Ele revolucionou o treinamento de animais, e foi descrito como um palhaço satírico anarquista, cuja posição contra um "Tsar" autocrático e seu governo ajudou a provocar a revolução soviética.

Hoje, o Durovs estão entre os mais prestigiados do circo dinastias Rússia.

A Família Durov

Vladimir Leonidevich Durov nasceu em 25 de junho de 1863 em uma família rica aristocracia, em Moscou. Ele era o filho de Leonid Dmitrievich Durov (1832-1867), um senhor hereditário da província de Moscou, oficial da polícia de Moscou. um trabalho que ele fez mais porque queria do que porque tinha que . irmão de Vladimir, Anatoly Leonidevich (1864-1916), nasceu 17 meses depois.

O nome Durov era bem conhecido na Rússia, a família já havia produzido uma celebridade. Nadezhda Durova, lembrada na história russa como a menina de Cavalaria,foi tia-avó de Vladimir. Vestida como um homem, ela tinha se matriculado em um regimento de cavalaria para combater o avanço de Napoleão em 1812. Ela disse ter recebido uma medalha das mãos de Marshall Field-Kutuzov, o homem que derrotou Napoleão. Celebrada por Pushkin, Nadezhda se tornou uma escritora de sucesso.

Vladimir Durov tinha três irmãs mais velhas. Entre os seus descendentes Lev Durov, o famoso ator russo; e uma irmã mais nova, Valentina (1866-1940 (1854?) (1862?) ). A mãe de Vladimir , Maria Dmitrievna Durova (1833-1866), provavelmente sofreu de complicações causadas pelo nascimento de Valentina: ela morreu pouco depois, em 1866. Vladimir tinha apenas três anos de idade na época. Arrasado, o pai de Vladimir começou a beber até morrer. Ele sofria de alucinações e morreu um ano depois, em 1867.

Vladimir e Anatoly foram colocados sob os cuidados de seu padrinho, Nikolai Zakharovich Zakharov, um advogado rico e brilhante dramaturgo ocasionalmente, cujos trabalhos foram produzidos com sucesso no Teatro Maly, em Moscou. (Ele também era um jogador inveterado. Ele viria a suicidar-se devido a uma dívida de jogo). Zakharov enviara Vladimir e Anatoly a uma academia militar. Provavelmente foi na academia que Anatoly desenvolveu sua aversão, ao longo da vida, para todas as formas de autoridade.

Iniciação no Circo

Os irmãos preferiam muito mais acrobacias circenses do que os estudos acadêmicos e exercícios militares. Esta paixão os levou à expulsão da Academia. Entregues a si próprios, Vladimir e Anatoly usaram o dinheiro que o padrinho tinha-lhes dado para contratar como seu professor Angelo Briatore, um acrobata italianos da trupe de Carl Magnus Hinné . Briatore ensinou-lhes as noções básicas de acrobacia à maneira antiga: com muito chicotadas. Quando Zakharov descobriu o abuso físico, ele se livrou de Briatore.

Cerca de 1878, Otto Kleist, um acrobata balagan, ensinou aos irmãos Vladimir e Anatoly a arte do trapézio. No ano seguinte, os irmãos fizeram a sua estreia na realização de balagan Weinstok VA em Tver, uma cidade ao norte de Moscou. Eles também trabalharam na balagan de Rinaldo, um mágico, antes de finalmente se juntar à trupe Robinson-Nicolet significativo avanço, uma vez que o grupo trabalhou em circos. Eles deixaram Robinson-Nicolet, em 1881, depois que Anatoly teve uma discussão com seus empregadores, o primeiro de muitos desentendimentos que abalariam a carreira de Anatoly. Foi provavelmente por causa do temperamento Anatoly que os irmãos se separaram.

Depois de deixar Robinson-Nicolet, Vladimir encontrou trabalho como assistente de treinador de animais com Winkler menagerie Hugo, que tinha se estabelecido em Tsvetnoi Boulevard, em Moscou. Foi lá que ele aprendeu a trabalhar com animais, tornando-se um treinador de pequenos animais. Em 1884, seguindo os passos de seu irmão, que havia desenvolvido um programa de sucesso combinando palhaçadas com animais de fazenda, um lugar comum no século XIX, Vladimir começou a atuar como um palhaço, utilizando, como seu irmão, animais como parceiros.

Vladimir apresentou o seu novo ato de palhaço em Petrovski Parque e no Jardim Zoológico de Moscou. Estando em concorrência directa com o seu irmão Anatoly. Desde o início, Anatoly tinha usado um porco e outros animais como parceiros, os animais se tornariam uma marca Durov. Ainda assim, para o resto de sua vida, Anatoly consideraria seu irmão um ladrão e um concorrente, o relacionamento entre eles se deteriorou rapidamente.

Anatoly vs Vladimir

O sucesso de Vladimir e de Anatoly como os satíricos-palhaços veio do fato de que, ao contrário de outros palhaços na Rússia, que eram em sua maioria italianos ou franceses, ou vieram do balagans bruto, eles podiam articular bem o russo . Eles também tinha um russo sentido de humor intensamente, e podiam facilmente transmitir a sua sagacidade de uma maneira que outros palhaços não poderiam se igualar.

Anatoly usou uma sátira mais direta, na cara, às vezes insultando, marca de seu humor. Vladimir foi o espirituoso dos dois irmãos e seu humor era mais sutil e menos mordaz que Anatoly. Foi Anatoly não, Vladimir, que foi responsável pela Durovs «prestígio, na época soviética, como assassinos do antigo regime.

Ainda assim, Vladimir e Anatoly foram semelhantes em muitos aspectos. Embora, obviamente, Vladimir tenha copiado seu irmão no início, é difícil saber quem copiou quem, posteriormente. Ambos os personagens evoluíram ao longo dos anos, um clássico e um palhaço , não muito diferentes, fisicamente, de outros palhaços do seu tempo. A imagem Durov: um palhaço whiteface traje tradicional, com enfeites de lantejoulas, um collerette branco e uma pequena capa no ombro, e praticamente sem maquiagem.

Cada um dos irmãos entra no picadeiro com uma grande cerimônia, andando e reconhecendo a platéia. Eles, então, lançam-se num monólogo, após o que jogariam com as atitudes de seus animais.

Quando, por volta de 1884, seu padrinho sugeriu que continuassem a sua educação. Anatoly não prestou atenção aos conselhos, mas Vladimir fez: ele voltou para a escola, graduou-se, e auditado as classes de neurofisiologista Sechenov IM, "o pai da fisiologia da Rússia", que, com IP Pavlov, estudou reflexos dos animais. Em 1887, ele voltou ao picadeiro e fez sua estréia como um verdadeiro palhaço satírico e treinador de animais (com um lobo e um cão treinado) no Circo Salamonsky , em Tsvetnoi Boulevard em Moscou, o circo mais prestigiados da Rússia, depois de] São Petersburgo] O Circo de São Petersburgo | Circus Ciniselli.]]

Vladimir, espirituoso e mais criativo do que seu irmão, tornou-se com o tempo o mais bem sucedido dos dois, o seu talento como treinador de animais também foi um fator significativo de seu sucesso. A maior utilização por Anatoly de animais em seu ato foi principalmente uma tentativa de manter o ritmo de seu irmão. Assim como Vladimir, Anatoly palestrava sobre psicologia animal, mas ao contrário de seu irmão, ele não foi levado a sério nos círculos científicos.

Em 1913, Vladimir e Anatoly realizavam ao mesmo tempo em São Petersburgo, Vladimir na A. Marshan 's Cirque Moderne , onde ele tinha encenado a fábulas Pushkin, e Anatoly no Circo Ciniselli . Vladimir recebeu críticas melhor, uma das quais declarou: ". O maior sucesso foi de Vladimir, cujo animal de treinamento foi muito melhor, e piadas eram mais engraçadas" Isso não agradou Anatoly.

Os Anos Soviética

Em 1907, Vladimir Durov estava apresentando uma grande "atração": Uma estrada de ferro em miniatura, repleto de todo tipo de adereços relacionados . Macacos , gansos com bonés vermelhos, um pato como chefe da estação, uma cabra era o condutor do trem e os passageiros foram cobaias. Eles foram levados a seus movimentos por um engenhoso sistema de recompensas escondidas atrás de portas. Vladimir (e Anatoly também) viria a apresentar uma cena semelhante com ratos.

Os soviéticos tomaram o poder em 1917. Até então, o treinamento dos animais já se haviam tornado principal vocação do Vladimir. O novo regime de formação divulgaria suas experiências como Soviética realizações culturais, que cativou a atenção do público. É, sobretudo, no domínio da formação que o animal Durovs "tradição continuaria, mesmo que a roupa de palhaço Durov tradicionais seriam passadas de uma geração para outra e continuaria a fazer parte integrante do Durovs" a imagem para os próximos anos.

Vladimir tinha casado com Aleksandra Ignatevna Karnaukhova, com quem teve uma filha, Zinaida, que se tornou um escritora (Zinaida Richter). Um segundo casamento com a irmã de Aleksandra, Natalia (1870-1924), produziu dois filhos, Vladimir (1888-1912) e Natalia (1889-1918), ambos falecidos nos seus vinte anos. Natalia, no entanto, continuou a dinastia Durov com seu filho, Yury Vladimirovich Orlov, que se tornou Yury Durov quando ele foi adotado por seu avô.

Um terceiro casamento com Anna Ignatevna Karnaukhova (1878-1950), a irmã de suas duas esposas anteriores (obviamente, o que começou na família Karnaukhova ficou na família Karnaukhova) produziu uma outra filha, Anna. Em 1933, um ano antes da morte de seu pai, Anna Durova criou o teatro em Moscou Animal Durov Corner, em que havia se tornado Durov Street.

Vladimir Durov morreu em Moscovo em 08 de agosto de 1934. Na época, ele seria mais lembrado do que seu irmão, Anatoly, em parte porque ele viveu mais tempo e sobreviveu bem até a era soviética, em parte porque ele passara a maior parte de sua carreira, em Moscou, ao contrário de seu irmão, que tinha vivido em Voronezh, mais longe dos olhos do público.

Vladimir Durov foi, como seu irmão, um homem bem-educado. Ele tinha desenvolvido um interesse genuíno em fisiologia e comportamento animal. Entre as muitas coisas estranhas feitas por oficiais soviéticos durante seus sete décadas no poder, os cientistas russos mantiveram o cérebro de Vladimir no Instituto do Cérebro em Moscou, provavelmente por algum futuro estudo sobre o comportamento dos palhaços e treinadores de animais ...

O palhaço russo surgiu no início de 1800 com Vladimir e Anatoly Durov. Das aldeias pobres, lutando contra invernos frios e fomes, os irmãos criaram uma nova palhaçada em forma para a cultura russa. O Durovs usavam cerca de 50 animais e mais de 15 espécies, incluindo ratos e gatos juntos. A sua sátira, por vezes extremamente política, fizeram com que fossem freqüentemente expulso de um país ou presos. No início de 1900, anterior à revolução russa de 1917, o palhaço-avant garde se tornou importante para o novo movimento e estava destinado a ser altamente influente no desenvolvimento do teatro, devido à sua influência política durante a revolução.

Os soviéticos depois, criariam a "Escola de Palhaços" com atribuição de um diploma universitário. Através da tempestade da revolução e nos anos seguintes, muitos palhaços novos se desenvolveram a partir de Durov 'irmãos tutela o. Como no início os bobos da corte faziam, os seus ataques satíricos sobre o governo afetou a política de seu dia. O seu louvor para com a classe trabalhadora ajudou muito a causa bolchevique, educando as pessoas e expondo a tirania das classes dominantes.

O palhaço russo continuou a desenvolver a ajuda após a Segunda Guerra Mundial quando Karandash surgiu. Suas travessuras são comparados com Chaplin, no entanto, o personagem era mais esperto com os adversários russos, evitando o abuso que Chaplin freqüentemente encontrava. Em meados da década de 1950, Popov se formou na Escola de Circo de Moscou. Teve aula com Karandash e é considerado como o primeiro palhaço da Rússia, aclamado por seus contemporâneos como um palhaço de caráter agradável no comando de muitas habilidades circenses.

A RODA 2011

2011-04-08T23:45:00.000-07:00

VOLTAMOS! DALE 2011

RODA DOS ARTÍSTAS - EM BREVE O CRONOGRAMA DE 2011.

TEXTO SOBRE O GRAFITTI:

Arte, no seu significado mais abrangente, é a expressão da criatividade, imaginação, ou a combinação de ambas. Ao longo da história da humanidade, várias restrições foram aplicadas a este conceito. A academia partilhou noções vagas, indicadores, tendências sobre este tema. Ao longo dos anos, passados e vindouros, perdurarão diversas discussões sobre o que deve, ou não, ser considerado Arte, Artes e Belas Artes. Na minha opinião, tais divergências mais não são do que variações de apreciação, influenciadas pela evolução da própria condição humana e dos aspectos sócio-culturais que nos rodeiam.
É inegável que a maior parte dos indivíduos sabe o que deve ser considerado arte, bem como o que é simplesmente uma aberração. Tal, tem o valor de uma opinião, nem mais, nem menos. Na sequência deste tópico, que deixo à vossa consideração e discussão, sempre me intrigou o mundo urbano do Graffiti, ou a vulgar arte de rua. Será Arte? Ou somente o devaneio de uma geração? Perdurará? Ou irá desvanecer-se à medida que os edifícios desmoronam e desaparecem no meio do aparente caos urbano?

A consultar, Streetsy - Arte de Rua.

Leia mais: http://obviousmag.org/archives/2005/08/arte_de_rua.html#ixzz1J0PSDlC3

EU VOLTEI !

2011-04-08T22:37:00.000-07:00

GENTE, QUE SAUDADE! TRABALHANDO MUITO, MAS AGORA ACHEI TEMPO NOVAMENTE PRA ATUALIZAR O BLOG! É GENTE... EU VOLTEI!

NÃO ENTENDI PORQUE A CLAUDIA RAIA TÁ NO CLIP, MAS NÃO VOU QUESTIONAR UMA OBRA DESSAS. BEIJO CLAUDIA! TE AMO!

JÁ VOLTO LANÇANDO IDÉIA: NÃO ASSISTI, MAS TO SUSPEITANDO QUE VAI VALER A PENA:

NO MÍNIMO VOCÊS VÃO VER A TEUDA BARA, INCRÍVEL ATRIZ DO GALPÃO, QUE EU AMO TAMBÉM!

VOLTEI AMANDO... AMANDO TODO MUNDO! MAS É VERDADE!

Aos queridos que nos acompanham

2010-10-06T21:36:00.000-07:00

Gente parei aqui hoje para fazer uma homenagem pra esses queridos e queridas que nos acompanham, pessoas que gostam do nosso trabalho e aí fazem essa "loucura" (rs) de nos seguir pra onde vamos.

Essa vontade veio recentemente depois de receber alguns vários presentes de umas "torcedoras" com as quais fui tomar um lanche dia desses.

Beijos e agradecimentos do Gastão pelo carinho e dedicação.

Papai Noel

2010-08-16T13:41:00.000-07:00

Gente querida, ontem ganhamos um presente de natal. E não foi um presente qualquer. Foi um baita presente. Afinal, ganhamos o papai Noel!
Quem esteve no tuca sabe do que eu estou falando. Pra quem não sabe, eu conto agora. E como diria o Adão, os outros podem ir lendo normalmente...
Segundos finais de cena. Estilo aventura. Emilie, Blanche e Duporto desbravando o pólo norte. Elas caminham devagar. Pareciam procurar algum final... E ele chegou. Na verdade, não era um final, mas um início. Início de fluxo e liberdade.
Uma delas aponta pra platéia: olha! O papai Noel!!
Ele estava lá. Moreno de sol. Barba e cabelos brancos. A platéia ri.
Elas vão até ele. Beijam e abraçam. A senhora do lado tira fotos. E pronto. Abrimos a porta e escancaramos o inesperado: todos os palhaços foram tirar fotos com o papai Noel. Quando dei por mim, estava no colo dele. E como num passe de mágica, e na verdade tudo tão natural e orgânico, organizou-se uma fila imensa de crianças e pré adolescentes pra tirar fotos no colo do papai Noel.
Suspensão de tempo, de espaço. Não era mais o tuca, não era mais teatro. Sei lá o que era.
No meio do transe consigo olhar pra platéia com meio olho de fora. Êxtase! Perplexidade! Um senhor ria tanto, mas tanto, mas tanto, que qdo parou de rir parecia que tinha acabado de passar por um daqueles picadeiros punks de curso de palhaço, quando dá pra ver até a alma da pessoa.
Saí do tuca muito feliz. Parecia que eu tinha reencontrado um velho amigo. Pra mim o jogando é isso. E o que sempre me encantou no jogando foi essa absoluta liberdade. E tenho certeza, que foi isso que conquistou o público neste quase 8 anos. Porque na vida as pessoas não podem simplesmente seguir o fluxo dos desejos e das vontades. Há normas, regras, padrões. E lá, no gramado, de repente, rompe-se a prisão.
O jogo vira outra coisa. Isso é o mais incrível. O jogo não é interrompido. Ele simplesmente se transforma. E somos, palhaços e platéia, conduzidos por caminhos da mais absoluta liberdade.
O jogando oferece isso. A possibilidade de ir sem saber pra onde se vai. Do vôo cego.
Saí de lá com a convicção reforçada de que o jogo é só o pretexto pra que a experiência maior aconteça.
Esse é o nosso improviso.
Essa é a fonte que faz as pessoas voltarem e voltarem.
Espero que a gente não se esqueça tão cedo desse presente de natal.

Beijos

Cláudio

Alberto Caeiro, o palhaço de Fernando Pessoa?

2010-06-22T21:00:00.000-07:00

Mas é claro que não posso perder a oportunidade de trazê-lo aqui nesse espaço livre "a correr e a rolar-se pela erva".

Sem nenhuma pretensão ou embasamento acadêmico, ouso convidá-los a um rápido mergulho no universo desse ser. E se puderem se entregar a ver por esses olhos, me digam, quando voltarem se não se trata de um lindo, bom e velho palhaço.

Alberto Caeiro (1889 - 1915):

Alberto Caeiro é considerado o mestre de todos os heterônimos de Fernando Pessoa. Nasceu em Lisboa, mas viveu quase toda a sua vida no campo. Não teve profissão, nem educação quase alguma, só instrução primária; morreram-lhe cedo o pai e a mãe, e deixou-se ficar em casa, vivendo de uns pequenos rendimentos. Vivia com uma tia velha, tia avó. Morreu tuberculoso.

"Num meio-dia de Primavera
Tive um sonho como uma fotografia.
Vi Jesus Cristo descer à terra.
Veio pela encosta de um monte
Tornado outra vez menino,
A correr e a rolar-se pela erva
E a arrancar flores para as deitar fora
E a rir de modo a ouvir-se longe.

Tinha fugido do céu.
Era nosso demais para fingir
De segunda pessoa da Trindade.
No céu tudo era falso, tudo em desacordo
Com flores e árvores e pedras.
No céu tinha que estar sempre sério
E de vez em quando de se tornar outra vez homem
E subir para a cruz, e estar sempre a morrer
Com uma coroa toda à roda de espinhos
E os pés espetados por um prego com cabeça,
E até com um trapo à roda da cintura
Como os pretos nas ilustrações.
Nem sequer o deixavam ter pai e mãe
Como as outras crianças.
O seu pai era duas pessoas -
Um velho chamado José, que era carpinteiro,
E que não era pai dele;
E o outro pai era uma pomba estúpida,
A única pomba feia do mundo
Porque nem era do mundo nem era pomba.
E a sua mãe não tinha amado antes de o ter.
Não era mulher: era uma mala
Em que ele tinha vindo do céu.
E queriam que ele, que só nascera da mãe,
E que nunca tivera pai para amar com respeito,
Pregasse a bondade e a justiça!

Um dia que Deus estava a dormir
E o Espirito Santo andava a voar,
Ele foi à caixa dos milagres e roubou três.
Com o primeiro fez com que ninguém soubesse que ele tinha fugido.
Com o segundo criou-se eternamente humano e menino.
Com o terceiro criou um Cristo eternamente na cruz
E deixou-o pregado na cruz que há no céu
E serve de modelo às outras.
Depois fugiu para o sol
E desceu no primeiro raio que apanhou.
Hoje vive na minha aldeia comigo.
É uma criança bonita de riso e natural.
Limpa o nariz ao braço direito,
Chapinha nas poças de água,
Colhe as flores e gosta delas e esquece-as.
Atira pedras aos burros,
Rouba a fruta dos pomares
E foge a chorar e a gritar dos cães.
E, porque sabe que elas não gostam
E porque toda a gente acha graça,
Corre atrás das raparigas
Que vão em ranchos pelas estradas
Com as bilhas às cabeças
E levanta-lhes as saias.

A mim ensinou-me tudo.
Ensinou-me a olhar para as coisas.
Aponta-me todas as coisas que há nas flores.
Mostra-me como as pedras são engraçadas
Quando agente as tem na mão
E olha devagar para elas.

Diz-me muito mal de Deus.
Diz que ele é um velho estúpido e doente,
Sempre a escarrar para o chão
E a dizer indecências.
A Virgem Maria leva as tardes da eternidade a fazer meia.
E o Espirito Santo coça-se com o bico
E empoleira-se nas cadeiras e suja-as.
Tudo no céu é estúpido como a Igreja Católica.
Diz-me que Deus não percebe nada
Das coisas que criou -
"Se é que ele as criou, do que duvido." -
"Ele diz por exemplo, que os seres cantam a sua glória,
Mas os seres não cantam nada.
Se cantassem seriam cantores.
Os seres existem e mais nada,
E por isso se chamam seres."

E depois, cansado de dizer mal de Deus,
O Menino Jesus adormece nos meus braços
E eu levo-o ao colo para casa.

Ele mora comigo na minha casa a meio do outeiro.
Ele é a Eterna Criança, o deus que faltava.
Ele é humano que é natural.
Ele é o divino que sorri e que brinca.
E por isso é que eu sei com toda a certeza
Que ele é o Menino Jesus verdadeiro.

E a criança tão humana que é divina
É a minha quotidiana vida de poeta,
E é por que ele anda sempre comigo que eu sou poeta sempre.
E que o meu mínimo olhar
Me enche de sensação,
E o mais pequeno som, seja do que for,
Parece falar comigo.

A Criança Nova que habita onde vivo
Dá-me uma mão a mim
E outra a tudo que existe
E assim vamos os três pelo caminho que houver,
Saltando e cantando e rindo
E gozando o nosso segredo comum
Que é saber por toda a parte
Que não há mistério no mundo
E que tudo vale a pena.

A Criança Eterna acompanha-me sempre.
A direcção do meu olhar é o seu dedo apontando.
O meu ouvido atento alegremente a todos os sons
São as cócegas que ele me faz, brincando, nas orelhas.

Damo-nos tão bem um com o outro
Na companhia de tudo
Que nunca pensamos um no outro,
Mas vivemos juntos e dois
Com um acordo íntimo
Como a mão direita e a esquerda.

Ao anoitecer brincamos as cinco pedrinhas
No degrau da porta de casa,
Graves como convém a um deus e a um poeta,
E como se cada pedra
Fosse todo o universo
E fosse por isso um grande perigo para ela
Deixá-la cair no chão.

Depois eu conto-lhe histórias das coisas só dos homens
E ele sorri porque tudo é incrível.
Ri dos reis e dos que não são reis,
E tem pena de ouvir falar das guerras,
E dos comércios, e dos navios
Que ficam fumo no ar dos altos mares.
Porque ele sabe que tudo isso falta àquela verdade
Que uma flor tem ao florescer
E que anda com a luz do Sol
A variar os montes e os vales
E a fazer doer aos olhos os muros caiados.

Depois ele adormece e eu deito-o.
Levo-o ao colo para dentro de casa
E deito-o, despindo lentamente
E como seguindo um ritual muito limpo
E todo materno até ele estar nu.

Ele dorme dentro da minha alma
E às vezes acorda de noite
E brinca com os meus sonhos.
Vira uns de pernas para o ar,
Põe uns em cima dos outros
E bate palmas sozinho
Sorrindo para o meu sono.

Quando eu morrer, filhinho,
Seja eu a criança, o mais pequeno.
Pega-me tu ao colo
E leva-me para dentro da tua casa.
Despe o meu ser cansado e humano
E deita-me na tua cama.
E conta-me histórias, caso eu acorde,
Para eu tornar a adormecer.
E dá-me sonhos teus para eu brincar
Até que nasça qualquer dia
Que tu sabes qual é.

Esta é a história do meu Menino Jesus.
Por que razão que se perceba
Não há-de ser ela mais verdadeira
Que tudo quanto os filósofos pensam
E tudo quanto as religiões ensinam ?"

Alberto Caeiro

"E há poetas que são artistas
E trabalham nos seus versos
Como um carpinteiro nas tábuas!...
Que triste não saber florir!
Ter que pôr verso sobre verso, como quem constrói um muro
E ver se está bem, e tirar se não está!...
Quando a única casa artística é a Terra toda
Que varia e está sempre bem e é sempre a mesma.

Penso nisto, não como quem pensa, mas como quem respira,
E olho para as flores e sorrio...
Não sei se elas me compreendem
Nem sei eu as compreendo a elas,
Mas sei que a verdade está nelas e em mim
E na nossa comum divindade
De nos deixarmos ir e viver pela Terra
E levar ao solo pelas Estações contentes
E deixar que o vento cante para adormecermos
E não termos sonhos no nosso sono."

Alberto Caeiro

Os poemas mostram a forma simples e natural de sentir e dizer de seu autor, voltado para a natureza e as coisas puras.

O Guardador de Rebanhos nos transmite ou propõe uma forte cosmovisão ao querer reintroduzir aparentemente um mundo pagão no século vinte de um ocidente cristianizado, mas também é certo que não possui uma ordem ou hierarquia de valores como é apanágio do poema épico. Pelo contrário, a sua forma modular permite que o poema se alongue com repetições de motivos que passam de texto para texto não resolvidos ou por resolver, numa recombinação sucessiva onde emerge uma insuspeita temporalidade. Assim, a natureza aleatória das séries (outra designação para o poema serial) sugere que estas são anárquicas, não porque acabem num tumulto de sentidos incompreensíveis, mas porque se recusam a impor uma ordem externa nos assuntos que tratam ou desenvolvem.

Por outro lado, se o poema de Caeiro oferece um texto final de adeus, este final é completamente arbitrário, não decorre de nenhuma progressão temática ou narrativa que o exija ou a venha coroar, nem, por outro lado, de uma finalidade ou intencionalidade, como acontece necessariamente com o poema épico. Além disso, a concatenação dos textos que se seguem uns aos outros não é subordinada, antes denuncia o seu acaso de inspiração.

O Guardador de Rebanhos guarda pensamentos, que são sensações. O símbolo do rebanho é a representação do limite da existência humana, onde reside a liberdade. O que possui rastros do religioso torna-se demoníaco. O símbolo rompe a angústia da separação e busca na dimensão do divino, o divino que se rompera.

Na obra há um aperfeiçoamento gradual neste sentido: os poemas finais – e sobretudo os quatro ou cinco que precedem os dois últimos – são de uma perfeita unidade ideo-emotiva.

Alberto Caeiro é o poeta voltado para a simplicidade e as coisas puras. Vive em contato com a natureza, extraindo dela os valores ingênuos com os quais alimenta a alma. Embora contrária às filosofias tradicionais, essa faceta de Fernando Pessoa segue ainda os princípios acadêmicos em seus versos. É o lírico que restaura o mundo em ruínas, quando se relaciona com os seres sensitivos, ou o bucólico que foge para o campo, onde encontra maneira poética de sentir e de viver. Em Caeiro há uma "ciência espontânea", um "misticismo materialista" e uma "simplicidade complexa" - "atributos paradoxais que servem para intensificar e tornar crível a sua extraordinária singularidade".

Pa Ra Da - Miloud Oukili

2010-05-31T15:35:00.000-07:00

O premiadíssimo e elogiado Pa Ra Da.

Miloud Oukili é um palhaço franco-argelino que chega a Budapeste em 1992 para trabalhar em hospitais. Mas ele conhece garotos que moram nos esgotos e decide que vai ficar com eles e ajudá-los. Com seu carisma, ele mergulha nesse mundo e faz o possível para mostrar que ainda há esperanças e que uma outra vida é possível.

Filme baseado na história real de Miloud Oukili, ganhou um prêmio no Festival de Cinema de Veneza.

Um anjo vestido de palhaço, disposto a fazer a diferença!

Ano de Produção: 2008
País de origem: Itália/França/Romênia
Gênero: Drama

Duração: 94

Direção: Marco Pontecorvo.
Elenco: Jalil Lespert, Evita Ciri, Daniele Formica, Gabriel Rauta, Patrice Juiff, Bruno A. Kremer, Robert Valeanu, Cristina Nita, Liviu Bituc, Florin Precup, Andreea Perminov, Iulian Bucur.

Miloud Oukili

Clowns da peste! por Tiago Gonçalves

2010-05-31T14:50:00.000-07:00

"Discutimos a potência do riso. A possibilidade de reconstruir, por meio do humor, a realidade atual. Trabalhar a sociedade para encarar o riso como forma de lidar com seus problemas."
Francis Lebarbier

Dentro ou fora da lona, o real tende a copiar o fantástico. Ou seria ao contrário? No caso dos clowns: o argelino Hugues Roche e o francês Francis Lebarbier, fanfarrões da La Compagnie Matapeste ou simplesmente Les Matapeste; a ordem dos fatores não altera as gargalhadas. Mesmo assim, a personalidade de cada um dos dois está, em certos momentos, ligada à essência do tipo de clown que executam.

Lebarbier, de 53 anos, intérprete de Charles Matapeste, se mostra tímido fora do palco. De palavras comedidas, feito criança no castigo, é a personificação do Clown Branco (palhaço sutil e requintado), um tanto melancólico. Do lado extremo, Roche, de 59 anos, o pai de Félix Matapeste, é o piadista da dupla. Sempre com uma gag na ponta da língua, guarda na casaca do temperamento características dignas do bom e velho Augusto (o palhaço extrovertido), entre elas o escracho.

Essa dicotomia clownesca pôde ser atestada durante o bate-papo da reportagem do Caderno C com os clowns, seja no camarim do Sesc-Campinas antes da apresentação de Noces do Clowns (do francês Bodas de Palhaços) ou no hall de entrada do Royal Palm Plaza, onde ficaram hospedados durante a temporada em Campinas, no começo de outubro de 2009.

A passagem de Les Matapeste (www.clownsmatapeste.com) pela cidade, durante a 12ª Semana Francesa de Campinas, e por outras cidades do País, vem ao encontro das comemorações do Ano da França no Brasil. A seguir, trechos da entrevista, que se configura mais como um papo amistoso entre este repórter, um aficionado por circo, e dois representantes do riso, do que qualquer outra coisa mais formal.

Agência Anhanguera — Les Matapeste não são de origem circense. Portanto, quais são suas primeiras referências de palhaço?

Hugues Roche — Sou de uma geração na qual o circo era bem tradicional e muito forte na França. Lembro de assistir às quintas-feiras na televisão um programa com clowns. Foi muito engraçado: anos depois que comecei a trabalhar como clown me lembrei de um fato na escola, quando eu tinha nove anos. A professora fez uma pergunta à classe: o que vocês gostariam de ser quando crescer? Eu disse: clown. Depois disso, esqueci.

Francis Lebarbier — Zavatta! Achille Zavatta (célebre clown da França). Tenho ele como uma lembrança engraçada de minha infância. Eu ria muito. Mas, nessa época, nunca pensei e nem tinha a pretensão de um dia ser clown. Mas sempre fui o engraçadinho de minha turma, da minha família. Desde os sete anos, já tinha uma disposição a fazer os outros rirem.

Mesmo não alimentando o mesmo sonho profissional, como que Hugues e Francis se encontram?

Lebarbier — Num grupo de teatro amador...

Roche — ...que levava o nome do bairro onde ensaiávamos, o Clos Bouchet, em Niort. Na época, estava com 26 anos...

Lebarbier — ...e eu com 17 anos. Na verdade, comecei a fazer teatro no colégio, a partir de 11 anos. Depois dos estudos, entrei para o teatro amador...

Roche — Eu era uma pessoa tímida, introspectiva. Eu precisar colocar para fora tudo o que eu tinha guardado dentro de mim. Já fazia teatro no meu dia a dia, mas não sabia até que chegou o momento de ir para o palco. Na primeira vez que fiz teatro, percebi que era a minha vocação.

Qual linguagem teatral permeava os espetáculos do grupo amador. Já havia uma queda pela graça?

Roche — Sim, basicamente humor.

Lebarbier — Estrutura de cabaré com esquetes cômicas envolvendo amor e os absurdos, paródias do cotidiano, caricaturas, marionetes... Misturando tudo isso com poesia e música.

Qual foi a motivação que tocou aquele grupo de teatro amador e o fez se interessar pela máscara do palhaço?

Roche — Em 1978, quando começamos efetivamente a fazê-los, foi justamente numa época de efervescência dos clowns. Foi um momento forte na França de entrada maciça dos espetáculos de clowns nas salas de teatros.

Lebarbier — Nessa época, muitas companhias, como os circos Archaos, Plume e Baroque, passaram a refletir sobre uma nova maneira de encarar o circo. Assimilando tudo isso, resolvemos desfazer o antigo grupo e montar nossa própria companhia.

A partir daí, direcionariam à pesquisa do grupo somente à arte dos clowns?

Roche — No começo, nossa companhia, que era formada basicamente pelas mesmas pessoas do grupo amador, seguiu uma linguagem que desenvolvemos durante um estágio de clowns que fizemos no norte da França. Do resultado desse trabalho, tivemos a oportunidade, dois meses depois da conclusão da oficina, de fazer um espetáculo de Natal usando a máscara do clown.

Lebarbier — Esse estágio foi uma revelação para nós dois. Gostamos daquele contato. Com essa linguagem de clown, percebemos que poderíamos reunir tudo o que a gente gostava e tinha feito, que era poesia, música, humor, absurdo, cabaré... E, com isso, tratar de coisas importantes como carinho, política, filosofia.

No início, o grupo se chamava A Pequena Companhia, mas descobriram que existia na França um grupoteatral já batizado com tal nome. Qual a razão de Les Matapeste?

Lebarbier — Matapeste trata-se de uma contração do Capitão Matamoros, da Commedia Dell’Arte, que era uma pessoa fanfarrona, pretensiosa, sem coragem com...

Roche — ...peste! Ele era uma peste!

Lebarbier — Escolhemos esse nome porque queríamos algo mais próximo de nossa realidade de pesquisa. Foi uma forma também de sintetizar os dois universos dos clowns: eu, como o Branco, e Hugues, como o Augusto.

Roche — Nasceu em 1980 como A Pequena Companhia Matapeste, que virou Companhia Matapeste e, por fim, só Les Matapeste...

De lá até cá, a companhia produziu 25 espetáculos, entre adultos e infantis, palco italiano ou rua. Quantos continuam no repertório?

Roche — Cinco: Clic Cac Les Z’amoureux, Les Matatchékov, a partir de Anton Tchekov; Noces de Clowns, Jonny Berouette e Effroyables Jardins, a partir de Michel Quint.

Lebarbier — Os três primeiros apresentamos no Brasil. Com a ajuda de um músico de Recife, que mora muitos anos na França, fizemos uma versão em português dos espetáculos.

Roche — Não foi muito fácil de se aprender o idioma, mas o português é uma língua muito agradável...

De onde vem a inspiração da companhia em revisitar clássicos da literatura universal assinados por Dante Aligheri, Miguel de Cervantes, Daniel Defoe ou Anton Tchekov?

Roche — Um dia um cenógrafo amigo, lendo A Divina Comédia, de Dante Aligheri, nos propôs uma adaptação. Assim fizemos La Divine Clownerie e foi o primeiro sucesso da nossa companhia. De fato, todas essas histórias, como também Don Juan, Robinson Crusoé e Os Cavaleiros da Távola Redonda, correspondem à nossa maneira de enxergar o clown. Trazem personagens originários da fragilidade ou das contradições humanas, como os clowns, que conduzem o ser humano à razão, à prudência ou à sensatez.

Lebarbier — Nossos clowns interpretam essas grandes histórias com muita sinceridade. Não fazemos paródias. De maneira, alguma! São inspirações.

Após o espetáculo Noces de Clowns, apresentado em Campinas, um palhaço brasileiro embevecido pela tradição europeia do clown quase mudo ficou admirado com o trabalho da dupla, no qual o texto tem papel fundamental. A palavra é íntima dos palhaços franceses?

Lebarbier — A maioria dos clowns franceses tem uma ligação muito forte com o texto. Aliás, tem um livro muito importante na tradição dos clowns da França, o Entradas de Clowns, que traz esquetes cômicas de várias épocas e em todas elas o texto está presente. Sempre há diálogos, ao contrário dos clowns russos, que estão mais ligados à pantomima. Quase não falam.

Roche — Por outro lado, trabalhamos com discípulos de Jacques Lecoq (mímico francês que defendia a mescla entre mímica objetiva e subjetiva), um exímio treinador da arte gestual. Gostamos muito da formação do treinamento de Lecoq relacionada ao bufão, enquanto à do clown e à da Commedia Dell’Arte, não. As achamos muito estereotipadas.

“Em muitos casos, a sociedade precisa do palhaço para recolocar em primeiro plano os verdadeiros valores de solidariedade e de compartilhamento.”
Hugues Roche

Em mais de 30 anos de atividades ininterruptas, Les Matapeste aterissaram em aproximadamente 40 países. Em algum deles, a dupla percebeu certa aversão à arte do clown?

Roche — Sim, mas nunca a ver com determinada cultura ou país e sim com classe econômica. Ao acreditar piamente em certezas pré-concebidas e não abrir mão delas por nada; o público da grande ou pequena burguesia não aceita a imagem do homem frágil e contraditório que tanto defendemos. O humor questiona as normas da sociedade, exclusivamente as que levam o indivíduo a negar seus desejos e fragilidades, e esse tipo de plateia não gosta.

A partir dessa consideração, vocês dividem a opinião de que a graça do palhaço não serve simplesmente para entreter?

Roche — O humor sobre si mesmo é compartilhado por todas as culturas e sob formas distintas: ao mesmo tempo em que toca em aspectos humanos como desejos de riqueza e poder ou normalidade; ele também atua no sentido inverso, o da submissão ou do fato da pessoa se passar por vítima. Em muitos casos, a sociedade precisa do clown para recolocar em primeiro plano os verdadeiros valores de solidariedade e de compartilhamento.

Lebarbier — Graças à força envolvente do riso, do sonho, da poesia, da imaginação e, também, do questionamento da ordem estabelecida, o clown se torna a grande figura de nossa sociedade.

Les Matapeste estão em turnê pela primeira vez no Brasil. Qual avaliação da dupla sobre a plateia brasileira?

Roche — As reações com nossas piadas são encontradas no mundo inteiro, mas no Brasil percebemos que o público gosta muito mais de participar dos espetáculos. Isso foi uma particularidade que encontramos muito em nossa turnê pelo País. Quando convidamos pessoas para subirem ao palco ou nos ajudar na trama, geralmente os espectadores morrem de vergonha. No Brasil, isso não acontece. As pessoas encarnam logo o personagem.

Lebarbier — Às vezes, temos que parar e agradecer a participação, porque senão eles querem continuar. Em Campinas, por exemplo, escolhi um senhor para ser um doutor no espetáculo Les Matatchékov e ele entrou de corpo e alma no personagem. Não queria ir embora...

A dupla conhece ou já teve a oportunidade de trabalhar com algum clown brasileiro?

Roche — Não.

Lebarbier — Não conhecemos...

Roche — Mas sabemos que há muitos clowns bons no Brasil. Infelizmente, nunca recebemos um brasileiro no encontro mundial de clowns que realizamos.

Apesar de configurar como a reunião de clowns de várias partes do mundo, o encontro Le Très Grand Conseil Mundial des Clowns, organizado por vocês, não é simplesmente uma vitrine artística para essa linguagem. Conte um pouco do propósito desse evento.

Lebarbier — Não é realmente um festival e sim um conselho, que se reúne a cada dois anos para falar e discutir problemas que existem no mundo. Nós convidamos o máximo de palhaços das mais possíveis nacionalidades e que utilizam a linguagem do clown de inúmeras maneiras...

Roche — ... para trabalharmos juntos cenas e organizarmos assembleias, que atuam tanto na vertente artística quanto na social e política. Estamos na quarta edição.

Lebarbier — Discutimos a potência do riso. A possibilidade de reconstruir, por meio do humor, a realidade atual. Trabalhar a sociedade para encarar o riso como forma de lidar com seus problemas. O festival aconteceu em junho desse ano e dois clowns, por exemplo, trabalharam a crise mundial. Cada um tinha uma solução para tentar, à sua maneira, solucionar esse problema.

Roche — Foram soluções de clowns...

(Publicado in Correio Popular - Caderno C, outubro/2009, p.08)

Não me canso de recomendar esse incrível site: circonteudo.com.br

Bello Nock - O palhaço equilibrista.

2010-05-31T10:20:00.000-07:00

Palhaço nova-iorquino desafia a gravidade a 30 metros do chão

Bello Nock passou de um prédio a outro se equilibrando em um cabo de aço, no Lincoln Center Plaza

O número não é original, mas ainda impressiona. O palhaço Bello Nock atravessou um praça de Nova York, se equilibrando em um cabo de aço, a 30 metros de altura.

Nock, que já foi considerado o melhor palhaço dos EUA pela revista Time, em 2001, percorreu a distância de 205 metros, em pouco mais de meia hora

"Para mim, é tão simples... que a vida deve ser vivida perigosamente. É preciso exercitar a rebelião. Recusar-se a ficar preso a regras. Recusar o próprio sucesso. Recusar a se repetir. Ver cada dia, cada ano, cada ideia como um verdadeiro desafio. E então você vai viver na corda bamba". Philippe Petit

Em 7 de agosto de 1974, o jovem francês Philippe Petit andou durante uma hora sobre um cabo de ferro suspenso entre as duas torres do World Trade Center.

DIÁRIO DO GASTÃO

2010-05-31T10:02:00.000-07:00

Dezembro/ 2010

Comemoração dos 8 anos foi incrível! Eu agradeço! Pelo Cabaré que revelou mais Gastão; Adão, meu mega parceiro com sua generosidade natural me trouxe pra um mundo de "mim mesmo"; Olímpio, um lindo com sua sensibilidade nos trouxe a provocação generosa do risco pra nos reconhecermos; Cizar, amado professor, com sua inteligência de mestre nos mostrou no espelho pra que pudéssemos falar aquilo exatamente que queríamos falar; Manela com seu acolhimento me ensinando a poder errar; Manja meu irmaozão que me ensina ser o que se é dentro e fora de cena; Nando meu Don Quixote que com seu acreditar me ensina a escalar altas torres com um sorriso leve no rosto; Fonseca, sempre com seu olhar de irmão mais velho, quem me abriu a porta dessa que hoje é minha grande família; Agradeço por esse público querido e seus olhos generosos e acolhedores que recebem nossas almas expressas na mais ridícula forma; Agradeço a minha coragem nessa busca de ser o que sou pra poder enxergar o que é meu; Blanche que me ensinou que sou um torto apaixonado e bobo e que pessoas podem gostar de mim por essa minha estranheza; Du porto que não me deixa nunca esquecer o porque mais profundo dessa escolha de vida; Rubra que com um simples olhar me apóia e me estimula tanto; Agradeço essa Roda que é a vida e me ensina tanto a cada dia; Chabilson meu mano que se reinventa tanto e me ensina a querer sempre mais; Emily que ensina o poder de olhar o mais simples; Pelanca que me ensina sua tecnologia social; João Grandão que me ensina a leveza. Agradeço!

09/11/2010
A vida é linda! Muitas coisas boas acontecendo! Jogando viajando, Salvador, Minas, Paraíba, ... Comemoração dos 8 anos com apresentação de dez espetáculos da Cia já confirmado pra segunda semana de dezembro! A Roda está recebendo olhares externos dos palhaços da Cia e está passando de uma pesquisa de rua para uma peça mesmo. O curso do Ricardo Napoleão incrível, sem palavras. E a conclusão da história é: trabalhar muito, sempre! Não é fácil nos desarmarmos, não é fácil estar no risco, no desequilíbrio, então dalhe trabalho, estudo, pesquisa, experiência, mudanças, novas tentativas, desaprenderes, novidades, reexperimentar,...
Tô amando isso aqui ter virado ponto de visita e pesquisa de palhaços. Assim que puder, vou postar mais coisas, matérias e entrevistas que estou fazendo. Beijos

30/08/2010
Putz, armei uma arapuca pra mim mesmo. Tanta coisa acontecendo que fica difícil atualizar esse diário, mas vou tentando resumir. Uau! Acabou ontem a temporada no Tucarena com uma energia de recriação. É, o Jogando está se recriando, profundamente se recriando. Muito amor pra nós! Fizemos novas rodas de rua, eu e Federa, estamos nos divertindo cada vez mais. Novos passos importantes dos Fantásticos Frenéticos na Casa, instituto psiquiátrico, e um grande interesse da equipe de profissionais em olhar pra linguagem desses palhaços com os pacientes.
Tentei fazer muitos cursos e não consegui fazer nenhum, vou seguir meu velho e bom Ricardo Napoleão até o final do ano com seus ensinamentos que já me transformaram tanto e de resto é trabalhar, aprender com esses lindos amigos que sempre me ensinam MUITO, em cena e fora, e ser feliz, ser leve.

21/06/2010
Estreiamos no Tuca dia 05. Estou me divertindo com esse clima Jogando na Copa. A produção caprichou, temos uns bandeirões de torcidas, bandeiras dos times, uniforme novo e o clima está cada vez mais de estádio. Apareçam!
Informo também que movimentos, agora bem significativos, estão acontecendo pra que, nessa segunda metade do ano, apareçam com força três novos projetos que estou envolvido: tem banda, tem rua e tem palco pintando. Aguardem.

31/05/2010

Esse mês foi incrível! Tivemos Jogando no Quintal em Atibaia, Brasília, São Paulo, Mogi, ... , fizemos as últimas apresentações da temporada no Circo Roda, ensaiamos para a estréia no Tucarena que vai ser dia 5 de Junho, fizemos as fotos pro álbum de figurinhas do Jogando.

Tivemos a honra da participação de Fernandinho Sampaio, o Palhaço Padoca do Circo Zanni.

A saída de rua do Adão e do Gastão esse mês foi dupla, fizemos com o Projeto PraLer uma e a outra já tradicional na praça do Patriarca.

Distendi a panturrilha, fiquei rouco e resfriado.

Tivemos uma Jam session incrível no Instituto A Casa onde atendemos pelo projeto Fantásticos Frenéticos.

Encontrei dois queridos: Dagoberto Feliz e Ricardo Napoleão, tivemos papos deliciosos.

Tá todo mundo ficando mais velho e mudando de casa, as viagens continuam excursões da Oitava C (delícia) e o Olimpio foi pra Roça.

Esse último final de semana fizemos Jogando em Sto André, que público querído, foi uma delícia.

Rubra, Pelanca e Manjericão foram pro Festival Internacional de Circo e tivemos participações mais que especiais do Suiço Loko e Chuck's Man na Banda.

Livro do Jacques Lecoq - LANÇAMENTO!

2010-05-31T09:12:00.000-07:00

CHEGA AO BRASIL, COM TRADUÇÃO DE MARCELOS GOMES E PREFÁCIO DE RICARDO NAPOLEÃO, A OBRA DE LECOQ: O CORPO POÉTICO: Uma Pedagogia da Criação Teatral.

Você encontra na Livraria Cultura, Loja SESC, Americanas.com, zura.com.br.

O Corpo Poético - Uma Pedagogia da Criação Teatral

Jacques Lecoq sempre é lembrado e reverenciado por ex-alunos, atores, diretores e autores teatrais e até por arquitetos. Mas quem foi ele? Qual foi sua trajetória? Quais foram seus objetivos e ensinamentos? O Corpo Poético - Uma Pedagogia da Criação Teatral , fruto de entrevistas concedidas a Jean_Gabriel Carasso e Jean-Claude Lallias, responde essas questões. Da mimodinâmica à geodramática da máscara neutra aos territórios dramáticos, Jacques Lecoq nos apresenta sua Escola Internacioal de Teatro.

Jacques Lecoq fundou sua escola internacional de teatro em Paris no ano de 1956. Pedagogo atento ao mundo e a seus movimentos, ao que há de universal no teatro, Lecoq constituiu um ponto de referência a partir do qual seus muitos alunos puderam basear-se, descobrir-se, enfim educar-se, respeitados diferenças culturais, história, imaginário, possibilidades e talentos de cada um. Pelo mundo inteiro, antigos alunos atores, diretores de teatro, cenógrafos, autores e até arquitetos sempre fazem referência a seus ensinamentos. De Philippe Avron a Ariane Mnouchkine, de Luc Bondy a Steven Berkoff, de Yasmina Reza a Michel Azama e Alain Gautré, de William Kentridge a Geoffrey Rush, do Footsbarn Travelling Theatre ao Théâtre de la Jacquerie, dos Mummenschantz ao Nada Théâtre de la Complicité... a lista dos influenciados por Lecoq é longa e diversificada. Fruto de numerosas entrevistas concedidas aos organizadores, O corpo poético responde a questões como: quem foi Jacques Lecoq, qual foi sua trajetória, quais são seus objetivos e métodos de ensino, permitindo que acompanhemos sua didática passo a passo.

Clássicos!

2010-05-24T09:57:00.000-07:00

Chaplin

Tino Scotti

Harold Lloyd

Buster Keaton

Os três patetas - ( Larry Fine / Curly Howard/ Moe Howard)

Olyver Hardy e Stan Laurel (nascido Arthur Stanley Jefferson) - O Gordo e o Magro.

Irmãos Marx

Giulietta Masina

Ben Turpin

Jackes Tati

Abbott and Costello

Minhas "Sessões da Tarde"

2010-05-23T17:29:00.000-07:00

Aqui vai uma postagem que particularmente me deu muitíssimo prazer em fazer porque são as "bobagens" que eu assistia na infância e adolescencia na TV (anos 70/ 80):

Gene Wilder
Gene Wilder (11 de junho de 1933, Milwaukee), nascido Jerome Silberman, é um ator americano.

Gene Wilder ficou conhecido por participar dos filmes do diretor Mel Brooks e atuar em parceria em algumas comédias com o comediante Richard Pryor. Atuou com Harrison Ford no filme O Rabino e O Pistoleiro. Casou-se com a atriz Gilda Radner, que morreu de câncer. Em 2005, Gene Wilder lançou uma autobiografia desde sua infância até a morte de sua esposa, chamada Kiss Me Like A Stranger. Atuou como Willy Wonka na primeira versão do A Fantástica Fábrica de Chocolate em (1971).Em sua carreira, recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, por sua atuação no filme Primavera Para Hitler em 1969 e de Melhor Roteiro Adaptado por O Jovem Frankenstein em 1975. É hoje considerado um dos melhores comediantes de sempre.

Filmografia
Bonnie and Clyde - Uma rajada de balas (BR) (1967)
The Producers - Primavera para Hitler (BR) (1968)
Start the Revolution Without Me - Mercenários num Reino em Chamas (BR) (1970)
Quackser Fortune Has a Cousin in the Bronx (1970)
Willy Wonka & the Chocolate Factory - A fantástica fábrica de chocolate (BR) (1971)
Everything You Always Wanted to Know About Sex (But Were Afraid to Ask) - Tudo que você sempre quis saber sobre sexo, mas tinha medo de perguntar (BR)(1972)
The Scarecrow (1972)
Rhinoceros (1974)
Blazing Saddles - Banzé no Oeste (1974)
The Little Prince - O pequeno príncipe (1974)
Young Frankenstein - Jovem Frankstein (BR) (1974)
The Adventure of Sherlock Holmes' Smarter Brother - O irmão mais esperto de Sherlock Holmes (BR) (1975) (Ator e Diretor)
Silver Streak - O expresso de Chicago (BR) (1976)
The World's Greatest Lover - O maior amante do mundo (BR) (1977) (Ator Diretor escritor e produtor)
The Frisco Kid - O rabino e o pistoleiro (BR) (1979)
Sunday Lovers - Amantes sensuais (BR) (1980) (Ator, Diretor e escritor)
Stir Crazy - Loucos de dar nó (BR) (1980)
Hanky Panky - Hanky Panky: Uma dupla em apuros (1982)
The Woman in Red - A dama de vermelho (BR) (1984) (Ator, Diretor e escritor)
Haunted Honeymoon - Lua-de-mel assombrada (BR) (1986) (Ator, Diretor e escritor)
See No Evil, Hear No Evil - Cegos, surdos e loucos (BR) (1989) (Ator e escritor)
Funny About Love - As coisas engraçadas do amor (BR) (1990)
Another You - Um sem juízo, outro sem razão (1991)
Murder In A Small Town - Crime numa pequena cidade (BR) (1999)
Alice in Wonderland - Alice no país das maravilhas (BR) (1999)
The Lady In Question (1999)

Mel Brooks

Foi o ganhador do Oscar em 1968 pelo filme Primavera para Hitler (que refilmou em 2005), além de diversas outras indicações. Tornou-se conhecido pela produção (em parceria com Buck Henry) da série de TV O Agente 86 (BR), exibida no período de 1965-1970. Sua especialidade é a paródia dos diversos gêneros cinematográficos: depois de satirizar os filmes de agente secreto com o impagável Agente 86 (interpretado por Don Adams), a partir da década de 70 Brooks faria o mesmo com os western (Banzé no Oeste, com um xerife negro), terror (O Jovem Frankenstein e Drácula - morto mas feliz), aventura (A louca louca história de Robin Hood), Suspense (Alta Ansiedade), filmes bíblicos (História do Mundo - parte 1), ficção científica (S.O.S. - Tem um louco solto no espaço) e cinema mudo (A última loucura de Mel Brooks).

Gosta de dirigir um grupo seleto de comediantes, que se repetem em seus filmes, sejam como protagonistas, sejam em participações especiais: (Gene Wilder, Dom DeLuise — que apareceu em 12 filmes de Brooks — Madeline Khan), além de sua esposa Anne Bancroft que trabalhou com ele em Sou ou não sou e A última loucura de Mel Brooks.

Lista de Filmes do cineasta
2005 - Os produtores (The Producers) (voz)
2005 - Robôs (Robots) (voz)
2002 - It's a very merry Muppet Christmas movie (TV)
2000 - Sex, lögner & videovald
1999 - Um convite italiano (Svitati)
1998 - O príncipe do Egito (The Prince of Egypt) (voz)
1995 - Drácula - Morto, mas feliz (Dracula: Dead and Loving It)
1994 - Os batutinhas (The Little Rascals)
1994 - Loucos, birutas e debilóides (Il silenzio dei prosciutti)
1993 - A louca louca história de Robin Hood (Robin Hood: Men in Tights)
1991 - Que droga de vida (Life Stinks)
1990 - Olha quem está falando também (Look Who's Talking Too) (voz)
1987 - S.O.S. - Tem um louco solto no espaço (Spaceballs)
1983 - Sou ou não sou (To Be or Not to Be)
1981 - História do mundo - Parte 1 (History of the World: Part 1)
1979 - The Muppet movie (The Muppet Movie)
1979 - The Muppets go Hollywood (TV)
1977 - Alta ansiedade (High Anxiety)
1976 - A última loucura de Mel Brooks (Silent Movie)
1974 - O jovem Frankenstein (Young Frankenstein) (voz)
1974 - Banzé no oeste (Blazing Saddles)
1970 - Banzé na Rússia (The Twelve Chairs)
1968 - Primavera para Hitler (The Producers)
1965 - Agente 86 (Get Smart)(TV)
1963 - The Critic (voz) (curta-metragem)

Prémios
Ganhou o Óscar de Melhor Argumento Original, por seu trabalho em "The Producers" (1968).
Recebeu uma nomeação ao Óscar, na categoria de Melhor Argumento Adaptado, por seu trabalho em "Young Frankenstein" (1974).
Recebeu uma nomeação ao Óscar, na categoria de Melhor Canção Original, pela canção "Blazing Saddles", de "Blazing saddles" (1974).
Recebeu duas nomeações ao Globo de Ouro, na categoria de Melhor Actor - Comédia/Musical, pelo desempenho em "Silent movie" (1976) e "High anxiety" (1977).
Recebeu uma nomeação ao Globo de Ouro, na categoria de Melhor Argumento, por "The Producers" (1968).
Recebeu uma nomeação ao BAFTA, na categoria de Melhor Argumento, por "Blazing saddles" (1974).
Mel Brooks é uma das poucas pessoas a receberem um Óscar(prêmio de cinema),um Grammy(prêmio de música),um Emmy(prêmio de TV) e um Tony(prêmio de teatro).Todos esses prêmios,os maiores em sua categoria:Cinema, Música, TV e Teatro.

Don Adams

Donald James Yarmy, mais conhecido como Don Adams (Nova Iorque, 13 de abril de 1923 — Los Angeles, 25 de setembro de 2005), foi um comediante e ator norte-americano.

Biografia
Filho[1] de judeu-húngaro que gerenciava uma pequena rede de restaurantes no bairro do Bronx, o jovem Don gostava de faltar às aulas para ir ao cinema. O sobrenome Adams ele aproveitou do casamento com sua primeira esposa, Adelaide Adams, pois seu último nome não o ajudava muito e as audições eram feitas sempre pela ordem alfabética.

Criou fama como protagonista[2] da série de comédia norte-americana Get Smart, como o personagem Maxwell Smart, o trapalhão agente 86, nome pelo qual a série era conhecida no Brasil. Causou sucesso estrondoso, rendendo-lhe várias indicações a prêmios como o Globo de Ouro e o Emmy, sendo que, nesse último, ganhou três vezes consecutivas na categoria de melhor ator de séries cômicas. A série foi exibida de 1965 a 1969 pela NBC e teve mais uma temporada em 1970 pela ABC. Fazia-lhe par, na série, a agente 99, interpretada pela atriz Barbara Feldon. O par acabou se tornando um casal no seriado. Smart e 99 se casaram na temporada de 1970 e tiveram gêmeos.[3]

Mesmo com o término da série original, Don e Barbara ficaram ligados aos personagens.[4] Realizaram longas-metragens e filmaram para a TV uma nova série, que continuou a história dos agentes 86 e 99: no seriado, eram os pais de um jovem agente igualmente atrapalhado (interpretado por Andy Dick).

Richard Pryor
Richard Franklin Lenox Thomas Pryor (Peoria, 1 de dezembro de 1940 — Los Angeles, 10 de Dezembro de 2005) foi um ator e comediante estadunidense. Encantou o público com seu humor ácido, repleto de críticas sociais, e com sua facilidade para o drama. Casou-se por sete vezes.

Filmografia
1997 - A Estrada Perdida (Lost Highway)
1996 - Prazer em Matar-Te (Mad Dog Time)
1991 - The Three Muscatels
1991 - Um sem Juízo, Outro sem Razão (Another You)
1989 - Os Donos da Noite (Harlem Nights)
1989 - Cegos, Surdos e Loucos (See No Evil, Hear No Evil)
1988 - Mudança do Barulho (Moving)
1987 - Condição Crítica (Critical Condition)
1986 - Jo Jo Dancer, Your Life Is Calling
1985 - Chuva de Milhões (Brewster's Millions)
1983 - Superman III
1982 - o Brinquedo (The Toy)
1982 - Apuros e Trapalhadas de Um Herói (Some Kind of Hero)
1981 - Bustin' Loose
1980 - Loucos de Dar Nó (Stir Crazy)
1980 - O Hábito Não Faz o Monge (In God We Tru$T)
1980 - A Outra Face de Moisés (Wholly Moses)
1979 - The Muppet Movie
1978 - California Suite (California Suite)
1978 - O Mágico Inesquecível (The Wiz)
1978 - Blue Collar
1977 - Which Way Is Up?
1977 - Greased Lightning
1976 - O Expresso de Chicago (Silver Streak)
1976 - The Bingo Long Traveling All-Star & Motor Kings
1976 - Car Wash (Car Wash)
1975 - Adiós Amigo
1974 - Aconteceu num Sábado (Uptown Saturday Night)
1973 - Hit!
1973 - The Mack
1973 - Some Call It Loving
1972 - Lady Sings the Blues
1971 - You've Got to Walk It Like You Talk It Or You'll Lose That Beat
1970 - Carter's Army (TV)
1969 - The Young Lawyers (TV)
1968 - Uncle Tom's Fairy Tales
1968 - Violência nas Ruas (Wild in the Streets)
1967 - The Busy Body

Loucademia de Polícia
Police Academy (br: Loucademia de Polícia) é uma série de filmes de comédia lançada em 1984 nos Estados Unidos da América, e que foram um grande sucesso de bilheteria. A série deu origem a seis sequências e a série animada.

Jerry Lewis
Jerry Lewis, nome artístico de Joseph Levitch, (Newark, 16 de março de 1926) é um comediante, ator, produtor, diretor e escritor de cinema norte-americano. Iniciou sua carreira artística como parceiro de Dean Martin, formando a dupla cômica que faria grande sucesso no cinema internacional até meados dos anos 50. Divergências na concepção dos filmes e um certo ciúme profissional fizeram com que a dupla se desfizesse em 1956. A partir daí Jerry Lewis tomaria o controle de sua carreira e além de ator, trabalharia também como diretor e produtor de vários de seus filmes, alcançando grandes êxitos de bilheteria e se mantendo como um dos principais astros de Hollywood até 1966. Depois dessa data sua carreira de ator de filmes entraria em declínio. Nos anos 70 Jerry se dedicaria a seus programas na televisão americana, sempre com grande sucesso.

No cinema, ele é mais lembrado pela comédia o "O Professor Aloprado", filme de 1963, refilmado em 1996 com Eddie Murphy no papel principal.

Na versão original, o personagem desastrado de Jerry se transformava em um conquistador de mulheres, na verdade uma paródia de seu antigo parceiro Dean Martin. Em 1976, os dois se reencontrariam em um programa beneficente, por iniciativa de Frank Sinatra. Jerry contaria em uma entrevista a Larry King que se orgulhou de na hora contornar a surpresa e proferir sem querer uma grande tirada: perguntou a Dean se ele estava trabalhando...

Nos anos 80 Jerry Lewis aceitou voltar ao cinema e fazer alguns papéis dramáticos, como em "O Rei da Comédia (BR)" de Martin Scorsese. E também uma participação na série de televisão "Wiseguy" (br.: O Homem da Máfia).

Steve Martin
Steve Martin possui um estilo próprio de atuação e interpretação, e também um talento para escrever roteiros de comédias, o que lhe permitiu atingir o sucesso a partir dos anos 1970.

O início na carreira nos anos 1960 foi como escritor e ator de quadros de humor em séries de TV canadenses e estadunidenses. A virada da carreira ocorreu com a sua participação no programa de humor Saturday Night Live, onde conseguiu projeção internacional.

Com a oportunidade de fazer cinema, em 1978 estreou o filme O Panaca (The Jerk), do diretor Carl Reiner, onde interpretava um jovem branco com problemas cerebrais, que fora adotado por uma família negra. Com a popularidade obtida no filme, torna-se uma estrela do cinema, protagonizando outros sucessos de bilheteria como O pai da noiva, Cliente morto não paga e Os Safados. Em 2006 participou do novo filme da A Pantera Cor-de-Rosa, onde faz o lendário inspetor Jacques Clouseau, originalmente interpretado por Peter Sellers.

Filmografia
2011 - Doze é demais 3
2009 - Simplesmente Complicado
2009 - A Pantera Cor-de-Rosa 2
2006 - A pantera cor-de-rosa
2005 - Doze é demais 2
2005 - Garota da vitrine
2003 - A casa caiu
2003 - Looney Tunes - De volta à ação
2003 - Doze é demais
2003 - Picasso at the Lapin Argile
2001 - Droga da sedução
2000 - Crônicas de uma certa Nova York
1999 - Fantasia 2000
1999 - The Venice Project
1999 - Os picaretas
1999 - Perdidos em Nova York
1998 - O príncipe do Egito (voz)
1997 - A trapaça
1996 - O sargento trapalhão
1995 - O pai da noiva 2
1994 - Um dia de louco
1994 - Uma virada do destino
1993 - E a vida continua (TV)
1992 - Como agarrar um marido)
1992 - Fé demais não cheira bem
1991 - O pai da noiva
1991 - Grand Canyon - Ansiedades de uma geração
1991 - L.A. Story
1990 - Meu pequeno paraíso
1989 - O tiro que não saiu pela culatra
1989 - Parrot Sketch Not Included(TV)
1988 - Os safados (Dirty Rotten Scoundrels)
1987 - Antes só do que mal-acompanhado (Planes, Trains & Automobiles)
1987 - Roxanne (Roxanne)
1986 - A pequena loja de horrores (The Little Shop of Horrors)
1986 - Três amigos! (Three Amigos!)
1985 - Promessa é dívida (Movers and Shakers)
1984 - Rapaz solitário (The Lonely Guy)
1984 - Um espírito baixou em mim (All of Me)
1983 - O médico erótico (The Man with Two Brains)
1982 - Cliente morto não paga (Dead Men Don't Wear Plaid)
1981 - Dinheiro do céu (Pennies from Heaven)
1979 - The Kids Are Alright
1979 - O panaca (The Jerk)
1979 - O mundo mágico dos Muppets (The Muppet Movie)
1978 - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
1977 - The Absent-minded Waiter

Petter Sellers
Se tornou famoso com a série de rádio da BBC The Goon Show, antes de se lançar em uma carreira cinematográfica de sucesso. Sellers foi o mais famoso intérprete do inspetor Jacques Clouseau, da série A Pantera Cor-de-Rosa.

Sellers criou personagens antológicos como o sinistro Dr. Strangelove (Doutor Fantástico), o inspetor Clouseau e o jardineiro Chance do filme Being There ("Muito Além do Jardim"). Na vida real tinha uma relação estranha com a mãe dominadora e submeteu suas mulheres e filhos a torturas psicológicas. Em uma entrevista ele disse: "odeio tudo o que eu faço, não sei como vocês gostam".

Além dos filmes da série de A Pantera Cor-de-Rosa, também foram filmes importantes de sua carreira: The ladykillers (O quinteto da morte); Carlton Browne; The mouse that roared (O rato que ruge); I'm alright, Jack (Papai é nudista); The millionairess (Com milhões e sem carinho); Lolita; Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (Dr. Fantástico); Cassino Royale; The party (Um convidado bem trapalhão) e Being there (Muito além do jardim).

Em 1964, aos 38 anos, Sellers sofreu uma série de ataques cardíacos (13 em alguns dias), que permanentemente danificaram o seu coração. A condição de coração de Sellers deteriorou-se quando ele diferiu tratamento médico adequado, a optar por "curandeiros psíquicos". Ele também teve um marcapasso implantado no final de 1970, o que lhe causou problemas consideráveis.

Um jantar reunião foi agendada em Londres, com os seus parceiros Goon Show, Spike Milligan e Harry Secombe, para finais de Julho de 1980. Mas em 22 de Julho Sellers entrou em colapso a partir de um ataque cardíaco em seu quarto de hotel Dorchester e entrou em coma. Ele morreu em um hospital de Londres pouco depois da meia-noite de 24 de Julho de 1980, aos 54 anos. Ele foi socorrido por sua quarta esposa, Lynne Frederick, e três filhos: Michael, Sarah e Vitória. No momento da sua morte, ele foi programado para uma cirurgia cardíaca em Los Angeles no mês.

Embora Sellers teria sido no processo de exclusão de Frederick de sua vontade uma semana antes de morrer de um ataque cardíaco em 1980, ela herdou quase toda sua propriedade um valor estimado em 4,5 milhões de euros, enquanto seus filhos, recebeu R $ 800 cada. Quando Frederick morreu em 1994 aos 39 anos de alcoolismo, Sua mãe Iris havia herdado tudo, inclusive todos os rendimentos e royalties de trabalho dos vendedores. Quando Iris Frederick morre a fazenda inteira vai para Cassie, a filha de Lynne teve com seu terceiro marido, Barry Unger. O filho de Sellers, Michael, morreu de um ataque cardíaco aos 52 anos durante a cirurgia, em 24 de Julho de 2006 (26 anos para o dia após a morte de seu pai). Michael tinha sobrevivido por sua segunda esposa, Alison, com quem se casou em 1986, e seus dois filhos.

Em seu testamento, Sellers solicitou que a canção de Glenn Miller "In the Mood" ser tocada em seu funeral. O pedido é considerado o seu último toque de humor, como ele odiava a peça.

Filmografia
The Black Rose (1950)
London Entertains (1951)
Let's Go Crazy (1951)
Burlesque of Carme (1951)
Penny Points to Paradise (1951)
Down Among the Z Men (1952)
The Super Secret Service (1953)
Our Girl Friday também conhecido como The Adventures of Sadie (1954)
Malaga (voz de 14 personagens) (1954)
Orders are Orders (1954)
John and Julie (1955)
The Ladykillers (1955)
The Man Who Never Was (1956) (voz de Winston Churchill, sem créditos)
The Case of the Mukkineese Battlehorn (1956)
The Smallest Show on Earth (1957)
Cold Comfort (1957)
Insomnia Is Good For You (1957)
Dearth of a Salesman (1957)
The Naked Truth, também conhecido como Your Past Is Showing (1957)
Tom Thumb (1958)
Up the Creek (1958)
Carlton-Browne of the F.O. também conhecido como Man in a Cocked Hat (1959)
The Mouse That Roared (1959)
I'm All Right Jack (1959) - primeira nomeação ao BAFTA de Melhor Ator Britânico, pela qual venceu
The Running Jumping & Standing Still Film (1960)
The Battle of the Sexes (1960)
Two-Way Stretch (1960)
Never Let Go (1960)
The Millionairess (1960)
Climb Up the Wall (1960)
Mr. Topaze também conhecido como I Like Money (1961)
Only Two Can Play (1962) - segunda nomeação ao BAFTA de Melhor Ator Britânico
The Road to Hong Kong (1962)
Waltz of the Toreadors (1962)
Lolita (1962)
Trial and Error também conhecido como The Dock Brief (1962)
The Wrong Arm of the Law (1963)
Heavens Above! (1963)
Light of Day (1963)
The Pink Panther (1963) - primeira nomeação ao Globo de Ouro de Melhor Ator Cômico, terceira ao BAFTA
Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964) - primeira nomeação para o Óscar de Melhor Ator, quarta ao BAFTA
The World of Henry Orient (1964)
A Shot in the Dark (1964, sequência de The Pink Panther)
Carol for Another Christmas (1964)
Birds, Bees and Storks (1964)
What's New, Pussycat? (1965)
The Wrong Box (1965)
After the Fox (1966)
Casino Royale (1967)
The Bobo (1967)
Woman Times Seven (1967)
The Party também conhecido como Hollywood Party (1968)
I Love You, Alice B. Toklas (1968)
The Magic Christian (1970)
Hoffman (1970)
A Day at the Beach (1970)
Simon, Simon (1970)
There's a Girl in My Soup (1971)
Where Does It Hurt? (1972)
Alice's Adventures in Wonderland (1972)
The Blockhouse (1973)
Soft Beds, Hard Battles aka Undercovers Heroes (1973)
The Optimists of Nine Elms (1974)
Ghost In The Noonday Sun (1974)
The Great McGonagall (1975), onde ele representa a Rainha Victoria
The Return of the Pink Panther (1975) - segunda nomeação ao Globo de Ouro
Murder by Death (1976)
The Pink Panther Strikes Again (1976) - terceira nomeação ao Globo de Ouro
The Revenge of the Pink Panther (1978)
The Prisoner of Zenda (1979)
Being There (1979), segunda nomeação para o Óscar de Melhor Ator, primeira ao BAFTA de Melhor Ator, quarta ao Globo de Ouro, pela qual venceu
The Fiendish Plot of Dr. Fu Manchu (1980)
Trail of the Pink Panther &mdash póstumo (1982)
Em alguns dos filmes citados, Sellers atua somente com a sua voz.
The life and death of Peter Sellers- É um filme de 2004 que fala da vida de Peter Sellers baseado no livro com o mesmo nome. Existem muitas faltas e erros, pois não falam de algumas partes essenciais da vida de Sellers. Peter Sellers foi interpretado por Geoffrey Rush, que ganhou um BAFTA pela sua interpretação.

Monty Python
Monty Python ou The Pythons [2][3] foram os criadores e intérpretes da série cômica Monty Python's Flying Circus, um programa de televisão britânico que foi ao ar pela primeira vez em 5 de outubro de 1969. Como série televisiva, consistiu de 45 episódios divididos em 4 temporadas. Entretanto o fênomeno Python não se limitou a apenas isso, espalhando-se por shows, filmes, programas de rádio e diversos jogos de computador e livros, além de lançar seus seis integrantes ao estrelato.

Sua influência na comédia chegou a ser comparada ao impacto causado na música pelos Beatles.[4][5] Enquanto no humor britânico sua presença sempre foi nítida, nos Estados Unidos ela é especialmente evidente em programas de conteúdo absurdo como South Park, Adult Swim, trechos de Late Night with Conan O'Brien, além do programa Saturday Night Live.[6] O termo pythonesque, em tradução livre 'pythonesco', está em dicionários da língua inglesa para indiciar algo surreal ou absurdo. [7]

Benjamim de Oliveira: uma vida em trânsito

2010-05-22T16:05:00.000-07:00

O fascínio que o circo exercia (e exerce) sobre as pessoas - nos seus desejos de serem artistas, de pertencerem a um grupo “caminhante”, nas suas imagens de que a vida nômade seria oposta às pressões de uma vida de trabalho e familiar, fazia com que muitas delas fugissem literalmente com o circo. Nessa fuga há uma dobra que põe em tensão o controle e o descontrole, o voluntário e o involuntário, a consciência e a inconsciência. Como em um transe.

Muitos, como Benjamim de Oliveira, que descrevem suas fugas, passam-nos a vivência dessas situações. Em seu relato, disse que com 12 anos, em 1882, realizou seu desejo de fuga. Filho de escravos enfrentou as consequências de uma punição como negro fugido. Através de suas falas é possível verificar o conflito que vivia naquela sociedade escravocrata; e isso parece que encorajou esse garoto, apelidado de Beijo, a ponto de enfrentar o seu pai caçador de escravos. Fugir com o circo possibilitava ir na direção das fantasias de uma nova vida, bem como recusar a que vivia. Não era só uma aventura romântica, mas também a chance de (sobre)viver de uma outra maneira.

Naquele ano, uma pequena caravana de artistas locomovia-se em cima de carros de boi, pelas estradas montanhosas e esburacadas da região ao sul de Curral del Rey (atual Belo Horizonte), em direção à Cidade do Pará, antiga Vila do Patafufo, nas Minas Gerais, onde morava Benjamim. O grupo fazia parte de uma modesta companhia circense cujo diretor era o artista Sotero Villela. Após percurso pelas difíceis estradas daquela região, usadas por tropeiros, ao som do ranger lamentoso das rodas, chegou o circo à cidade, alterando o ritmo e o cotidiano.

O circo de Sotero era um rancho de taipa, construído a partir da ida à mata e cortado eucaliptos ou ipês que iriam formar o círculo de madeiras coberto por uma forração de algodão, possuindo apenas um mastro central. O dia da estréia agitou ainda mais a cidade, enlouquecendo a garotada quando saía o palhaço com a cara sarapintada, cavalgando um bucéfalo abundante de ossos. Formava-se um verdadeiro cortejo. Os seguidores eram obrigados a responder em coro os chistes da chula do palhaço, e os que gritassem mais alto recebiam uma marca no braço, para entrarem sem pagar. À noite, iluminava-se o circo com candeias de flores-de-flandres com pavios de algodão, alimentados a querosene.

Um pouco antes do circo se iluminar e do público começar a entrar, já estavam a postos os vendedores e quituteiros, com seus tabuleiros repletos de doces, sucos e bolos. Entre esses estava o moleque Beijo. Vendia broas feitas por sua mãe na porta do circo e para os artistas, o que lhe permitiu ter uma aproximação com eles.

Nascido em 11 de junho de 1870, na Fazenda dos Guardas, era o quarto filho de Malaquias e Leandra. Sua mãe, era escrava doméstica e teve todos os seus filhos alforriados ao nascer. A principal atividade da fazenda era a pecuária, entretanto, o "sinhô" era também vendedor de escravos. Relata Benjamim que seu pai era um homem terrível, que lhe surrava quase todo dia; um "negro hercúleo, enorme", freqüentemente incumbido de capturar os negros fugidos.

A sua entrada no circo não foi uma mera extensão da sua vida na Fazenda. Em suas memórias conta que pelas manhãs fazia exercícios de "bambu", também conhecido como percha. Informa, ainda, que iniciou os primeiros exercícios para saltar, orientado pelo artista da companhia, Severino de Oliveira, de quem se supõe, adotou o sobrenome.

Logo no início já estava integrado ao modo de organização do circo no período e, como tal, foi partícipe de uma tradição oral, entendida não apenas como oralidade, mas como o conjunto das memórias gestuais, sonoras, de relações sociais e culturais, do qual fazia parte, também, os afazeres domésticos e o cuidado dos animais. Teve acesso à aprendizagem de saberes e técnicas que lhe permitiram tornar-se um circense.

Após um período de aprendizagem, chegou "finalmente o grande dia" da estréia de Benjamim, em Morro Mateus Leme, próxima à Cidade do Pará, sugerindo que o tempo desde a fuga não deve ter sido muito longo. Isso permite reconhecer que, independente do lugar e do tempo, foi preparado desde o início da fuga e logo incorporado como artista. A partir da estréia, sempre um momento de transe, aprendeu e executou vários outros números de acrobacia, corda indiana, trapézio, além de ser o "palhaço-cartaz".

Depois de quase três anos trabalhando no Circo Sotero, fugiu pela segunda vez na vida.

Segundo o seu relato, mas sem explicar muito bem, diz que silenciosamente desapareceu, afirmando: "meu destino era fugir. Destino de negro...". Incorporou-se a um grupo de ciganos, não esclarecendo como isso ocorreu, apenas informando que eram ciganos caldeireiros, que, segundo ele, era uma profissão que procurava encobrir a verdadeira, a de ladrões de cavalos.

Mesmo que não fale do seu cotidiano entre os ciganos, é provável que tenha vivido uma relação escrava. Descobre por uma moça do grupo, que iriam trocá-lo por um cavalo. E, por meio de uma combinação com a menina, foge de novo, pela terceira vez.

Estava tão embrenhado pelo sertão mineiro, que teve que andar umas "sessenta léguas” para chegar a uma vila. No trajeto foi preso por um fazendeiro, que o julgou fugido de uma outra fazenda. Era comum homens e mulheres negros forros serem presos, tanto na cidade quanto nos campos, e terem que provar a condição de liberto, com o documento de alforria. Benjamim disse que, além de não ser fugido, possuía uma profissão, era circense. Não tendo nenhum documento que comprovasse a alforria, fez uma demonstração das habilidades acrobáticas aprendidas. Talvez porque a presença negra não fosse incomum nos espetáculos circenses, Benjamim conseguiu um bom resultado em sua demonstração, e foi autorizado a continuar seu caminho. Transitou. Portador de uma teatralidade circense - acervo de saberes e técnicas -, possibilitou-lhe se safar dessa situação.

A partir desse período entrou em novos canais de transes e transformações, levando-o a inúmeras experiências constituindo-se acrobata-músico-cantor-ator-diretor, ou seja, um “artista circense completo” – profissional que é ao mesmo tempo herdeiro de saberes e portador de futuro, que tem em si a capacidade de criar, inspirar e provocar mudanças.

Continuou transitando. Gravou seis discos pela Columbia Phonograph Co.; foi filmado pela Photo-Cinematographica Brasileira de Antonio Leal e José Labanca, em 1908, representando Peri na peça O Guarani, no Circo Spinelli. Transitou em 1910, com grande visibilidade nos jornais da época, quando nesse mesmo circo produziu e encenou a opereta A viúva alegre, com participação do maestro Paulino Sacramento, Baiano como ator principal e cenografia de Angelo Lazary. Numa polissemia e polifonia na produção artística circense, incorporou nesse espetáculo projeções cinematográficas em uma tela de modo simultâneo ao baile final da peça.

Apareceu de modo efetivo na produção cultural da época, junto com vários outros construtores do Circo-teatro. Contribuiu para o circo entrar em transe.

Sabendo-se disso, não é mais possível compreender a história do teatro, da música, do disco, do rádio, do cinema, da televisão, no Brasil, sem transitar pelo circo e sua teatralidade.

“Benjamim de Oliveira: uma vida em trânsito”, in Revista S/Nº - Organização: Bob Wolfenson, Roberto Cipolla e Hélio Rosas. São Paulo: dezembro de 2007.

A frase é conhecida: o Brasil não tem memória. Quando se trata dos negros a amnésia é enorme. Vou citar um caso: Benjamim de Oliveira, um dos pioneiros na arte circense da interpretação de palhaço ator, cantor, instrumentista e compositor, nasceu em Pará (atual Pará de Minas) MG em 1870, e faleceu no Rio de Janeiro RJ em 3/5/1954. Abandonou o lar ainda menor de idade e juntou-se à troupe do Circo Sotero, atuando em números de trapézio e de acrobacia. Estreou como palhaço no circo de Frutuoso Pereira (Rua João Alfredo, Várzea do Carmo, São Paulo SP), por volta de 1889.

As primeiras apresentações foram vaiadas. Depois de trabalhar em vários circos, adquiriu experiência bastante para atuar como palhaço do Circo Caçamba, então armado na Praça da República, São Paulo.Aí trabalhou aproximadamente três anos, e, em 1893, obteve o lugar de palhaço principal do Circo Spinelli, famoso na época, no qual encenou quadros cômicos extraídos de operetas e peças burlescas. Na Semana Santa, representou o papel de Cristo, com o rosto pintado de branco, uma vez que era negro. O sucesso dessa idéia de conjugar teatro com circo abriu caminho para a popularização de clássicos, como Otelo, de William Shakespeare (1564-1616), e A Viúva alegre, de Franz Lehár (1870-1948), em que reservava para si os principais papéis masculinos. Nos entreatos cantava lundus, chulas e modinhas, especialmente de seu amigo Catulo da Paixão Cearense, acompanhando-se ao violão. Deixou gravadas algumas músicas na Columbia, por volta de 1910, como o monólogo Caipira mineiro, os lundus As comparações e O baiano na rocha, este em duo com Mário Pinheiro.

Benjamim de Oliveira – Sandra Aguiar

Nas terras do Patafufo, terra altaneira
Nascia o primeiro palhaço negro brasileiro
O nosso querido Benjamim de Oliveira.

Negro forro, sangue africano
Com talentos e sede de liberdade
Fugiu com o Circo Sotero
Quando tinha apenas 12 anos de idade.

Partiu por esse mundo afora
Atrás do seu sonho verdadeiro
E foi em substituição a um palhaço
Que ele subiu pela 1ª vez ao picadeiro.

Ao responder por acaso
Descobriu sua existência na arte
Fazendo jus ao significado do seu nome
Benjamim, “filho da felicidade”.

Tentou fazer graça
Mas o povo para ele não riu
Chamaram-no de palhaço sem graça
Mas ele não desistiu.

Em uma das apresentações
Mandaram-lhe uma coroa de capim
Colocou-a humildemente na cabeça
E da plateia arrancou risos sem fim.

Foi a partir daí
Que a sua fama se espalhou
Até Floriano Peixoto, presidente da República e
amante da arte circense, ele conquistou.

Talento não lhe faltava
Palhaço, escritor, músico, ator
E como o principal nome do circo brasileiro
Benjamim de Oliveira se consagrou.

Ainda hoje é lembrado
Conhecido no mundo inteiro
Benjamim é orgulho paraminense
E também de todo povo brasileiro.

Homenageado pela São Clemente
Escola de samba do Rio de Janeiro
Nos carros alegóricos, em plena Sapucaí
Desfilaram o nosso palhaço mineiro.

“Minha existência poderia ter ficado encoberta
Pelas muitas montanhas de Minas Gerais
Se um dia uma trupe de circo não tivesse passado por lá
E se eu não tivesse deixado tudo para trás”.

Palavras sabiamente ditas
Por esse grande artista circense
Palavras que ficaram como exemplo
Para o povo paraminense.

Salve Benjamim de Oliveira
Pai do circo-teatro
Orgulho de Pará de Minas
Por nós, será sempre lembrado!

Pesquisando o Clown - por Alexandre Cartianu

2010-05-22T15:06:00.000-07:00

Minha experiência com o Clown é, sem dúvida alguma, bastante prática. Não existe outro modo de se pesquisar a linguagem do Clown, principalmente quando falamos do Clown da Tradição Circense, que não se estuda apenas pelos livros, mas também com pesquisa de campo e contato com os artistas circenses.

Falar em Tradição Circense do Clown significa referir-se à evolução desta linguagem cômica ao longo de séculos de fazer circense na História da Humanidade. Esta tradição é transmitida sobretudo oralmente, pelas famílias circenses, que ou conservam consigo este conhecimento e produção, ou transmitem-no a outros artistas. Ainda assim, o próprio público mantém esta memória viva, do que se conclui que a dificuldade de acesso a espetáculos tradicionais de fato restringe a difusão deste conhecimento. Ainda assim, é evidente, o Circo não morrerá.

Há uma corrente que prega a distinção entre Clown e Palhaço no sentido de teatralizar o Clown e afastá-lo da Arte Circense. Por incrível que pareça, essa corrente é forte e resistente ainda hoje, apesar das tantas pesquisas e estudos sobre Clown que ela mesma produz. Grande parte dessa corrente, que deveria esclarecer o assunto com conceitos bem fundamentados, desconhece as raízes circenses e, assim, toma hipóteses como verdades práticas inerentes ao trabalho do Clown.

Em geral, os teóricos do Clown predominam como representantes dessa corrente, e classificam o Clown e o Palhaço como trabalhos distintos e distantes, criando mais dúvidas que esclarecimentos. Se pudermos colocar esse entendimento em palavras genéricas, elas seriam como se segue abaixo:

O Clown é um trabalho muito mais complexo e refinado que o Palhaço, porque o Clown é do teatro, é minimalista e sutil, e íntimo ao público através de seu olhar profundo e sincero, enquanto o Palhaço é do picadeiro, é exagerado e grotesco, faz tudo grande para ser visto por todo o público que o rodeia.

Esse entendimento me surpreende porque afasta o Clown do Circo, sua origem histórica. Tristemente, a distinção entre Clown e Palhaço contamina muitos iniciantes nos cursos de Clown, cursos que pipocaram por todo o país nos últimos anos. A própria noção de Clown de muitos professores é confusa, e várias vezes me deparei com pesquisadores orientadores pregando que Clown que se preza é MUDO! Como assim? Será um tipo novo de mímico? Eis portanto um dos motivos de se confundir o Clown com o Mímico, quando este faz cenas cômicas. Marcel Marceau, o famoso mímico francês, tem muitas cenas cômicas em seu repertório, e nem por isso ele é um Clown.

Há um grande equívoco aí, um desprezo ao fazer circense e um desprezo ao artista de família circense, que continua resistindo à falta de apoio e às sucessivas crises econômicas com criatividade e muita coragem. É como se o Palhaço da Tradição Circense fosse um trabalho sem critério nem estudo, enquanto que o Clown do Teatro, mais elitista, requeresse uma delicadeza desenvolvida através de anos de estudo acadêmico e científico, estudo restrito aos intelectuais e teóricos do Teatro.

Desconhecer a prática circense, e até mesmo ignorá-la diante da classificação acadêmica mencionada, é negar o Clown, não somente por negar sua origem como também por negar a sua essência. O Clown possui uma comicidade específica, é uma linguagem muito antiga, uma Arte tradicional, e assim merece todo o respeito.

Não diferencio Clown de Palhaço, mas não confundo o Clown com o Mímico, pela pesquisa circense que realizo. Considero a evolução histórica do fazer circense como fonte primeira da existência do Clown, e portanto, esta pesquisa é fundamental.

No Circo, as regras para o Clown são poucas e claras: o Clown é o personagem circense que traduz a criança, para a qual o Circo cria toda a sua fantasia. Seja esta criança jovem ou adulta, a fantasia de um espetáculo circense busca encontrar no público uma identificação pessoal e emocional, transportando-o para a infância comum a todos, na qual a fantasia se realiza, os sentimentos se expressam com naturalidade e a imaginação ganha vida além da limitação humana.
Não se trata de utilizar efeitos especiais – como as superproduções milionárias e shows, cujas marcas pagamos caro para consumir. O Circo, personificado nos Clowns, procura em suas apresentações fazer o público redescobrir, na vida comum e concreta, na dura e séria realidade do próprio público, o que encanta a criança em seu aprendizado dia-a-dia. Redescobrir-se, descobrindo o que um ser humano como qualquer um de nós é capaz de fazer, é um dos efeitos mágicos que o Clown tem sobre a platéia. Ele demonstra a todo instante como coisas simples e bobas da vida cotidiana podem mexer tanto com nossa humanidade.
Por isso o Circo Tradicional é e deve ser popular, deve estar próximo do povo, e tal característica faz parte da natureza prática do Clown. Engana-se quem diz que Clown não é para criança, assim como faz um outro tipo de trabalho aquele que não vê no Clown esta íntima ligação com o lúdico infantil, pois é esta uma de suas principais essências.

Quem aposta na diferenciação entre Clown e Palhaço, e considera o Palhaço tão distante do público como o seu artista-criador do saber científico, na minha opinião, também reforça o preconceito que existe em relação ao artista circense que atua no picadeiro. Infelizmente o artista de Circo é considerado por muitos um artista inculto, inferior, rústico e grotesco, sem a sensibilidade que a Arte demanda. Às vezes, é até desconsiderado como artista-criador.

Discordo desta diferenciação diante de minha pesquisa, que começou quando tive meu primeiro contato com a família tradicional Colombaioni, de palhaços italianos. É a partir da orientação dela, na pessoa de Léris Colombaioni, que comecei meus estudos sobre a Tradição do Clown. Nutro imenso respeito pelo artista circense, por seu saber notável que tanto serviu e vêm servindo aos teóricos da academia inclusive, e defendo ser o Clown da Tradição Circense tão sutil e refinado quanto qualquer outra criação da Arte Cênica. Defendo o saber circense como Ciência, que envolve tantas áreas, da anatomia humana à física, da engenharia à antropologia.

Circo e Teatro sempre se comunicaram, evoluíram juntos, compartilham diversos recursos e linguagens artísticas, dentre os quais destaco a Mímica, a Dança, a Acrobacia e a Música. Mas é fato que, com a evolução da sociedade, a produção circense modificou-se, adaptou-se, e não depende mais do picadeiro. O Circo Tradicional é, como sobrevivente secular, ligado ao seu tempo presente. Ele é contemporâneo e social. É preciso preservar a Tradição Circense, e para tanto, saber identificá-la como Arte e conhecê-la. E conhecer o Circo e o Clown implica conhecer sua prática, que cada vez mais deixa o picadeiro para se realizar nos palcos, shows, eventos, e em uma série de outros espaços, como os hospitais. Não fosse o Circo, como existiria o Clown?
Dizem ser difícil esse contato com o Circo Tradicional, e o discurso de que o Circo está morrendo, um discurso muito antigo – lembra a pesquisadora Dra. Ermínia Silva sobre a História do Circo –, certamente reforça a crença de que é difícil encontrar o Circo hoje. É difícil não sabermos o que procuramos.

Me admirei uma vez, conhecendo a autora de um desses livros de definições teóricas de Clown, quando ela confessou nunca ter visto um espetáculo de Circo. Para quem escreve livros a respeito, me pareceu bizarra a declaração, a menos que o faça somente pelo dinheiro que rende a publicação de tal tema. Neste caso, ai de nós, desavisados.
O Clown Tradicional é inconfundível quando se o conhece na prática. Pena que, às vezes, me pareça que esse Clown não interessa a tantos artistas contemporâneos como interessava há algumas décadas. É provável que a maioria, agora, procure a comicidade tão em moda do Humor Stand-Up, mas independente disso, o Clown Tradicional sobrevive. E continuará sobrevivendo, adaptando-se a outros espaços, linguagens e recursos.

Falando de acessibilidade, existem hoje circulando muitos vídeos oficiais e não-oficiais de grandes Clowns da Tradição Circense. Existem inúmeros artistas circenses na história do Cinema, em filmes e documentários bastante acessíveis, além de participações especiais em produções para a televisão e para o teatro. Este material é encontrado com certa facilidade, o que claro, não substitui assistir ao vivo um espetáculo tradicional circense, com toda a diversidade artística que o caracteriza.

Então, como se pesquisar o Clown? Como estudá-lo? É claro que a possibilidade se dá na medida do interesse do pesquisador. O material está, sim, disperso. É preciso garimpá-lo, procurar registros históricos dos nomes dos artistas, conhecer as famílias, alcançar depoimentos, documentos, notas em jornal, aparições filmadas, fotos, conhecer se possível as pessoas que estudam e praticam atividades circenses. Ainda que seja difícil ir a um Circo de Lona, só não se aprofunda no estudo do Clown quem tem outros objetivos.

Além do material circense em circulação, das referências históricas e fontes que ainda podemos encontrar, acredito que para quem não quer apenas compreender o Clown, mas sim vivê-lo, a prática é o melhor estudo. Isto porque o Clown é sem dúvida humano, infantil, cômico e popular, e busca sempre, como fim principal, o RISO do público.
Para se estudar com profundidade o Clown, o público é nossa grande referência, e seu riso nossa melhor orientação. O público espera a comicidade da imagem do Clown, e sendo assim, um Clown que não objetiva o riso não é Clown... é um outro tipo de trabalho cênico, servindo-se da estética circense apenas como apelo comercial, a exemplo de tantos livros teóricos sobre o Circo, e de tantos cursos de iniciação ao Clown que pipocam por aí.

Concluindo, portanto, o estudo do Clown requer o estudo do Circo Tradicional, de sua evolução e história, das referências da prática circense, das fontes humanas da produção circense. Estudar o Clown requer, ainda, preservar a tradição, mantendo-se fiel à verdade dos fatos e reconhecendo o mérito dos artistas circenses e sua luta pelo Circo.

Por fim, estudar o Clown requer praticá-lo, vivê-lo diante do público, para o público, pela criança. Talvez apenas assim se possa afirmar que, de fato, se estuda e compreende a Arte do Clown. Pesquiso o Clown há pouco mais de oito anos. Este é meu tempo de estudo prático, e posso afirmar seguramente que quanto mais se vive o Clown mais se aprende sobre como vivê-lo. É um aprendizado para uma vida inteira.

Clown: criação pessoal?

O processo de criação e desenvolvimento do Clown é, por muitos, considerado uma "descoberta pessoal". Concordo que a linguagem do Clown, de fato, implica um auto-conhecimento, mas questionei: é uma especificidade do Clown ser um trabalho tão pessoal? Em sendo o Clown um personagem cômico, e assim, um personagem circense completamente adaptável para o teatro, não seria pessoal a criação de qualquer outro personagem?
A partir desse questionamento, considerei também investigar outra dúvida constante: o Clown nasce por vocação individual, ou ele pode "ser criado" por qualquer pessoa, possua ou não esta pessoa uma vocação natural para a comicidade do Clown?
Neste artigo, apresento minhas impressões e opiniões pessoais sobre o assunto, que já começa com a polêmica conceituação do que é o Clown. Como entendo, o Clown é um personagem cômico e infantil, de origem na tradição e história circenses.
No Circo, evidentemente, o Clown também revela suas heranças, anteriores à estrutura do que chamamos hoje de Circo. Dessas heranças, a mais aceita por mim se refere a "personagens", pois penso ser o Clown do Circo criado e emprestado do teatro popular de rua, inspirado nas máscaras medievais da Commedia dell'Arte e nas posteriores "Arlequinadas", e até apresentado pelos artistas cômicos de rua a convite do Circo, conferindo a este seu caráter nômade. Ainda que se saiba ter o Clown muitas origens históricas, creio ser o teatro de rua uma das mais fortes possibilidades ou influências.
Aos que combatem a idéia de ser o Clown um personagem, a definição mais aceita é a de ser um trabalho de "entrega total" da pessoa do ator, revelando intimidade, flexibilizando defesas e expondo o seu ridículo pessoal. Segundo estes (que eu chamo de "acadêmicos"), o Clown é individual, é o artista "nu", e, portanto apresenta toda a sua complexidade humana aflorada à pele, nem sempre a serviço da comédia e do fazer rir, expectativas naturais do público em relação à imagem do Clown.
Todavia, não são conceituações que podem se relacionar? O estado frágil do ator exposto não sugere a este uma nova conduta, uma nova lógica individual, novas defesas naturalmente criadas, novos raciocínio e comportamento corporal? Não pode este estado ser visto como uma identidade nova, diferente da real, e que não seria de fato uma individualidade sustentável na realidade cotidiana?
Creio que podemos, sim, ver este estado de extrema vulnerabilidade e ridículo como uma identidade criada, um personagem estranho ao mundo moderno e à realidade da vida social. E na mesma medida, eu também posso aceitar que, sendo personagem pensado e concebido pelo ator-criador, é muito possível e natural que o artista empreste a esta criação muito de seu lado pessoal e íntimo. De suas expressões às experiências de vida, é o Clown, enquanto personagem, também uma criação pessoal.
Penso até que, a qualquer personagem, o artista empresta muito de si, tornando sua criação pessoal. Prova disso é, no teatro, existirem infinitas maneiras de se representar um mesmo personagem. Ainda que este não mude, em lógica, falas, ações, a realização do personagem em cena personaliza-se conforme cada artista que o interpreta.
O que considero, no Clown, ser tão marcadamente pessoal, é o meu entendimento de que, conforme a tradição circense, ele é sem dúvida um personagem infantil, e sendo a infância comum a todos nós, colocamos muito de nossa experiência infantil no Clown. Essa experiência torna cada Clown personalíssimo.
O desafio da linguagem do Clown, então, é justamente: como ser tão autêntico e espontâneo como é a criança? Eis, parafraseando Shakespeare, a questão! That´s the question!
Antes de entrar na relação com o público, e de, nesta relação, desenvolver a comicidade, criando a situação cômica e encontrando o melhor tempo cômico para o desenvolvimento de cada acontecimento, há que se ter criado um personagem – naturalmente, pessoal – que expressa com naturalidade a essência de uma criança.
Entendo o Clown como sendo nossa imagem pessoal de como vemos a criança, considerando que a criança mais familiar a nós é a nossa própria. Dentre os muitos adjetivos que relacionamos à infância, creio que o melhor deles seria "viva", pois a criança, pela espontaneidade, alegria, criatividade, curiosidade, energia, exala a vida a todo momento!
Uma criança doente não se faz tão presente assim. E não por acaso, filmes de terror costumam nos chocar com imagens de crianças "mortas". O simples pensamento deste contraste entre vida e morte, infância e fim, é absolutamente assustador.
Como então fazemos um personagem tão vivo a ponto de quase voltarmos a ser criança? Não podemos voltar. Representamos, contudo, devendo acreditar por completo em nossa criação. O Clown é um personagem que vivemos e experienciamos, talvez mais do que outros personagens teatrais, pois tentamos no Clown expressar o que admiramos na criança, segundo a nossa criança e a nossa opinião. Nesta investigação, também nos auto-conhecemos.
Investigando em nós as qualidades da infância, creio que conferimos ao Clown, além da vida, o carisma da criança, que solicita, doa e inspira instintivamente nos adultos um carinho natural cativante. Ao meu ver, esta é a essência do trabalho do Clown.
Mas não basta ser a criança. Através do Clown, buscamos na criança a expressão livre e a energia suficientes para fazer o público rir. E o riso espontâneo é outro talento da criança tão marcante em nós. O que é uma criança doente, senão aquela que não sorri? Quantas vezes não observamos maravilhados com qual simplicidade e imaginação a criança, sozinha, se diverte?
É natural da infância rir quando se está bem, chorar quando se está triste, expressar a raiva, a impaciência, a vergonha, e todos os sentimentos e estados que, à medida em que desenvolvemos defesas emocionais para a vida madura, começamos a encobrir, disfarçar, evitar que se mostrem de imediato. E assim, vamos perdendo nossa natural capacidade espontânea de expressar, de fantasiar, e mesmo de sentir. Guardamos muito, mostramos pouco, damos muito valor ao medo, e perdemos com isso nossa qualidade de vida. Em geral, vivemos menos intensamente as emoções na nossa maturidade.
O Clown, como a criança, deve ser livre para sentir, e livre para expressar. Ao ser livre e espontâneo, ele provoca no público também a expressão espontânea do riso. Entretanto, o Clown precisa – e eis mais uma dificuldade da profissão – estar acima da condição pessoal do artista, pois enquanto linguagem, o personagem Clown é essencialmente cômico, e fazer rir é seu compromisso com o público que o vê. As dificuldades pessoais do ator-criador restringem o Clown.
Ainda que personalíssimo, o Clown pode rir enquanto o artista, interiormente, sofre. Não há contra-senso, pois o Clown precisa acreditar-se vivo como criança, e sendo criança, separar enquanto está em cena os seus sentimentos de personagem infantil do universo adulto do ator-criador. Caso o adulto contamine demais o personagem, de fato, ele o perde, e assim ele não sensibiliza o público. O Clown torna-se falso, porque não é criança, mas um adulto frágil e deslocado na missão de ser cômico. Ele frustra as expectativas que a imagem do Clown desperta nas pessoas, e estas, frustradas, não riem.
Criado o Clown desse modo, tomando-se por base a vivência infantil do ator-criador, o personagem torna-se muito mais autêntico, verdadeiro, e significativo para quem o representa. Sendo um personagem tão pessoal, tão bem conhecido, o Clown tem toda a capacidade de cativar o público com seu carisma infantil, já não cabendo a pergunta: o Clown pode ser criado, ou é vocação nata?
Todos nós temos vocação para ser criança. Todos exercemos esta vocação durante a vida. Logo, o Clown pode ser criado, bem como pode ser ensinado e orientado. Ele pode ser despertado, ou descoberto, ou desenvolvido a partir de uma vocação já consciente para a Comédia.
Por ser pessoal, a criação do Clown também não segue regras tampouco modelos. Cada processo de criação é individual e único, como é cada artista e cada concepção a respeito de "ser criança". Para muitos, o Clown nasce de brincadeiras lúdicas. Outros o descobrem em vivências e cursos de iniciação, através de exercícios teatrais expressivos. Alguns também possuem muitos elementos, características pessoais, naturalmente cômicos, bastando um olhar atento que aponte o que serve ao trabalho do Clown.
Me parece bem difícil criar sozinho um Clown, pois é na relação com o outro que se faz a Comédia. O Clown sempre provoca o riso no outro, e deve agir sempre com esse objetivo. Por isso, colabora imensamente com a criação o olhar externo, desde que permita a liberdade do ator-criador e oriente sem preconceitos nem egoísmo a comicidade do mesmo artista. Não havendo, porém, uma direção específica do trabalho de criação, o que não pode faltar na construção do Clown é a orientação do público. É imprescindível submeter a criação ao julgo do riso popular, e por ter sido esta a minha experiência própria, costumo dizer que o Clown é uma pesquisa sobretudo prática.
Para se criar o Clown, ou os Clowns – nada impede, na minha opinião, que tenhamos mais de um personagem clownesco, atribuindo a todos nossa marca pessoal –, iniciamos de fato um processo de auto-conhecimento, pois identificamos a criança e suas qualidades em nós, aceitamos e experimentamos expressar nossas emoções, aproveitamos tudo o que temos, naturalmente, a serviço do riso. Nosso Clown talvez seja nossa criança, que não percebeu que cresceu.
Não acredito muito em nos fazermos "ridículos" para atuar no Clown. Não se trata de uma auto-censura, ou exibição de defeitos. Pelo contrário, vejo o Clown como uma auto-aceitação, na qual o ridículo não importa, mas sim o prazer de ser engraçado.
O meu trabalho de Clown começou a florescer quando percebi que o Clown não se tratava de rir-se para talvez mobilizar o público a rir junto. O riso primeiro surge no público, pelo prazer de ver o Clown em ação e, compreendendo, sentir o prazer do Clown em seu modo de vida. Não significa que o Clown viva no prazer, mas ele vive comicamente o tempo todo, envolvendo-se em situações cômicas. O Clown é cômico até na dor, uma dor que, a favor do riso, dura alguns segundos, e que é, visivelmente, engraçada e diferente. Este nonsense é risível, e o sofrimento, ainda que vivido pelo personagem, não dura a ponto de ser dramático.
Sobre meu processo de criação, o que posso dizer é que, depois de muito estudo, não sei quando surgiu o meu Clown, mas sei com segurança que ele não está completamente criado. Quiçá nunca estará, pois em sua vida, e na minha, ele vai se criando e lapidando.
Sou muito grato a todos os apaixonados pela linguagem do Clown, que viram comicidade em mim e, um dia, me convidaram a fazer cursos de Clown, observando: "Você tem jeito de palhaço." Ao que eu respondi prontamente: "Eu não sei se isso é um elogio ou não..." Pois sim, eu já fui um Clown muito diferente de hoje.
Agradeço aos circenses que me ensinaram generosamente a tradição de suas famílias e vidas, e até hoje acreditam que tenho condições de continuar trabalhando com e como Clown. É sempre uma honra conhecer, aprender, e merecer a confiança de artistas que admiro tanto. Graças a eles, eu continuo estudando, e procuro transmitir o que me ensinaram a outros interessados como eu.
Agradeço especialmente, e dedico meu trabalho, ao público que me orienta e incentiva. É para ele que persigo mais qualidade em cada apresentação, e procuro fazer o melhor possível. O público merece sempre um bom trabalho, rir a convite do Clown, pois para este, nenhum problema é insolúvel.

Just for Laughs

2010-05-09T12:38:00.000-07:00

Vou postar aqui alguns números do programa Just for Laughs

Claudio Carneiro

2010-05-07T15:30:00.000-07:00

O número'Ne Me Quitte Pas', criado por Claudio Carneiro, foi consagrado no espetáculo "Varekai" Cirque du Soleil de 2002 a 2004.

Carneiro contou, em entrevista concedida à Folha de São Paulo que, quando foi convidado pelo Cirque du Soleil para o espetáculo 'Varekai', depois de uma seleção em 2001, decidiu não fazer apenas os números da companhia e mostrou o seu 'Ne me quitte pas'.

Convenceu o diretor e, mesmo tendo se desligado em 2004 após uma participação no musical 'Love' (também do Soleil) e um intervalo na companhia do diretor Franco Dragoni, continua recebendo direitos autorais a cada vez que o Cirque apresenta seu solo.

‘O número é de uma idiotice simples. É estúpido até', avalia, rindo, depois de um 'graças a Deus' pela 'mesada' que recebe do grupo estrangeiro.

A idiotice, orgulha-se, rendeu em 2003 uma visita de Madonna ao camarim de 'Varekai', em Los Angeles. 'Ela me falou que era o número favorito dela.' (fonte: Audey Furlaneto Folha de S.Paulo, 30/07/2008)

De volta a São Paulo desde o início de 2008, Carneiro estrelou 'A Noite dos Palhaços Mudos' adaptação de obra do cartunista Laerte que lotou os Parlapatões e recebeu quatro indicações na edição paulistana do prêmio Shell. O ator também compõe o elenco do “ O Médico e os Monstros” ambos da premiada Cia. La Mínima. 'É tudo como a minha filosofia como palhaço: mínimo de esforço, máximo de resultado. Eu sou um palhaço preguiçoso, essa é a verdade', conclui Carneiro.

Picolino(s)

2010-05-03T10:43:00.000-07:00

PICOLINO - NERINO AVANZI

Nerino Avanzi, o Picolino, viveu a infância no paulistano Teatro Polytheama, Vale do Anhangabaú. Pelas frestas assistia aos espetáculos. Fundou em 1913, em Curitiba, o Circo Nerino. Circulou junto com a mulher, a trapezista francesa Armandine Ribolá. O filho Roger Avanzi virou Picolino II. Muitas famílias participaram do Nerino, “o mais querido circo do Brasil”. Em 52 anos, conquistou o “respeitável público”. No livro Circo Nerino, Roger e Verônica Tamaoki (Códex/Pindorama Circus) contam a vida da companhia com paixão e lindas imagens.

CIRCO NERINO

O MESTRE ROGER AVANZI – PALHAÇO PICOLINO II

O Circo Nerino é onde Roger Avanzi vai nascer e onde irá aprender a ser um artista. Seu nascimento data de 7 de novembro de 1922 e, até o fim do circo, em 13 de setembro de 1964, Roger dedica-se a ele integralmente durante 52 anos.

Nerino Avanzi, pai do Roger Avanzi, representa a primeira geração circense da Família Avanzi. Era filho de italianos que vieram ao Brasil em uma companhia de ópera. A avó de Roger veio para o Brasil grávida e excursionou com a companhia pelas principais cidades do país. Na hora de partir de volta à Itália, a criança estava às vésperas do nascimento e o casal, receando os perigos de uma viagem tão longa, decidiram permanecer no Brasil, na cidade de São Paulo. A prefeitura da cidade deu estadia e empregou-os como zeladores do Teatro Polytheana, um teatro todo de zinco no Vale do Anhangabaú. Comenta emocionado, sobre seu pai:

“ eles ficaram morando debaixo do palco e foi ali que meu pai nasceu e ele falava que foi na Itália e nasceu no Brasil, por isso era ‘contrabando’. Ali ele foi crescendo e conhecia muitas óperas, pois as grandes óperas ficavam em cartaz no teatro, só que ele se assustava com os agudos dos grandes cantores”.*

Dez anos após a estréia do circo, nasce Roger Avanzi, na mesma cidade onde seus pais haviam se casado. Roger nasceu no ano da Semana da Arte Moderna, quando Piolim foi homenageado pelos modernistas, como artista popular. Ele concorda que a Semana da Arte Moderna foi importante devido a repercussão que teve, apesar de não estar lá ainda, pois nasceu pouco depois.

Roger estreou no circo em 1923 como bebê de colo, da comédia pastelão. Era uma comédia em que se ficava discutindo de quem era o bebê, e esse era o Roger.

Outro caso fez com que Roger que fazia pontas em dramas, fizesse um papel central; um dos artistas que fazia o papel principal, fugiu do circo. Era época de Natal e ele tinha mais ou menos 14 anos, quando passou a representar papéis de ator, protagonista dos dramas e das comédias de pastelão.

Roger diz que não tinha muito jeito para ser palhaço. Herdou do seu pai a técnica circense que tem hoje, o seu nome.

Nerino, pai de Roger, não gostava muito de teatro e quando criança, já fazia “cirquinho”, à luz de velas roubadas do cemitério. Essas apresentações eram nos grandes jardins das mansões no Anhangabaú. Nessa época tinham muitos circos estrangeiros pela cidade de São Paulo e Nerino terminou saindo com um circo e na sua primeira estréia como palhaço, na cidade de Limeira, ficou envergonhado e saiu correndo. Os estudantes foram atrás dele pelas ruas. Esta é mais uma parte que Roger comenta emocionado.

Iniciado no circo, Nerino começou a fazer muito sucesso como clown de seu irmão Felipe, o Palhaço Maluco que eram a melhor dupla do Brasil, comenta Roger. Nesse sucesso a dupla, mais ou menos em 1910 foi até a Argentina com o circo

A mãe de Roger era uma francesa da quinta geração circense: ‘Roger é da segunda geração por parte de pai e da sexta geração por parte de mãe’. O circo excursionava pela Europa, quando um acidente matou todos os cavalos; ‘uma época onde era chamado Circo de Cavalinhos’, pois os cavalos faziam parte do espetáculo e também transportavam o circo. Isso fez com que o circo parasse e Armandine, mãe de Roger, que tinha um número muito bom com sua irmã Nerris, começasse uma outra apresentação pelos cassinos de outros países europeus; ‘era um show em que Armandine fazia acrobacias, pendurada pelos cabelos de Nerris’. Vieram para a Argentina na mesma época que o Srº Nerino se encontrava neste país. Ele viu em um cartaz a foto de Armandine e falou que ia se casar com ela, mas nunca poderia ir ao espetáculo, pois trabalhava no mesmo horário do show.

Quando estava no Brasil, o circo excursionou pelo interior de São Paulo; nesta época Armandine estava contratada em um cassino de São Paulo, daí as francesas foram convidadas para participarem no mesmo circo que trabalhava o Srº Nerino. Eles se conhecem e mais tarde se casam em São José do Rio Preto, cidade interior paulista. Nascendo o Roger Avanzi – Palhaço Picolino, hoje ainda atuando como palhaço aos 85 anos de idade, morando na cidade de São Paulo.

*Depoimento colhido pelo pesquisador na casa do Srº Roger Avanzi em 1989.

FISIONOMIA E COMPOSIÇÃO DO PALHAÇO PICOLINO

Seu estilo é bastante tradicional e todo o seu instrumental foi baseado na construção do seu pai - Palhaço Picolino I: usava casaca grande preta, colarinho grande, calça com suspensório, chapéu coco e sapatos longos.

Entrevista:

Aos 87 anos, palhaço Picolino defende a profissão e diz que "ser palhaço é coisa séria"

Roger Avanzi, 87, o palhaço Picolino, um dos palhaços mais velhos ainda em atividade no mundo.

Com apresentação marcada para sábado (20), Picolino é defensor da profissão e não gosta do uso do palhaço em protestos. "Sou contra as pessoas usarem narizes vermelhos como forma de protesto. Ser palhaço é coisa séria. Acho que não deveriam mexer com o nosso nariz, mas sim com os deles próprios", diz Avanzi. "Deixem-nos em paz para alegrar as pessoas", completa.

Mas as críticas de Avanzi vão no sentido de preservar e também modernizar o palhaço e o circo para o público atual. "Parece-me que não é muito interessante ver palhaço hoje em dia. Há exceções, mas acredito que os palhaços devem se preparar melhor para conduzir e entreter as crianças", explica o palhaço que é tido como padrinho de membros de grupos como os Parlapatões e o Circo Zanni. "Os circos ainda atraem multidões em todo o mundo e esta arte sempre vai estar viva", conclui.

Avanzi contou, em entrevista por telefone ao UOL, um pouco de sua trajetória e o que pretende apresentar em sua participação no Risadaria. "A minha história é bem rápida. Vou te contar em uns dois minutos, 50 minutos, um ano e por aí vai, até quando eu não conseguir mais falar", brinca o palhaço às gargalhadas.

UOL: Como o circo e o Picolino entraram na sua vida?
Roger Avanzi: Meu pai, Nerino Avanzi, veio de navio da Itália e fundou o Circo Nerino na cidade de Curitiba (PR), em 1913, que funcionou por mais de 50 anos. Foi ele que deu vida ao primeiro Picolino. Lá, aprendi a dominar vários números de circo – a fazer acrobacias, andar de bicicleta e cavalo. Comecei trabalhando ao lado de meu pai. O tempo passou e meu pai foi envelhecendo até chegar o dia em que não agüentava mais trabalhar. Ele teve de desistir do Picolino e comecei a me apresentar como o "Picolino 2º" aos 32 anos, em 1954.

UOL: Qual a graça em ser palhaço?
Avanzi: O bom de fazer um palhaço é a palhaçada [risos]. É uma delícia, mas tem que saber para quem estamos nos apresentando. Se estamos fazendo um show para adultos, fazemos palhaçada para adultos. Se a plateia é heterogênea, procuramos mesclar as piadas. Mas o mais gostoso é fazer uma palhaçada mais tradicional e ver as crianças se divertindo com as nossas brincadeiras, porque a gente também se diverte muito. Criança é a coisa mais linda do mundo!

UOL: O senhor acha que os palhaços fazem hoje o mesmo sucesso do passado?
Avanzi: Tenho ido a alguns circos grandes e percebo que, enquanto os palhaços trabalham, as crianças andam em volta das cadeiras, passeiam, não estão interessadas em nada. Não quero generalizar, mas parece-me que não é muito interessante ver palhaço hoje em dia. Há exceções, mas acredito que os palhaços devem se preparar melhor para conduzir e entreter as crianças...

UOL: Ao longo de sua carreira o senhor já ensinou muitos outros palhaços?
Avanzi: Depois que o circo do meu pai parou de funcionar, vieram me procurar e acabei participando da turma de professores da primeira escola de circo do Brasil, que nasceu em São Paulo no fim da década de 70. Lá, dei aulas de palhaço, bicicleta acrobática, monociclo pequeno, monociclo gigante de quatro metros... Depois, comecei a dar aula no Circo Picadeiro.

UOL: Quem já foi seu aluno?
Avanzi: Sim, hoje há grandes grupos que passaram pelas minhas mãos, como o Parlapatões e o pessoal do Circo Zanni, que me chamam de ‘mestre’, o que me deixa todo acanhado. Mas tenho muito orgulho do meu trabalho.

UOL: O senhor pensa em se aposentar?
Avanzi: Já faço força para aguentar o ritmo de trabalho porque a idade pesa. Não digo que vou me aposentar porque, quando penso nisso, parece que uma força me obriga a continuar com o meu ofício. É incrível! Acho que gosto mesmo disso...

UOL: O senhor acha que o circo tradicional vive um período de decadência no Brasil? Como você avalia o trabalho do Cirque du Soleil, que se pauta bastante na tecnologia em seus shows?
Avanzi: Se o circo tiver um bom espetáculo, as pessoas irão. Se não tiver condições ou apresentar um show medíocre, não chamará atenção e as pessoas não irão se interessar. O Cirque du Soleil tem um bom espetáculo e toda a temporada tem grande procura. Todos querem comprar ingressos e não conseguem. É um espetáculo grandioso, mas não é próprio para crianças. Claro, os pais podem levar seus filhos porque é bonito, mas não tem a graça do palhaço que havia nos circos antigos. O cenário é escuro, fica tudo meio na penumbra e a gente não vê direito a cara do artista, se está rindo ou chorando. Mas é um outro tipo de espetáculo, uma grande produção e atrairá público sempre. Por sinal, tenho três sobrinhas que trabalham no Cirque em Las Vegas, Estados Unidos.

UOL: O governo deveria investir mais no circo?
Avanzi: O governo precisava investir mais. Tudo aquilo que não recebe ajuda do governo tem mais dificuldades para evoluir. Muitos circos pequenos começam assim e não vão para frente. Uma das coisas que mais trazem problemas para o circo é o espaço. Antigamente, as lonas eram armadas nos centros das grandes cidades e no interior. Hoje está tudo congestionado. O Cirque du Soleil, de novo ele, tem uma propaganda toda em volta, mas, mesmo assim, armou sua tenda longe (o grupo canadense se apresenta no Parque Villa-Lobos, na capital paulista); tem que ir de carro. E vai quem tem dinheiro. Anos atrás, quando tínhamos espaço, havia vários circos estrangeiros trabalhando no Brasil. Muitos desses artistas, inclusive, ficaram no Brasil e fundaram outros circos.

UOL: Atualmente, as pessoas têm feito uso dos narizes vermelhos como instrumento de protesto e ninguém quer ter “cara de palhaço”. O que o senhor acha disso?
Avanzi: Sou contra e todos os palhaços são contra. Quando querem bagunçar, põem o nariz vermelho e saem reclamando que não são palhaços. Ser palhaço é coisa séria. Acho que não deveriam mexer com o nosso nariz, mas sim com o deles próprios. Deixem-nos em paz para alegrar as pessoas!

UOL: Você participa neste fim de semana do Risadaria. Como será a sua participação no evento?
Avanzi: Vou fazer uma apresentação rápida, de 10 ou 15 minutos, porque o tempo é curto e tenho que abrir passagem para os que vierem depois. Mas um evento deste tipo é muito bom porque a risada é igual em todos os idiomas. É universal. E o Risadaria está ajudando a promover o humor e a provar a nossa força.

CURIOSIDADES
- A Escola Picolino de Artes do Circo foi criada em 1985, na Bahia, como uma escola de circo particular e que também realiza trabalhos com crianças e adolescentes em situação de vulnerabilidade social. Da escola, saíram nomes importantes do circo brasileiro, como Jailton Carneiro, integrante do elenco do espetáculo “Quidam”, do Cirque du Soleil, que se apresenta no Parque Villa-Lobos (SP). Ele faz parte do ato “Spanish Webs” (Cordas lisas)
- Em 1997, foi criada a ONG Associação Picolino de Artes do Circo, voltada para o trabalho de desenvolvimento infanto-juvenil da arte-educação.
- A Companhia de Circo Picolino é formada por 25 jovens artistas, todos ex-alunos da Escola Picolino de Artes do Circo. O trabalho desenvolvido diariamente envolve aulas, treinos e ensaios orientados por professores e técnicos especializados.

Ricardo Otello Queirolo (Também usava o nome Picolino)

Filho de Elvira e Ricardo Queirolo, nasceu em 30 de janeiro de 1923 na cidade de São Paulo. Era terceira geração do clã Queirolo, um dos mais importantes da história do circo brasileiro. Yan de Almeida Prado em suas deliciosas crônicas “Circo de Cavalinhos”, publicadas em 1929 no Diário Nacional, assim descreve a famosa trupe:

“Não se pode falar em circos em São Paulo sem referência à irmandade Queirolo. Indubitavelmente foram os que mais fizeram pelo espetáculo circense entre nós. Tornaram seu barracão numa verdadeira escola de cômicos de primeira ordem. No seu âmbito formaram-se os conhecidíssimos Piolin, Chicharrão, Harris, Chic-Chic e outros que não se pode conhecer. Nem os mestres sabem quantos são, porque é difícil contar os que aprenderam olhando-os trabalhar.”

O clã originou-se do casamento do cantor lírico José Carlos Queirolo e de Petrona Sallas. Nas andanças que os dois fizeram pelo mundo, depois de sair da Espanha, nasceram os filhos em cada país por onde passavam. Um irmão nasceu no Chile, outro na Argentina, outro no Peru, outro na Bolívia, outro no Uruguai, e assim por diante ( Francisco - Pancho, Alcides - Gato Félix, Irma - avó de Bibi Ferreira, José Carlos - Chicharrão, Aída, Esther, Julian, Otello - Chic-Chic e Ricardo – Negrito). Com a morte do marido, Petrona criou o grupo Irmãos Queirolo, que antes de se estabelecer no Brasil, rodaram o mundo. Em 1912, por exemplo, na Alemanha, foram condecorados pelo Kaiser Guilherme II, e nesse mesmo ano, atravessaram o atlântico para participar da inauguração do Teatro Amazonas.

Ricardo Otello fez sua estréia no picadeiro, aos sete anos de idade, como partner de sua mãe que era malabarista. Aos 9 anos, passou a se apresentar como acrobata, e aos 18, honrando a tradição da família, como o palhaço Espoleta.

De 1941 a 1944, com o irmão e Julião e os primos Lídia Lafayete, Henricredo e Sérgio formaram o grupo “Diabos Brancos” que se apresentava em grandes cassinos do país até o fechamento desses estabelecimentos, quando voltam então a se apresentar em circos.

Em 1955, Ricardo se afastou da vida artística e, com a esposa Dorthy e os filhos Dorothy e Ricardo Neto, se estabeleceu em Curitiba, e posteriormente em Londrina, como comerciante. Até que, nove anos depois, em 1964, foi convidado pela TV Coroados a participar de um programa infantil. Foi então que ele criou o palhaço Picolino. O sucesso foi tanto que o programa passou a ser apresentado em outras emissoras de televisão do Paraná (Cultura de Maringá, Tibagi de Apucarana e Tupi de Cornélio Procópio). E em 1981, Picolino estreava um programa próprio – Circo Show Infantil - na TV Tropical de Londrina, que vai até 1992, quando deixa a TV.

Desde então, trabalhou com jovens artistas de Londrina interessados nas Artes do Circo, principalmente com o grupo Plantão Sorriso, palhaços que atuam em hospitais da cidade.

Em 2003, foi homenageado pelo Festival Internacional de Teatro de Londrina, no qual apresentou, no dia 9 de maio, a pantomima “Picolino e os cangaceiros”. Menos de dois meses depois, no dia 3 de junho, Ricardo Otello Queirolo, passou dessa para, esperamos, uma melhor. Mas não será esquecido pois foi eleito patrono da Escola de Circo de Londrina, inaugurada em 2004. Reverenciemos sua memória.

Carequinha

2010-04-29T08:28:00.000-07:00

George Savalla Gomes: o palhaço Carequinha

Por Fabrício Lima

Quando pensamos em circo no Brasil, fica impossível não lembrar da figura encantadora e engraçada do palhaço Carequinha, ídolo durante décadas da criançada obediente. Carequinha nasceu George Savalla Gomes, no dia 18 de julho de 1915, na cidade de Rio Bonito, no estado do Rio de Janeiro. Este fluminense, filho dos trapezistas Elisa Savalla e Lázaro Gomes, teve a sina de nascer no circo, berço da história de vida daquele que chegou a ser considerado o melhor palhaço do mundo.

Reza a lenda, contada por ele mesmo nas entrevistas ao longo de sua carreira, que sua mãe sentiu as contrações do parto enquanto caminhava no arame, em pleno picadeiro. Levada às pressas para as barracas que serviam de camarim, Elisa deu à luz o filho nos bastidores do Circo Peruano, pertencente a José Rosa Savalla, avô materno de George que, com 2 anos, perdeu o pai e foi criado pelo padrasto Ozório Portilho que o encaminhou para a profissão de palhaço.

Quando George tinha 5 anos, Portilho colocou uma careca postiça em sua pequena cabeça e disse: “Você será o palhaço Carequinha”. Este foi o ponto de partida de um dos maiores mitos mundiais das artes circenses. Com sua maneira peculiar de fazer rir, Carequinha aos poucos foi conquistando o coração das pessoas com bordões já imortalizados como: “Hoje tem marmelada? Tem, sim senhor! E o palhaço, o que é? É ladrão de mulher!”.

Criou o tradicional “Tá certo ou não tá, garotada?”, que era respondido sempre com um empolgante “Táááááá!”, em uníssono. Aliás, as crianças caíram definitivamente nas graças de Carequinha quando ele se tornou o primeiro palhaço a ter um programa – o Circo Bombril, que ficou no ar de 1951 a 1964, na extinta TV Tupi no Rio de Janeiro – junto com os parceiros Fred, Zumbi, Meio-Quilo e outros.

Carequinha inovou o conceito do palhaço no circo mundial. Tratado anteriormente como bobo, ingênuo e imaturo, o palhaço, na sua interpretação, ganhou novos ares: “Fiz uma nova escola. Antes de mim, o palhaço levava farinha na cara, era o bobo, só apanhava. Eu fiz o palhaço-herói, modifiquei o estilo. A intenção era fazer do palhaço um ídolo, e não um mártir”.

Em 1964 recebeu na Itália a medalha de ouro de Palhaço Moderno do Mundo. Devido ao seu sucesso, Carequinha ficou famoso entre os presidentes brasileiros e tornou-se amigo de Juscelino Kubitschek. Na década de 80, apresentou O Circo Alegre, na TV Manchete, programa que antecedeu O Clube da Criança, de Xuxa Meneghel. Em 2001 atuou na Escolinha do Professor Raimundo, da Rede Globo. Gravou 27 LPs e participou de cinco filmes.

Foi um lutador na área circense, sempre citando em suas entrevistas a necessidade da ajuda do Governo para a preservação do circo no Brasil. Por ironia do destino, não conseguiu que nenhum dos filhos o seguisse na profissão. Isto o fez cumprir a promessa de trabalhar até morrer. Carequinha faleceu aos 90 anos, no dia 5 de abril de 2006, no município de São Gonçalo (RJ), em decorrência de problemas cardíacos. Ao conceder uma entrevista ao jornal O Estado de S. Paulo, em 2001, Carequinha declarou: “O palhaço típico, aquele que nasce com o dom, morre comigo”.

Saiba mais sobre George Savalla Gomes, o palhaço Carequinha:

TORRES, Antônio. O Circo no Brasil. Rio de Janeiro: Funarte; São Paulo: Atração, 1998.

CARVALHO, Raimundo. Circo Universal. Belo Horizonte: Dimensão, 2000.

CASTRO, Alice Viveiros de. O Elogio da Bobagem: Palhaços no Brasil e no Mundo. Rio de Janeiro: Família Bastos, 2005.

Piolim

2010-04-28T16:41:00.000-07:00

Um breve relato sobre a vida de Abelardo Pinto: “Mestre Piolim”.

Seu pai Galdino Pinto, circense brasileiro, nasceu no interior do estado de São Paulo, de pais fazendeiros. Estudou na cidade de Rezende no Rio de Janeiro, e foi nesta cidade, durante um espetáculo circense que assistiu, que se apaixonou por uma atriz. O resultado é que acabou por ir embora com o circo, tornando-se mais tarde ele próprio um homem de circo. Tornou-se proprietário do Circo Americano, onde teve início sua dinastia.

A dinastia Galdino Pinto tem como seu membro mais ilustre seu filho Abelardo Pinto, o famoso Palhaço Piolim. Nasceu em Ribeirão Preto, no estado de São Paulo em 27 de março de 1897.

Abelardo Pinto viveu sua infância dentro do circo, envolvido nas mais diferentes atividades. Seu treinamento teve início desde muito cedo, e aprendeu as modalidades de ciclista, saltador, casaca de ferro, acrobata e contorcionista, tendo se destacado nesta última enquanto criança. Aos oitos anos de idade apresentava-se no circo de seu pai como “o menor contorcionista do mundo”. Mesmo obtendo sucesso, o menino Abelardo não gostava de suas exibições, como revela mais tarde em seu depoimento ao Museu da Imagem e do Som: “Com oito anos fazia um contorcionismo primário, que só criança pode fazer”.

Em entrevista dada ao Jornal Folha de São Paulo em 1957, diz:

“Não fui como os outros meninos, que entravam no circo por baixo do pano. Nasci dentro dele e levava uma vida que causava inveja aos outros garotos. Eu, do meu lado, tinha inveja deles. Eles tinham uma casa, tinham seus brinquedos comuns e podiam ir diariamente à escola. Eu começava a freqüentar um colégio e o circo se transferia. Lá ficava eu sem escola”.*

Revela ainda ao mesmo jornal que seu sonho era ser engenheiro, queria construir casas, pontes, estradas e castelos. Construiu apenas castelos de sonhos de muita gente. “Sou, de qualquer maneira, um engenheiro e estou feliz com isso.”**

O circo Americano estava sem seu principal numero: o palhaço havia ido embora. Então. O Sr. Galdino Pinto foi a São Paulo com o intuito de tentar conseguir um substituto. O filho Abelardo, diante dessa situação, resolveu assumir a profissão de palhaço e sobre essa decisão revela mais tarde – “Pensei: se ele fez, eu também posso fazer palhaçadas”.***

A partir deste momento, o Circo Americano adquire um artista que seria, mais tarde, aclamado como “O Imperador do Riso”.

O “Palhaço Piolim” – apelido dado por uns artistas espanhóis que, ao verem o pequeno trabalhador Abelardo, diziam que ele parecia um “piolim” (barbante muito fino) – surgiu em 1918. Uma outra versão da história, contada pelo Jornal Folha de São Paulo, diz que o apelido foi devido a um favor que Abelardo fez ao um cômico e músico violinista espanhol que se apresentou com ele em um espetáculo beneficente da Cruz Vermelha: a corda do violino do espanhol quebrou-se em cena e Abelardo correu para o camarim e trocou a corda quebrada, substituindo-a por uma de seu próprio violino.

* Jornal Folha de São Paulo, 1957.

** op. cit.

*** Depoimento ao MIS, 1970.

O espanhol, agradecido olhou para Abelardo e disse que ele se parecia um “piolim” (nome dado às cordas do violino). O menino aceitou o apelido e passou a ser chamado por ele. E seria com este apelido que, mais tarde, seria aclamado como um artista de grande importância na cena circense brasileira.

Circo Irmãos Rocha, que havia convidado o Palhaço Chicharrão para uma temporada, mas o artista estava envolvido com um contrato no Rio de Janeiro e não poderia aceitar o convite. Convidaram então o Piolim, que acabou assumindo o papel do palhaço excêntrico e enfrentando o público paulistano pela primeira vez e com muito sucesso. Em depoimento ao MIS, Piolim diz que Chicharrão foi um mestre para ele.

Uma característica do Mestre Piolim era o bom humor nas suas esquetes, segundo Maria Augusta da Fonseca:

“O ponto alto da verve gestual histriônica dos entremezes brincalhões, parece convergir, no Brasil dos anos 20, para a genialidade do Palhaço Piolim, a quem os modernistas de São Paulo prestigiaram e por quem tinham grande admiração”.*

E destaca ainda a importância do circo que, segundo ela,

“(...) não se resumia em fatos corriqueiros e de momento, mas se realizava no caráter social e estético, na criatividade e, principalmente, na figura do palhaço criada por Abelardo Pinto – Piolim”. **

Na sua visão crítica, a genialidade de Piolim estava também na criação de um tipo psicológico universal e ao mesmo tempo caracteristicamente brasileiro:

“A comicidade de Piolim evoca na gente uma entidade, um ser. E de tanto maior importância social que esta entidade converge para esse tipo psicológico geral e universalmente contemporânea do ser abúlico, do ser sem nenhum caráter predeterminado e fixo, do ser ‘vai na onda’.***

* Maria Augusta da FONSECA. Palhaços da Burguesia. p.31

** op. cit.p.35
*** op. cit. p.35

Sérgio Millet aponta, numa crônica transcrita no livro de Alexandre Eulálio, que o francês Blaise Cendrars, amigo de Paulo Prado, foi quem descobriu Piolim: “Cendrars freqüentou o grupo da Semana de Arte Moderna, descobriu Piolim: o maior palhaço do Brasil”.*

Menotti Del Pichia, falando de Piolim, comenta:

“Sua glória nasceu no picadeiro. O picadeiro é a crítica no palco democrático, isto é, a sagração plebiscitária das mais heterogêneas multidões. A arte teatral brasileira deve surgir daí, desse concurso de eleição onde vota o soldado, a criança, a cozinheira, o deputado, o escritor, o plutocrata”.**

O cidadão Abelardo Pinto, “Sr. Piolim” revelou na longa caminhada de construção de sua obra, a habilidade autêntica de um comunicador. Em seus textos de cena (piadas), revelava ao público os traços de sua cultura e seus costumes do cotidiano. Satirizava os conceitos sociais impregnados na vida das pessoas. Construía um mundo a sua volta e este mundo percorria caminhos, mesclando-se com idéias dos indivíduos do povo. É notória sua participação no desenvolvimento intelectual e artístico de milhares de crianças e adultos brasileiros. Entre conversas e encontros com pessoas do circo, vislumbramos uma compreensão da história de vida do Palhaço Piolim.

Este mestre utilizava a palavra como veículo de suas idéias. Piolim, pelo seu grande e bom senso de humor, trabalhava os seus roteiros de cena de picadeiro, incorporando piadas baseadas em circunstancias da vida do homem comum. Picardias, envolvendo as características do mundo da infância. Encenava os sofrimentos dos homens, de maneira global, satirizando a máscaras sociais menos favorecidas (mendigos, bêbados, etc).

Piolim trabalhou anos seguidos para concretizar os seus sonhos que sempre estavam baseados nos ideais de sua tradição circense, sempre pensando no repasse destas tradições e métodos para adeptos do circo.

* Alexandre EULALIO. A Aventura Brasileira de Blaise Cendrars. Apud Maria Augusta da FONSECA. Palhaços da Burguesia. p.31

** Menotti DEL PICHIA. O Modernismo no Brasil. Apud Maria augusta da FONSECA. Palhaços da burguesia. p. 37

Pelo seu caráter de líder e artista, junto à associação do circo do qual foi um dos incentivadores, instaurou práticas de luta pela manutenção e perpetuação da linguagem circense, chegando a ser exemplo para toda a comunidade circense, através da sistematização de suas técnicas circenses, servindo de parâmetro, até hoje, para novos aprendizes.

A história das artes brasileiras mostra o papel deste homem. A transformação que provocou na época chegou num reconhecimento nacional, quando da Semana da Arte Moderna no Brasil, em 1922.

Mestre em varias modalidades, revelou um talento especial também para a música e, como ator, realizou diversos trabalhos. Neste momento, próximo do ano 2000, é possível ainda vislumbrar os ensinamentos preconizados por ele, nas artes cênicas, nas artes plásticas e nas artes corporais, sem falar de centenas de animadores de lazer cultural de Brasil que elegem traços das características de Piolim como ponto de partida para a busca da linguagem pessoal.

No mundo do circo hoje, os novos palhaços tentam utilizar o instrumental idealizado por Piolim, mas este é um caminho que nem todos conseguem percorrer, pois este artista, como cidadão brasileiro, foi exemplo de criatividade e sensibilidade. Os seus ideais de vida estavam abrigados sob a lona do circo e nos horizontes férteis do cotidiano humano.

Desde cedo, Piolim já revelava sua capacidade de comunicador social. Foi um seguidor de suas tradições familiares, um incansável ator, sempre repensando junto ao seu público, os valores de sua época.

No ano de 1971, o Sr. Waldemar Seyssel, o Palhaço Arrelia, organizou um evento nacional e internacional*, que teve por objetivo homenagear Piolim com um “colarinho de ouro”. A vida de Piolim foi marcada por inúmeras homenagens, segundo consta nos documentos, assim como em vídeo que se encontram no Museu da Imagem e do Som de São Paulo e do arquivo do Jornal Folha de São Paulo.

* O evento foi promovido pelo Circo do Arrelia, em conjunto com a Associação dos Artistas de Espetáculos de Diversão de São Paulo e a Prefeitura de São Paulo.

Piolim teve três filhos de dezesseis netos. Ele sempre dizia que ser palhaço no Brasil não era grande coisa em razão da falta de amparo.

O grande sonho de Piolim foi criar uma escola de circo. Não conseguiu ver seu desejo concretizado. Faleceu no ano de 1973, aos 76 anos. A escola foi aberta em 1978 e levou o seu nome. Quando morreu morava em um velho camarim de madeira, com pintura, roupas, onde passava o dia todo só, recordando épocas passadas no velho circo da Freguesia do Ó, onde durante muitos anos brilhou o Circo Piolim.

A CARACTERIZAÇÃO DO PALHAÇO PIOLIM

Piolim, figura lendária que por mais de cinqüenta anos reinou, com maestria, no “teatro do povo”. Sua caracterização foi sempre a mesma fisionomia, os mesmos traços físicos – vivos e sublimes. Sua indumentária era composta de um jaquetão maior do que o seu tamanho – bem exagerado, sapatos nº 84, bico largo e sua famosa bengala, que mais parecia um “anzol de pescar submarino”. Piolim, emergido de seu colarinho “impossível”, com a bengala há vinte e cinco anos, pela milésima vez repetia as velhas piadas que divertiram nossa infância. “O Namoro dos Sabiás”, cena tradicional de Piolim, um intérprete genial, sucesso há meio século, conforme acervo do Jornal Folha de São Paulo.

Pode-se dizer que a obra circense que Abelardo Pinto construiu é o seu palhaço. Em diversas pesquisas de campo, ao longo de 14 anos, nos deparamos com a figura de Piolim sendo interpretada por diversos animadores culturais. O lazer foi uma das fontes por nós, eleita para pesquisar as técnicas por ele preconizadas.

Piolim através de sua obra atingiu várias esferas do povo brasileiro: o campo da linguagem cênica, da alfabetização escolar, da televisão brasileira, da diversão para a terceira idade, dos arte-educadores atuantes na área de lazer esportivo.

- Respeitável Público... Boa Tarde... Porque o Circo vai Começar...

Quem pode se esquecer deste gostoso cumprimento, acompanhado da característica música da bandinha circense?

É com muita saudade que me recordo das matinés aos domingos, quando ia com meu pai ou com minha tia ao Circo do Piolim, nos idos anos 50.

Instalado numa quadra da Avenida General Olímpio da Silveira, entre as ruas Olímpia Prado e Lopes de Oliveira, onde ele permaneceu por muitos anos, desde que veio do Beco do Largo Paissandu, onde se instalara nos anos 30, todas as pessoas que passavam na rua ou nos bondes, não podiam deixar de ver aquela lona que caracterizava o seu Circo Mambembe, como se chamava os circos de lona, onde se apresentava e morava com toda a família.

A foto dos dois quadros a óleo do circo mambembe, são a visualização de como eles eram, para quem não os conheceu.

No chão batido de terra, os carrinhos de pipoca, algodão doce, pirulito e machadinho, disputavam a freguesia da entrada, após a compra do bilhete na bilheteria.

À medida em que chegávamos, íamos entrando e nos instalando nas poltronas da platéia como era chamada, rodeando o picadeiro. Essas cadeiras eram de madeira tipo poltrona sem estofamento e cujo assento dobrava, para aumentar a passagem entre elas quando não havia ninguém sentado.

Contornando a lona havia as arquibancadas, umas quatro ou cinco fileiras de tábuas compridas de madeira colocadas em forma de degraus sem encosto, onde as pessoas sentavam e chegavam quase na lona do teto e que chamávamos de puleiro, pois lembrava um puleiro de galinheiro.

Pendendo do teto da lona estavam os trapézios que eram o top das atrações, com seus trapezistas vestidos em trajes coloridos e brilhantes de lantejoulas, fazendo piruetas incríveis no ar, eu os adorava.

O programa sempre começava com o desfile de toda a companhia, com a presença de todos os artistas: malabaristas, ginastas, mulher de borracha, os domadores e treinadores de animais, os mágicos, os equilibristas, os trapezistas, as dançarinas, os artistas que encenavam mini peças, os músicos e... os maravilhosos palhaços, sempre em grupinhos, entravam já fazendo brincadeiras, piruetas e cabrioladas para o delírio da garotada e atrás de todos, o maior deles: o Piolim.

Vestindo seu terno com uma incrível e gigantesca gola, onde existia uma pequena gravata borboleta, a inseparável cartola preta e a grossa bengala, arrancava gritinhos de felicidade de todos os presentes... enquanto as crianças gritavam: Piolim, olha eu aqui... ou cuidado com o Pinatti, com seu chapeuzinho cone, (seu parceiro na época, era seu pai), olha o que ele está fazendo... pois, sem dúvida ele estava sempre armando alguma pra cima do Piolim... que estava sempre distraído... e caindo na dele...

Meu Pai me contou na época, que o verdadeiro nome do Piolim era Abelardo Pinto, de família tradicional circense, era filho de Galdino Pinto, também palhaço, pois toda a família trabalhava nesse circo junto com ele.

Nascido em 27 de março de 1897 na cidade de Ribeirão Preto, estreou na cidade de São Paulo quando ainda era menino, junto com seu pai, em 17 de maio de 1913 e tornou-se tão famoso que o Dia Nacional do Circo é comemorado em sua homenagem na data de seu nascimento!

Sua filha a atriz Ana Ariel acostumou-se desde cedo com o aplausos, pois aos sete anos já brilhava no picadeiro com seu pai e, estreou na TV em 1968, na novela “Sangue e areia”, fazendo diversos trabalhos e novelas da Rede Globo até sua morte em fevereiro de 2004, e o palhaço Figurinha atualmente com 82 anos era genro do Piolim.

Com os olhos pregados nos palhaços, assistíamos às suas irreverências, mastigando pipocas e amendoins.

Às vezes eles interagiam com a platéia jogando um chapéu ou alguma coisa que depois vinham pegar, pediam para que as crianças escondessem do outro e a colaboração era total...

Outras vezes ele planejava entrar no lugar do trapezista e fazia tudo muito bem feito, pois era excelente cômico, acrobata, ginasta e equilibrista, mas, claro que o seu número acabava sempre com ele despencando ou se metendo em alguma embrulhada com a chegada do ator principal... e as crianças vibravam quando ele conseguia escapar da confusão ou fugir da encrenca.

Devido à sua grande qualidade profissional, foi homenageado por intelectuais, escritores e artistas como Mário de Andrade, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Guilherme de Almeida e o italiano Pitriguilli*, entre outros, e participou de movimentos artísticos em São Paulo, como A Semana de Arte Moderna de 1922 sendo denominado o "Rei dos Palhaços".

Abelardo foi apelidado de Piolin, por um espanhol que lhe disse não achar possível que se tornasse um palhaço, pois era muito magro e tinha as pernas muito finas, parecendo piolim, que significa barbante. No Rio Grande do Sul, a linha que empina pandorga (papagaio) também é conhecida por "piola" ou "piolim", acredito que se deva o fato a influencia da língua espanhola dos vizinhos Argentina, Paraguai e Uruguai.

Na foto ao lado, original de Rosenfeld, extraída do livro "Teatro Brasileiro", de Clóvis Levi, vemos Piolim na encenação de "Piolim vai à Guerra", em 1930, realmente ele era bem magrinho e baixinho.

Um dia para a tristeza de muitos, desapropriaram o terreno do circo, e ele foi intimado a deixar o local...

Foi uma comoção geral no bairro, ele ficou tão triste que pensamos que não conseguiria superar a tristeza, mas, nada se pode fazer e ele teve de ir embora dali, apesar que durante muitos anos nada se fez ali.

O vazio do terreno abandonado com as marcas deixadas por muitos anos da lona e das pessoas que ali passaram horas felizes, não nos deixava esquecer o vazio dos nossos corações e a saudade daquele homenzito.

Anos depois, ali se construiu um prédio enorme que funciona atualmente como Bingo e na outra parte da construção esteve abandonada e inacabada até o ano passado de 2003!

Ele foi chamado a se apresentar na TV e tentou se instalar em outro local mas, não deu mais certo... sua presença havia ficado impregnada no terreno da General Olimpio...

Morreu em 1973 aos 76 anos, preocupado com o futuro do circo, pronunciando esta frase pouco antes de morrer:

"O circo não tem futuro, mas nós, ligados a ele, temos que batalhar para essa instituição não perecer"

O que realmente ele conseguiu pois hoje existe uma Escola de Circo que leva o seu nome e as nossas lembranças.

Redijo aqui a Poesia de João José Correa:

O palhaço

Do meu tempo de criança,
Quanta lembrança! ... a mais doce,
Talvez fosse a mais singela
E a mais bela — a do Piolin!...
Ele era assim ... encantado! ...
Palhaço desengonçado
Que tanto fazia rir! ...
Sua bengala ... sua peruca ...
Sua cuca tão carequinha! ...
E sua linda cachorrinha,

Puxada pela coleira,

Toda tchan, toda matreira,

Que nunca o abandonava

E saltava, quando ouvia:

— Pula, Fia! ... pula, Fia! ...

Hoje bateu uma saudade

Danada, daquela idade

Tão linda e despreocupada

Que passou tão de repente,

E a gente nem percebeu.

Fui feliz? Realizei

Os sonhos com que sonhei? ...

Eu busquei o que devia,

Ou lutei por quase nada?

Algum dia eu fiz sorrir

A platéia que me via?

Não sei bem o que diria! ...
Só sei que... — inveja danada

De quem representa, e bem,

Seu papel no picadeiro,

Deste mundo complicado,

Em troca de quase nada! ...

Por falar em gente assim,
Que fim teria levado

Meu encantado Piolin? ...

* O escritor italiano Pitriguilli não existe. Acredita-se que seja o apelido de Dino Segre. Frases dele:

"Só se preocupa com matar o tempo quem não percebe que o tempo o está matando".

"As rosas não tem outro dever na vida que serem belas".

"Poetas são engarrafadores de nuvens".

Torresmo

2010-04-28T13:44:00.000-07:00

O MESTRE BRASIL JOSÉ CARLOS QUEIROLO: PALHAÇO TORRESMO

Nasceu em Espírito Santo do Pinhal, no dia 04 de abril de 1918, quando o circo Irmãos Queirolo, de propriedade de seu pai e tios, itinerava pelo o interior do Estado de São Paulo. Filho único de Jose Carlos Queirolo, Palhaço Chicharrão e de Dona Graciana Cassano Queirolo, atriz. Ele uruguaio e ela Argentina. Desde a mais tenra idade (3 anos), tomou parte nos atos de seu pai, com o nome de Chicharrãozinho, a sua infância e adolescência estudou, inicialmente no colégio Caetano de Campos e depois no Colégio Ginásio Ipiranga. Juntamente com seu pai e sua mãe, excursionou por todo o Brasil e alguns países estrangeiros.

Foi cantor de tangos e melodias mexicanas, compositor e poeta. Após formar-se em 1938, seguiu com seus pais para excursionarem com o “Circo Cine Mundial”, uma mistura de circo e cinema, pelo o Estado de São Paulo, permanecendo nessa excursão por 10 anos.

Torresmo toca saxofone, marimba, violino. “Eu sou um artista de verdade e hoje ninguém quer pagar artistas de verdade. Mas as crianças gostam de nós, dos verdadeiros palhaços. A cada risada delas, quando me vêem, tenho certeza disso”.*

* Jornal Folha de São Paulo. 1975

Aos domingos, ele sempre repete a mesma frase: “Assim não agüento” e a criançada grita: “Guentaaaaá”.

Torresmo foi um bebê bonito e rechonchudo, cantava tangos lindamente aos 7 anos, e tem, aos 69 anos, a disposição de 50 anos. Foi equilibrista, trapezista, malabarista, aramista e domador de muitos bichos.

Torresmo estreou seu palhaço, em Juiz de Fora, juntamente com seu pai e seu tio, o Palhaço Harres. Torresmo fazia parte de uma cena cômica dos dois; dentro do roteiro, tinha uma mala e os dois falavam de pegar a mala, daí surgia um palhaço bravo de dentro da mala. Era o Torresmo, com os olhos azuis e corpo esbelto. Antes de ser Torresmo, foi Bombonzinho, Berimbau, Fubeca e Catatau.

Torresmo, afirma ser uma pessoa bem-humorada e que pretende chegar até o ano 2000. Vaidoso, confessa que já pensou em dar uma retocada no rosto, mas o filho Pururuca, não gostou da idéia. Esta casado há 43 anos com Otília. Além de Pururuca, tem um filha, Gladismary, cinco netos e dois bisnetos. Lembranças têm muitas, mas prefere não viver de recordações. Aos domingos, quando se veste de Torresmo e anima o pequeno circo, montado junto ao restaurante, na Serra da Cantareira, a criançada morre de rir, quase caindo das cadeiras.

Em 1943, o Brasil estava na 2ª Guerra Mundial e eles foram para o Rio de Janeiro, a chamado do Revistógrafo Jardel Jercolis, onde na sua Companhia de Revista, no Teatro Recreio, ocupou o lugar de 1º Ator Cômico. Voltando ao interior de São Paulo, em 1944, casou-se na cidade de Ibirarema, com Otília Piedade, nascendo uma filha Gladismary eum filho: Brasil José Carlos. Foi locutor das rádios de Adamantina e Lucélia, de 1948 a 1949.

Trabalhou no Circo Alcebíades, do pai de Fuzarca, amigo e dupla cômica. Realizou apresentações no circo dos famosos palhaços: Piolim e Arrelia. Entre os circos que se destacou, constam: Norte-Americano e os Irmãos Queirolo, situados na cidade de Curitiba. A Família Queirolo, também marcou época no sul do país, através do famoso Palhaço Chic-Chic, Otelo Queirolo e seus filhos artistas.

Torresmo fixou residência em São Paulo, no bairro de Mandaqui. Em 1950, tendo conhecimento da Tv, acreditou no sucesso desse meio de comunicação. Participou do programa de Luiz Gonzaga, no Cine-Teatro Odeon e foram vistos pelo “olheiro” da TV Tupi, canal 3, no programa do artista Humberto Simões (famoso ventríloquo brasileiro). Humberto apresentou Torresmo ao diretor Cassiano Gabus Mendes – 1º diretor de TV no Brasil. No dia 12 de outubro de 1950, dia das Crianças, Torresmo estreou no canal 3, TV Tupi Difusora, às 20:00hs, desde então, dedicou-se a programas infantis, na TV brasileira, tendo atuado em todos os canais da TV de São Paulo, nos mais variados programas: Calouros Mepacolan, Gurilândia, com o famoso artista Homero Silva; Zás-Trás, na Globo; Recreio do Torresmo, no canal 2; Torresmolândia, no canal 9, TV Excelsior; Tic-Tac e Pururuca , na TV bandeirantes; Gincana Kibon, na TV Record e muitos outros no período de 1950 a 1964. Aposentou-se da TV e, “agora só faço free-lance e se o cachê interessar”, diz ele. A dupla Torresmo-Fuzarca fez um sucesso na TV brasileira. Através de seus espíritos revolucionários, na figura de seus palhaços, mostraram para o Brasil o circo, suas origens, suas tradições e seus símbolos poéticos.

O Sr. Brasil José Carlos Queirolo – Palhaço Torresmo, foi funcionário da Delegacia do Tesouro Nacional, durante 14 anos. No ano de 1960, decidiu trabalhar somente com a atividade circense. No programa “O Grande Circo”, junto com Pururuca – seu filho, Chupeta, Chupetinha, Pimentinha e outros excêntricos, desenvolveu um trabalho que marcou a presença do circo na televisão brasileira (TV Bandeirantes), no ano de 1973 a 1982. Foi feito um vídeo, lançado em todo o Brasil com grande êxito.

Nos anos de 1983 a 1987, retirou-se para o seu sítio, em Mairiporã, para tratamento de saúde, sendo pequena sua atividade artistica. Nesse período, seu filho abriu um restaurante na Serra da Cantareira.

Torresmo fez diversas atividades para as crianças e adultos, no restaurante do seu filho. Recuperado da enfermidade, voltou para São Paulo e trabalhou no Programa Bombril, da TV Bandeirantes.

Torresmo foi considerado pela Câmara Municipal de São Paulo, como um ser em plena peregrinação artística e recebeu a Medalha Anchieta e um diploma de Gratidão da Cidade de São Paulo. Em 1982, foi-lhe conferido o Título de Pinhalense Emérito, outorgado pela Câmara Municipal do Espírito Santo de Pinhal, onde nasceu.

Torresmo revive, aos domingos, a garotada. Sem pintura no rosto longe das roupas extravagantes e do sapato enorme, ele não é “Torresmo” – “Não consigo fazer palhaçadas, sem estar pintado e vestido, até ando diferente”, comenta.

Albano Pereira, companheiro de palhaçadas de Torresmo, faleceu no ano de 1964. Daí em diante, forma dupla com seu filho, o Brasil José Carlos Queirolo – “Pururuca”, ele com 15 anos de idade.

Possui inúmeros troféus e diplomas de agradecimentos, pelo seu trabalho para a comunidade brasileira e a TV Bandeirantes concedeu-lhe o Troféu Bandeirantes, Torresmo gravou 80 discos infantis e trabalhou 30 anos na TV. No ano de 1993, faleceu o Sr. Brasil José Carlos Queirolo – Palhaço Torresmo, na época tinha 76 anos de idade. Sua história continua viva através de seus filhos e netos.

Em depoimento prestado no 1º Encontro de Artistas Circenses da UNICAMP, no ano de 1989, Torresmo fala:

“Ao pisar pela primeira vez em um picadeiro, aos três anos, logo vi que seria um artista. Fui o primeiro Queirolo a nascer no Brasil, em Espírito Santo do Pinhal. De picadeiro em picadeiro, fui chamado de Fubeca, atuei com muitos palhaços e sempre fui atento as nomenclaturas de cada tipo. No mundo circense, há o palhaço que pinta o rosto de branco e sabe de tudo um pouco. É o Clown – o excêntrico que erra as palavras e faz trapalhadas. O outro é o Tony ou Suarê – este entra no picadeiro somente nos intervalos dos números do circo.

No Brasil, quem introduziu o palhaço tradicional, que usava o sapato grande, o nariz que brilhava e muito mais, além de ter sido o mestre do Palhaço Piolim, foi meu pai Chicharrão.

Graças a Deus, me aposentei bem e consegui com a televisão, o meu nome; o que meu pai levou 10 anos para fazer, em nome do seu reconhecimento, eu fiz em 1 ano de TV. Pude mostrar a história das famílias circenses voltadas para a alegria.

Antigamente eram os palhaços que chamavam o público, eles eram a atração principal. Os de hoje não sabem nem se pintar sozinhos e se pintam com cara de engraçado, como dizia Fuzarca. Não passam nenhuma emoção para o público. Nós somos a tradição e a memória que o Brasil não tem. Os inovadores não acrescentaram nada (...)”

Com a morte de Fuzarca, em 1964, Torresmo passou a fazer dupla com seu filho, o Palhaço Pururuca e continuou entre o palco e a lona. Ele recordava o passado e guardava suas palhaçadas ou excentricidades, para teatros e residências.

“O picadeiro cansa muito, mas ainda estou preparando minha maquiagem para o ritual de transformação de Brasil Queirolo em Torresmo”.

Torresmo não se arrepende da vida dedicada a circo e vê, eterno, o futuro da lona. De tristeza, apenas de saber, que mesmo com veteranos palhaços, ensinando sua arte a TV pouco aprendeu do picadeiro. “Não me queixo da televisão, que me deu nome, mas ela não aproveitou nada do circo, em troca de efeitos e luzes”.

AS VONTADES DE TORRESMO

Torresmo, artista, segundo ele desde eu nasceu, está começando a transformar em realidade, um velho sonho: “Quero morrer debaixo de uma árvore, vendo as crianças brincarem”.

TORRESMOLANDIA: lugar que inventou, é uma espécie de conto de fadas para a criançada. Construiu uma casa de brinquedo – do seu tamanho: 1,50m e diz que já começou a colecionar bichos. Por enquanto, a Torresmolândia têm dois periquitos, vários canários da terra; mas numa dessas manhãs, amanheceu fungando e ao por do sol, todos com lágrimas nos olho, participaram de um pequeno funeral.

O velho palhaço continua com a disposição de sempre. Diz que a Torresmolândia será bastante ampliada. Hoje ela já conta com um velho Ford 1915, que está mais novo do que um zero quilometro. No futuro, haverá locomotivas com vagões com altura não superior a 1,50m e no imenso parque que Torresmo imaginou, cada Estado do Brasil estará representado com suas danças, lendas e pratos típicos.

Na Torresmolândia, todos os sábados e domingos, às 15:00hs têm show especial. O importante é que tudo é de graça, fala Torresmo, com um sorriso de orelha à orelha, que deixa muito adulto envergonhado.

Brasil Jose Carlos Queirolo - Palhaço Torresmo – faleceu em agosto de 1996.

CARACTERIZAÇÃO DO PALHAÇO TORRESMO

Uma figura de tamanho excêntrico: 1,50m de altura usava uma casaca de retalhos coloridos e um laço, também colorido, sapatos grandes e um guarda-chuva completamente desmembrado e um sorriso que vai de ponta à ponta do seu rosto. A sua pintura bastante alegre revelava os traços do cômico excêntrico que estava presente na figura do Brasil José Carlos Queirolo e considerava-se um cômico do picadeiro tradicional.

Filho de pai uruguaio e mãe argentina, sua vida inteira foi dedicada ao circo, pois ele nasceu na família do palhaço Chicharrão, seu pai, que se chamava João Carlos Queirolo, considerado um mestre do circo. Ele nasceu no dia 04 de abril de 1918. A mãe Graciana era atriz. Aos três anos Brasil José tomou parte em uma apresentação com o nome de Chicharrãozinho. Na adolescência estudou no Colégio Caetano de Campos e depois no Ginásio Ipiranga. Com os pais excursionou por todo Brasil e alguns países estrangeiros.
Foi cantor de tangos e melodias mexicanas, compositor e poeta. Aprendeu a tocar saxofone, marimba, violino. Era um artista completo. No circo foi equilibrista, trapezista, malabarista, aramista e domador de animais. Mas foi sobretudo palhaço. Foi locutor de rádio, mas ficou sabendo que a televisão ia ser inaugurada no Brasil. E apareceu na TV Tupi. Estava lá no dia 18 de setembro de 1950, ao lado de Fuzarca, com quem fez dupla. A dupla aparecia nos programas infantis, com muito sucesso. Quando Fuzarca faleceu Torresmo passou a trabalhar com seu filho, já mocinho, e que adotou o nome de Pururuca (além dele, Torresmo teve uma filha, Gladismary - ambos do casamento com Otilia Queirolo). Torresmo também passou por outras emissoras de TV: Record, Cultura, Excelsior, Bandeirantes e Gazeta.

Arrelia

2010-04-28T13:17:00.000-07:00

O MESTRE WALDEMAR SEYSSEL – PALHAÇO ARRELIA

Waldemar Seyssel, o famoso Palhaço Arrelia, cuja família se confunde com a história do circo no Brasil. Aos 91 anos, a maior parte dos quais passados no picadeiro ou nos estúdios de TV, Arrelia é daquele tempo em que os artistas de circo praticamente nasciam no picadeiro. A arte circense ia sendo ensinada de pai para filho e nenhum membro da família pensava em se dedicar a outra atividade. Ele começou a atuar com seis meses de idade. Foi no circo chileno de seu tio, irmão de sua mãe; “Precisamos, para a comédia, de uma criança que chorasse muito e eu era um especialista em choro”, fala Arrelia.

Sua família começou a se dedicar ao circo a partir do avô paterno – Julio Seyssel, que nascera e vivia na França. Era professor da Sorbonne, quando conheceu uma jovem espanhola, artista de um circo que excursionava pelo o país. Fazia acrobacias em cima do cavalo e Júlio apaixonou-se por ela.

Sua família não queria o casamento, mas os dois resolveram se casar mesmo assim. Júlio deixou o cargo de professor da Sorbonne e foi morar no circo. Tornou-se apresentador de números circenses. O casal acabou vindo para o Brasil com o Grande Circo inglês dos Irmãos Charles e ao invés de prosseguir com a excursão para outros paises, ficou por aqui mesmo, dando origem a uma linguagem circense: filhos e netos, dedicados a arte circense. Só Arrelia tem mais cinco irmãos que foram do circo. O Palhaço Pimentinha, Walter Seyssel é filho de Paulo Seyssel, o Palhaço Aleluia, irmão de Arrelia.

Arrelia depois de longos anos de trabalho dentro do circo, resolveu trocar o picadeiro pela televisão, foi o primeiro da sua família a abandonar o circo, resolveu investir na TV. Arrelia falava que o circo não dava dinheiro suficiente para viver, ele tinha medo de acabar sua vida na Casa do Ator. Em 1958, foi a vez de seus irmãos entrarem na TV e foram trabalhar com ele na TV Record. Segundo Arrelia, o circo não progride no Brasil por falta de escolas de circo, reconhecidas pelo governo. Os grandes circos são obrigados a trazerem os artistas de fora, porque não há profissionais. As famílias tradicionais foram deixando de ensinar seus filhos, ou eles não quiseram aprender. Arrelia diz que nenhum de seus filhos é de circo e quem quiser aprender a arte, praticamente não tem mais como fazer.

Waldemar Seyssel começou em circo, saltando, passando pelo trapézio, pela cama elástica e em outras acrobacias, com seus dois irmãos, Henrique e Paulo. Mas quando o pai cansado deixou o circo, substituiu o nome artístico, usando o apelido de família que seu tio Henrique lhe dera: Arrelia. “Porque eu sempre fui muito inquieto, dando muita sorte e pagando com facilidade, principalmente junto ao público infantil”.* Seu primeiro parceiro foi o ator Feliz Batista, que fazia o palhaço de cara branca, vindo depois o irmão Henrique Sobrinho e finalmente, quando deixou o circo, em 1953, pela televisão, outro parceiro foi o Palhaço Pimentinha, Walter Seyssel, seu sobrinho.

O avô de Waldemar, Ferdinando Seyssel, saiu de Seyssel, região de Grenoble, na França, com a filha do diretor de circo, uma excelente eqüestre. Na Itália, trabalhou com os irmãos Fratellini. Na Áustria nasceu o filho mais velho, na França o segundo, na Alemanha o terceiro, na Argentina nasceu Vicente, outro filho e no Brasil nasceu Henrique, mais tarde artista famoso. Júlio Seyssel, pai de Waldemar, nasceu na Itália, mas veio para o Brasil com os pais aos dois anos de idade juntamente com o Circo Irmãos Charles da Inglaterra.

Júlio criou no Brasil, o tipo “Pinga-Pulha”, que é um tipo de palhaço que usava muita acrobacia e toava violino. Waldemar Seyssel – Palhaço Arrelia – tem uma imagem sofrida, de homem cansado de tantas lutas, a cada saída honrosa para a arte que ele assimilou de seu pai, Ferdinando Seyssel, na pureza do picadeiro: “uma simples pintura no rosto, gestos que atendiam até o rebolado, tudo para ver o sorriso franco da platéia, de crianças, adultos, brancos, negros, ricos e pobres, sentados na arquibancada tosca”.** Os tempos mudaram e Waldemar Seyssel sabe da realidade, embora não desanime: “Sou o último que ainda quer o picadeiro de terra batida, a arquibancada circular, envolvendo o pavilhão, os camarins sem luxo, o pipoqueiro na porta e na marquise do circo. Não sei se conseguirei, mas minhas reivindicações estão ai há anos, esperando uma decisão favorável das autoridades”.***

CARACTERIZAÇÃO DO PALHAÇO ARRELIA

Ele próprio diz ser um palhaço bem diferente. Alto e desengonçado, quando todos os palhaços excêntricos são baixos, sem sapatos de bicos imensos e finos e sem bengalas compridas, falando difícil sem saber e errando sempre. Enfim, é um tipo de rua, “um misto de gente que encontrei no circo, teatro, cinema, TV e na própria rua. Um tipo que vai indo aos trambolhões, mas vai indo, mesmo sem instrução e metido a sebo” *, fala Arrelia. Ele acredita muito no estudo acurado do personagem, que vai representar e o sucesso depende muito disso, e por isso mesmo acha que a escola de circo será um sucesso pleno. “A forma com que as crianças me procuram, prova não só o interesse que elas têm pelo Palhaço Arrelia, mas também o interesse que elas têm pelo espetáculo circense em geral”.**

Definindo-se como palhaço fora de órbita, Arrelia cita grandes nomes da sua arte: Eduardo Neves, Benjamim de Oliveira, Polidoro, Caetano Namba, Serrano, Alcebíades e Henrique Seyssel, seu irmão e parceiro.

Waldemar Seyssel- o Palhaço Arrelia - faleceu em 2005, aos 99 anos na cidade do Rio de Janeiro.

Um lampejo da arte de Arrelia foi capturado por Roberto Freire, ao testemunhar o movimento do palhaço num espetáculo para crianças órfãs nos anos 1960, tendo como palco o teatro João Caetano, centro de São Paulo. O escritor provoca o encontro entre Arrelia e Waldemar Seyssel, o homem. Um tem quarenta anos e o outro está na casa dos sessenta. O perfil do homem imponente, porte de diplomata, não pode ser traçado sem a intromissão do palhaço de bonezinho vermelho. Vale a pena conferir o texto desse intérprete da fusão de duas personalidades, lido pela primeira vez nas páginas da revista Realidade, uma relíquia para a memória do circo brasileiro e um belíssimo registro de jornalismo literário.

"Os ônibus param na porta do Teatro João Caetano, em São Paulo. As crianças de uniforme vão descendo, às dezenas, e formando filas. Há um brilho de impaciência nos olhos de cada uma. As professoras do orfanato têm algum trabalho para encaminhá-las em ordem para o interior do teatro. Mas existe uma ansiedade tranqüila enquanto se espera o iníco do espetáculo.

Três senhores, vestindo grossos casacos - é uma tarde gelada, escura e triste - saltam de um carro e dirigem-se rapidamente para a entrada dos artistas, no fundo do teatro. São parentes. Pertencem à família Seyssel. O mais velho, Waldemar, pelo jeito de falar, elegância e porte, maneira polida e educação, parece um diplomata. Eles sobem as escadas que levam aos camarins. Meia hora depois, aparecem no palco três palhaços dos mais famosos e queridos do Brasil: Arrelia, Pimentinha e Henrique.

A criançada aplaude, ri e grita. Depois, em coro, repete junto com Arrelia e Pimentinha o tradicional cumprimento entre os dois palhaços, ao ritmo do Zé Pereira:

- Como vai, como vai, como vai; como vai, como vai, vai, vai?
- Eu vou bem!
- Então, muito bem, muito bem, muito bem; muito bem, muito bem, bem bem!

Sempre participando, batendo palmas, rindo as crianças - chegado o final do espetáculo - respondem aos acenos dos palhaços. Mas nessa tarde ainda tem mais: eles descem para a platéia e vão de fila em fila, cadeira em cadeira, criança em criança, apertos de mão, abraços, beijos, carinho. Uma menina beija a ponta arrebitada e de cera do nariz de Arrelia. Nenhuma fica sem um gesto de amor engraçado e no meio daquela alegria aparece o calor da amizade verdadeira, muito terna e antiga, da infância por seu ídolo de sempre: o palhaço.O senhor Waldemar Seyssel deixa o teatro e entra em seu carro. Antes que o chofer dê a partida, um dos diretores do orfanato traz um garoto para junto da janela:

- Obrigado, senhor Waldemar.

O menino também quer agradecer, em nome de seus amiguinhos.

Waldemar Seyssel olha a criança e quase não consegue conter a emoção. Uma lágrima ameaça escapulir de seus olhos. Com indisfarcável timidez aperta a mão do menino. Este estranha-o e não consegue falar. O carro parte. Depois de um longo silêncio, Waldemar vira-se para Henrique:

- Viu? O Waldemar tem dificuldades para lidar com as crianças. Se estivesse como Arrelia naquele momento, daria uma cambalhota na calçada e ficaria rindo junto com o garoto. Não haveria necessidade nenhuma de agradecimento e ninguém sofreria por precisar de ajuda e querer ajudar.

Embora vivendo na mesma pessoa, Waldemar Seyssel e Arrelia são dois homens bastante diferentes. Admiram-se, respeitam-se.

Há muita gratidão de um para outro. Às vezes surgem problemas nessa amizade de 40 anos, mas não é nada grave e os dois vão tocando para a frente uma vida inteira dedicada à alegria de algumas gerações de crianças brasileiras.

Quem convive com ambos, espanta-se com essas diferenças. E apenas Waldemar gosta de falar nelas. Arrelia prefere rir de tudo.

- Ele é assim mesmo - explica Waldemar - por isso gosto dele, e as crianças também. Um palhaço que se preza não complica as coisas. Ao contrário, reduz tudo à maior simplicidade, e o que é sério vira brincadeira, o que é triste se transforma na maior alegria.

E procura estabelecer as diferenças de personalidade entre os dois. Bem no fundo, acredita ser Waldemar a matéria e Arrelia o espírito de sua pessoa. Nem todo mundo consegue, quando quer, a felicidade de ver claramente o próprio espírito e conviver com ele. Os palhaços conseguem sempre.

Até hoje, Waldemar acha estranha a forma como se transforma em Arrelia. Pode já estar pintado, vestido, pronto, mas o palhaço só surge mesmo quando corre a cortina, e ele vê e sente o público.

- Então - diz Waldemar - é como se o palhaço fosse um boneco de borrachia vazio que o riso e a alegria repentinamente enchem de vida. E nunca, por qualquer razão, Arrelia deu lugar a Waldemar diante do público.

Um famoso poema de Henrich Heine - Dor de Palhaço - conta a história de um palhaço que não pôde chorar pela morte da mãe porque a notícia chegou na hora em que ele devia entrar em cena. Arrelia viveu o mesmo drama. Estava participando de um show em Petrópolis e fazia uma pantomima aquática. Quando chegava o momento de se apresentar, soube que sua mãe havia morrido em Barra do Piraí, não muito longe dali, no Estado do Rio mesmo. Arrelia fez o espetáculo, e o público - comentaram depois seus colegas - riu como nunca havia rido com aquelas cenas.

É espantoso - diz Waldemar - como não consegui me lembrar no dia seguinte e, mesmo até hoje, do que fiz naqueles momentos. Talvez seja resultado do esforço desesperado para impedir que o Arrelia soubesse do acontecido.

Waldemar reconhece que às vezes é egoísta. Mas Arrelia nunca foi, nem se queixa do fato de ter sido sempre explorado por ele. Tudo o que Waldemar tem de melhor na vida veio do palhaço: dinheiro, conforto, amigos, fama, as grandes alegrias humanas e profissionais.

- E eu só o faço trabalhar para mim, queira ele ou não, como um empresário exigente, implacável - confessa Waldemar, com um sorriso meio encabulado.

Porém, talvez para se aliviar de um sentimento de culpa, faz uma ressalva:

Em compensação, só eu vivo com as preocupações e os problemas do empresário; certamente por isso o Arrelia me perdoa o egoísmo.

Waldemar sente também um certo complexo de inferioridade em relação ao palhaço que inventou, pois ninguém o julga capaz de fazer qualquer coisa bem feita de cara limpa. E Arrelia é espertíssimo, em tudo, muito malicioso, rápido, sabe mágicas, faz acrobacias, doma bichos, tapeia quem quer tapeá-lo e sai sempre por cima em qualquer situação. Já Waldemar é péssimo para negócios, muito tímido, atrapalha-se diante dos outros e, acima de tudo, não tem graça nenhuma. Quanto às suas dificuldades para realizar acrobacias de circo na vida de todos os dias encontra uma desculpa:

- Eu tenho 60 e ele só 40 anos...

Há um único momento em que consegue identificar-se com a sua outra metade - é quando escreve ou inventa quadros, cenas ou piadas para o palhaço. Mas, mesmo assim, a identificação é apenas parcial, pois o Arrelia muda tudo no picadeiro, em função do público. Por exemplo, se vê alguém triste ou sério na platéia, o palhaço só trabalha e faz graça para esse alguém; até fazê-lo rir. E Waldemar, no escritório, diante da máquina de escrever, não pode prever isso.

Como quase todo mundo, Waldemar Seyssel precisa e gosta de dinheiro. Não gasta muito e arrisca pouco. Arrelia, ao contrário, é famoso apostador, mesmo sem ter com o que pagar. À menor dúvida em relação a qualquer de suas afirmações, entra logo com a pergunta:

- Quer apostar?

No amor também são opostos. Em 1967 Waldemar completa 25 anos de casado. Tem quatro filhos e sete netos. Foi muito feliz neste casamento, gosta de ficar em casa e é bom marido. Só viaja acompanhado da mulher, com quem conheceu todo o Brasil, boa parte da Europa e dos Estados Unidos.

Arrelia é solteiro, malandro, sempre às voltas com mil mulheres; quando apaixonado é romântico, amoroso. Confiante ao extremo, quase sempre sai mal em suas paixões. Mas não desiste e não se corrige. É um sonhador, e jamais saiu do Brasil.

Waldemar nunca fumou. Arrelia é grande fumador de cigarros, cachimbo e charutos. Waldemar é um bom garfo, mas Arrelia é um comilão terrível não pode ver uma banana na mão de alguém que já quer um pedaço e, se bobearem, ele come tudo. Numa coisa estão de acordo: nenhum dos dois gosta de falar de politica.

Waldemar, antes de entrar para o circo, estudou até o último ano de Direito na Faculdade do Largo de São Francisco, em São Paulo. Leu bastante e em sua biblioteca misturam-se os clássicos e os autores brasileiros contemporâneos. Procurando inspiração para suas famosas comedinhas, lê histórias infantis de todos os tempos e contos policiais e ficção científica. Há pouco adaptou César e Cleópatra, de Bernard Shaw. E, com um sorriso, diz que obrigou o palhaço a fazer o papel dos dois personagens.

O sorriso de Waldemar se transforma numa boa risada quando ele lembra uma situação embaraçosa em que colocou o palhaço. Só que desta vez foi sem querer: no dia da primeira apresentação pública da televisão em São Paulo, Arrelia fazia parte do show que era apresentado de hora em hora para um único aparelho receptor instalado no Clube de Engenharia, na rua Líbero Badaró. O povo fazia fila, e a cada hora um grupo tinha a oportunidade de ver o que era a televisão. As transmissões eram feitas do Hospital das Clínicas. Durante um dos intervalos, de cara pintada, Arrelia debruçou-se no terraço do primeiro andar do hospital para espiar a rua, distraído. Nisso ia passando um casal de velhos, de braços dados. A mulher olhou para cima e na mesma hora cutucou o marido:

- Olha só, Tonho! Que doença feia a do coitado daquele moço!

Waldemar Seyssel pertence à terceira geração de uma ilustre família circense da França.

Augusto, o avô de Waldemar, que iniciou essa tradição, era de origem burguesa. Seus pais, gente muito rica e importante, deserderam-no quando - tornando realidade uma expressão muito usada - fugiu com a bailarina de um circo que passou por sua cidade. E fêz-se palhaço. Os Seyssel vieram para o Brasil em 1886, numa excursão do então famoso Circo Fernandez.

Depois de algum tempo, resolveram criar seu próprio circo. Fernando, pai de Waldemar, logo tornou-se chefe do clã. Era palhaço também. Usava o nome de Pinga-Pulha e trabalhava em dupla com Puxa-Puxa, seu irmão. Daí surgiria um circo que ia ficar célebre: Irmãos Seyssel.

O aprendizado da arte e técnica circense sempre passou de pai para filho. Com os Seyssel não foi diferente. E o treinamento era diário, puxado. Como a vida do circo era estar um dia numa cidade, no dia seguinte em outra - sempre viajando - da companhia fazia parte um professor, contratado para alfabetização e ensino de Humanidades às crianças. Todo ano elas prestavam exames nas escolas oficiais, recebendo certificados no fim dos cursos. As viagens acrescentaram outro detalhe à família de Fernando: seus dez filhos nasceram cada um num Estado. Waldemar nasceu no Paraná e era o mais tímido e sem jeito para o circo.

Aprendera as técnicas e fora iniciado nas artes, porém - como não mostrasse interesse ou pendor especial algum - conseguia escapar das excursões. Então ficava em Campinas, estudando e fazendo companhia à sua mãe doente. Encontrava-se com o resto da família apenas quando o circo voltava a Campinas ou parava em São Paulo.

Em 1927, Fernando também adoeceu: o circo estava sem o palhaço principal. Foram feitas várias tentativas com outros membros da família, mas ninguém correspondia ao que Fernando esperava de uma atração máxima.

Foi quando ele pensou em Waldemar. De comum acordo com os irmãos, filhos e sobrinhos, resolveu fazer uma experiência com o rapaz. Mas, conhecendo a falta de interesse e a provável recusa do filho, traçou um plano. A família toda aprovou-o. No dia marcado, Waldemar foi convidado para assistir ao espetáculo por detrás da cortina. No meio do show, o plano entrou em execução: Waldemar foi agarrado à força e, enquanto esperneava e gritava, empoaram-lhe o rosto, vestiram-lhe roupas largas e coloridas e atiraram-no no meio do picadeiro. Foi um tremendo tombo, de mau jeito. Apavorado e com o corpo dolorido, ele se viu cercado por todos os palhaços que riam, faziam micagens e davam-lhe pontapés e tapas. Só com a queda espetacular e extra-programa, o público já havia caído na gargalhada. Cheio de raiva, Waldemar levantou-se, foi em cima de um dos palhaços, agarrou-o pela roupa e deu-lhe violento bofetão. Novas gargalhadas. Mas o palhaço não gostou do tapa e avançou furioso. O jeito era fugir. Desorientado, em lugar de sair pelo fundo, Waldemar, perseguido, saltou para o meio do público, que ria sem parar. Quando conseguiu chegar ao camarim, exausto e com o corpo todo tremendo, ouviu estrepitosa salva de palmas. O pai foi buscá-lo e os aplausos só iam parar depois que ele reaparecesse no picadeiro. O sucesso foi tão grande que seu primo - o palhaço que levou o bofetão - de cara inchada, foi abraçá-lo, comovido. Acabava de nascer um grande palhaço naquela tarde de 1927, no Largo do Cambuci, em São Paulo.

- Até hoje sinto a dor daquele tombo, o medo do palhaço que agredi, minhas primeiras risadas e meus primeiros aplausos.

Mas foi mais para cumprir seu dever com a família do que pelo sucesso dolorido da primeira aparição pública que Waldemar resolveu aceitar o desafio: seria um palhaço, sim, porém também alguma coisa diferente e nova.

No outro dia, como era impossível lembrar a máscara que lhe haviam feito às pressas e aos trancos, Waldemar resolveu estudar outra. Começou pela cabeleira. Não recordar como era a original, mas escolheu os desenhos e cores para rosto em função dela.

O nariz começou enorme e ele foi diminuindo-o sempre, até chegar à atual ponta vermelha arrebitada. Depois vinha a boca. Estudando sua própria fisionomia, notara a necessidade de um ponto móvel no rosto que servisse de atração imediata para o público. Seu lábio superior é longo. Falando diante do espelho, percebeu que movimentava-o exageradamente. Então era por ali - se bem valorizado pela pintura - que forçaria o público a prestar atenção à sua figura cômica. Aumentou o beiço com tinta branca. Com um pouco de cor roxa, alargou o lábio inferior também. Os olhos são pequenos. Para destacá-los, precisava levantar as sobrancelhas. Inventou uma, curta, loira, com os pelos eriçados, aplicados no meio da testa. Duas manchas laterais vermelhas na face, unindo os olhos, orelhas e quase chegando ao beiço branco e estava pronta a cara.

No começo, usou colarinho grande, luvas enormes, e grossa bengala. Mas tudo isso o incomodava, prejudicando o tipo de graça que se sentia capaz de fazer e que pedia muito pouco desses acessórios tradicionais. Entretanto, o pai gostava deles e Waldemar não o queria ferir. A solução foi ir perdendo essas coisas, uma a uma. Também as roupas, que eram especiais e largas, ele foi substituindo por menores e, finalmente, passou a usar ternos comuns.

A bengala foi trocada por uma de tamanho normal. Ficou somente a gravata de boêmio do século passado, porque Waldemar sente na personagem do Arrelia uma ingênua vaidade fora do tempo.

Os gestos, curtos, rápidos, acompanham a mímica facial - Arrelia está em constante movimento, como os meninos inquietos e levados. É na maneira de falar, entretanto, que mais se caracteriza. Desde o começo achou necessário encontrar alguma forma de dizer qualquer coisa banal e fazer rir também. Descobriu-a em Pirassununga, em 1930. Andava por uma rua quando passou sobre a cidade, em vôo baixo, um teco-teco. Uma mulher saiu correndo para a calçada e começou a gritar:

- Vem Veulta! Vem ver o orolplauno! Vem Veulta! Noulssa Senhoulra, pareulce um urubulzão!

Waldemar achou tão gozado e riu tanto do jeito da mulher falar que tratou logo de travar amizade, só para ouvi-la. E conseguiu, mas era dificil disfarçar o riso ouvindo-a contar caulsos.

A forma de falar marcou o palhaço definitivamente. Certa vez, recebendo homenagem na Escola Normal de Campinas, ele foi saudado por uma moça num longo discurso. Começava assim:

- Noulsso queriuldo Arreulia!

Na criação de seu palhaço, Waldemar só não planejou um detalhe cômico que nasceu naturalmente: é aquele em que Arrelia interrompe subitamente sua própria fala e sorve o ar intensamente, de boca aberta. Sua entrada repentina para o circo não lhe havia dado tempo para estudar dicção. Assim, não respirava corretamente, sendo obrigado a buscar fôlego no meio das frases. Até que um dia resolveu treinar respiração para as falas. Mas quando começou a caprichar, um admirador e amigo procurou-o após o espetáculo:

-Ah, Arrelia, por que você não faz mais aquelas engolidas de ar tão engraçadas no meio das palavras?

Deixou a dicção de vez.

Waldemar Seyssel abandonou o circo em 1952, quando o seu pegou fogo. Estavam no Vale do Anhangabaú. Ele já vinha fazendo show em rádio e teatro, com enorme sucesso, enquanto a situação financeira dos circos em geral era péssima. Waldemar acha que essa decadência da arte circense começou com a introdução dos dramalhões e a utilização do palco sobre o picadeiro. Isso desvirtuava o verdadeiro sentido do circo, mas com o passar do tempo era inevitável, principalmente pelo alto custo da produção de um bom espetáculo.

Hoje, por menos de 100 milhões de cruzeiros não se monta um circo razoável. A folha de pagamento semanal de uma companhia completa chega a cinco milhões. E os ingressos, por se tratar de espetáculo eminentemente popular, não podem custar mais de quinhentos cruzeiros nas gerais e mil nas cadeiras. Como as possibilidades de lucro compensador passaram a ser mínimas, famílias inteiras de gente de circo foram deixando o Brasil, enquanto artistas famosos se transferiram para o musicado, para o cinema e para a televisão: o próprio Waldemar, Oscarito, Walter Stuart, Ankito, Walter D´Avila, Colé.

Começando na Televisão Paulista e passando depois para a Record - onde está há 14 anos, aos domingos - o Circo do Arrelia sempre fez enorme sucesso.

Nos seus dias de folga, Waldemar Seyssel apresenta-se de graça com os seus companheiros inseparáveis Pimentinha e Henrique - em favor de obras e campanhas dedicadas às crianças pobres e doentes. Ele ainda tem esperança no futuro do circo no Brasil, mas apenas se for aprovado um projeto de lei que um dia entregou a um deputado e que parece esquecido. Sua idéia é a de criação de uma escola para a formação do profissional circense, na qual todos os grandes artistas e homens de circo transmitiriam seu conhecimento e experiência. Surgiriam então as novas gerações de equilibristas, mágicos, malabaristas, trapezistas, palhaços, tudo. As crianças dos asilos e orfanatos, aparentemente sem futuro, poderiam se transformar em grandes artistas, ou pelo menos, ter uma profissão.

Com novos profissionais e uma equipe de artistas bons e bem formados, poderiam surgir os circos oficiais que os utilizariam como é feito em outros países. Para Waldemar, o Circo de Moscou é um exemplo da vitalidade universal dessa arte quando corretamente protegida: é o último sonho do Arrelia e a esperança do Waldemar.

- Estou envelhecendo e gostaria de deixar o Arrelia como herança para um desses garotos de orfanato que a gente faz rir em espetáculos beneficientes ou para qualquer um daqueles que o Waldemar encontra à noite dormindo nas calçadas. Mas apenas com a Escola isso seria possível.

Só quando pensa essas coisas, Waldemar é Arrelia, mas não parece um palhaço."

(Publicado in Revista Realidade, ano I, nº 7, outubro 1966, tiragem: 485.700 exemplares.)

Colombaionis!

2010-04-25T18:54:00.000-07:00

Romano Colombaioni, clown amato da Federico Fellini e Dario Fo.

In scena, la semplicità e la poetica di un clown musicale, la sua riflessione sulla solitudine caratteristica della contemporaneità, la scoperta, nella leggerezza di un sorriso, di un modo per guarirne. Se, come sosteneva Buñuel, “la differenza tra realtà e sogno non esiste, poiché tutto è sogno”, il protagonista di Alone Together crede nella forza propositiva dei sogni, nella loro capacità di trasformare una vita che si fa fatica ad affrontare o che si ha paura di vivere fino in fondo.

Nello spettacolo, il lavoro d’attore su corpo, voce, movimento e ritmo va alla ricerca di una comunicazione diretta, onesta e sincera con il pubblico, dello stupore dell’atmosfera sospesa che si viene a creare tra attori e spettatori, come in un antichissimo rito laico.

Carlo Colombaioni, palhaço conhecido mundialmente por sua colaboração com Federico Fellini (“Le notte di Cabiria”, “La Strada”, “I Clown”, “Amarcord”, “Roma”, “Casanova”), pertenceu a esta estirpe de palhaços, herdeiros da commedia dell'arte, que junto com seu cunhado Alberto trocou a lona do circo pela cena dos teatros, o cinema e a televisão para poder sobreviver. Carlo praticava um estilo tradicional se o compararmos a outras figuras do gênero, como Jango Edwards ou Leo Bassi. Usava apenas acessórios e a estrutura de seus espetáculos era uma sucessão de sketches nos quais, fazendo uso da farsa e da desmistificação levava à cena os temas mais diversos. Foi sem dúvida um dos maiores clowns contemporâneos.

Carlo Colombaioni

Os irmãos Alberto e Carlo Colombaioni

Nani e Leris

Nani e Leris Colombaioni Eles descendem de uma das mais antigas famílias italianas de tradição "clownesca". A companhia em que atuam foi fundada pelo pai de Léris, Nani Colombaioni, que parte de seu pai Nani Colombaioni, grande clown e um dos protagonistas do filme I Clown, de Frederico Fellini.
A arte de ser clown Léris apreendeu com seu pai, Nani, e mantém até hoje, com mulher e filhos, com o Circo Colombaioni. "O sentido do clown, para nossa tradição, está em alegrar, em tirar um sorriso. Ele pode fazer malabáris, música, o que for, mas tem de alegrar", diz Léris. Os Colomboiani desenvolveram sua própria maneira de ser um palhaço; de levar as pessoas a alegria do quase mundialmente abandonado circo de família. A história deles com esta arte data de 400 anos, quando sua avó Catarina Delacqua casou-se com Alfredo Colombaioni. Catarina já vinha do casamento de duas famílias da Comédia del Art, Delacqua e Travaglia,os precursores da arte de alegrar.

Leris

Leris´ Circus Ercolino, in Italy

Leris

"Muitos podem pensar que fazer clown é simplesmente vestir a roupa de palhaço, mas não funciona bem assim."
O clown italiano Leris Colombaioni tem uma queda por gastronomia. Tal como os pizzaiolos de seu país, traz na ponta da língua a receita e o modo de fazer de uma iguaria daquelas. Só que no seu caso não se tratam de redondas, mas de um clown. Os ingredientes seriam parecidos com os das pizzas: mussarela, tomate e pimenta. Mas a razão da escolha é outra: O queijo representa o branco, símbolo da ingenuidade, da alma e da pureza do palhaço; o vermelho do tomate é a cor prevalente do clown e a pimenta faz alusão à energia que o artista da graça deve ter em cena.

Nasceu em berço de ouro. Não no sentido de riqueza monetária, mas de tradição artística: sua nonna (do italiano: avó), como gosta de lembrar Catarina Delacqua, descende de artistas de Commedia Dell'Arte. Já seu pai, Nani Colombaioni, morto em 1999, é considerado um dos grandes clowns de todos os tempos. Prova disso, é que se tornou assessor de Federico Fellini (1920-1993) quando a dúvida do cineasta era no campo da palhaçada. E foi ao lado de Nani que Leris aterrissou no Brasil pela primeira vez em 1998, a fim de apresentar no evento Anjos do Picadeiro o espetáculo Um pouco de tudo, praticamente nada.

De lá para cá, Leris, de 56 anos, tem atuado como mestre cuca na preparação de novos clowns pelo País, por meio de cursos e oficinas ministrados com certa regularidade. Serviço que alia com a direção cênica de espetáculos de grupos brasileiros, entre os quais La Mínima, Lume Teatro, Seres de Luz, Teatro de Anônimo e As Graças. Aliás, foi para dar suporte ao espetáculo Como Saber?, do último grupo, que Leris retornou a São Paulo, em 2009. Aproveitou a estada para ministrar o curso Palhaçaria Clássica no Espaço Cultural Semente, em Barão Geraldo. Antes da abertura oficial do workshop, conversou com o Caderno C. Confira a seguir trechos do bate-papo.

Agência Anhanguera - Como a arte da representação teatral popular entrou em sua família?

Leris Colombaioni - A origem está ligada ao teatro ambulante, de comediantes de rua, especificamente pertencentes ao gênero da Commedia Dell'arte. Isso se remonta a 1660. Minha avó, Catarina Delacqua, descendia da família Travaglia, de grande tradição da Commedia Dell'Arte na Itália. No final de 1700, por conta do nascimento do circo, meus antepassados artistas migraram para essa estrutura de espetáculo. Por volta de 1900, minha avó conhece meu avô e não se separam mais. Meu avô, Alfredo, não era de circo e sim um filho de garçom, mas desde pequeno participou de uma trupe de ginastas. Antes de se apresentar em circo por conta de minha avó, ele fazia shows em teatros e velódromos, durante competições de bicicletas.

Sua estréia no picadeiro aconteceu aos 4 anos no circo de seu pai. Houve algum preparo, um ensaio talvez, ou o senhor caiu na pista de supetão?

Meu pai chegou e me disse: "Vamos armar o circo e amanhã você trabalha". Teve que ser assim. No outro dia, montamos o circo, que não era um de lona. Era aberto, todo rodeado por tábuas de madeira presas por pregos, que eram sempre reutilizados. E foi ali que aconteceu o meu debut, no dia 3 de julho de 1958, em Roma. Antes de entrar na pista, meu pai me deu apenas algumas coordenadas do tipo: "Você faz isso, diz aquilo e fala aquilo outro."

Antes de ser batizado no picadeiro como Ercolino, o seu palhaço teve outro nome. Conte esse episódio.

Na primeira noite que me apresentei, meu pai me batizou de Gianduia, que era o nome da máscara de Commedia Dell'Arte prevalente da cidade onde nasci, que foi Torino. Só usei esse nome uma única vez, porque logo depois meu pai trocou. Gianduia não significava nada para a plateia do nosso circo. Por serem bem populares, muitos analfabetos, os espectadores não entendiam aquela referência. Então, fui rebatizado de Ercolino (nome de um brinquedo italiano popular aos moldes do João Bobo brasileiro), que uso até hoje e que virou o nome do nosso circo.

Recorda-se dos primeiros números que executou no picadeiro?

A minha primeira entrada na pista foi com Bárbara, minha irmã. Ela entrava para executar seu último número, que era de trapézio. Nisso, eu, embaixo dela, vestindo uma calça larga, esperava meu pai ordenar: "Ercolino, coloque a rede de proteção!". Para fazer graça, eu esticava a calça, como se fosse para ela pular ali dentro. Depois disso, meu pai me perguntava se eu conhecia os animais. Eu dizia que sim. A partir daí, ele me questionava: "Qual animal que fica em casa e que tem quatro patas?". Eu respondia: mesa, cadeira, armário... (risos). Quando completei 7 anos, passei a aprender números acrobáticos, primeiro parada de mãos, depois saltos.

O Circo Ercolino era fixo ou excursionava pela Itália?

Não era possível viajar. A gente não tinha nada, não tinha estrutura. As poucas coisas que contávamos eram com uma mesa grande, que depois do espetáculo nós usávamos para dormir debaixo, e um tapete, resíduo da guerra, que colocávamos por cima.

De que forma, então, percorriam os arredores de Roma?

Não tínhamos caminhão. Por isso, meu pai precisava pegar emprestado. Sei que, mesmo com o transporte, toda vez que nossa família necessitava percorrer cinco ou seis quilômetros, a gente saía de manhã e só chegava à noite. O homem que emprestava o caminhão ao meu pai era muito generoso. Meu pai perguntava a ele: "Quanto eu te devo?" Ele respondia sempre: "Depois, depois...". Nunca pagamos.

Há alguma história dessa época digna das pilhérias de picadeiro?

Bem antes de o meu pai conseguir comprar um caminhãozinho inglês, também resíduo da guerra, construímos uma pequena carroça. Nossa família sentava ali e aquele senhor generoso, com seu caminhão, puxava-nos. Não me lembro a razão, mas sei que meu pai ganhou um burro e o colocou para puxar a carroça. Num dia, na hora da partida, o burro empacou. Não mexia as patas de jeito nenhum. Meu pai teve que colocar o burro em cima da carroça junto com as nossas tralhas. O pior foi todos nós descer para empurrar a carroça (risos).

Nessa época, havia alguma situação que apagava o sorriso dessa família de palhaços?

A falta de comida. As pessoas iam para o circo e levavam vinho, pães e queijos. Nós, então, aproveitávamos a situação para comer. Só de primeira comunhão fiz mais de trezentas vezes. Nos lugares por onde passávamos, as pessoas queriam saber do meu pai se Ercolino tinha feito primeira comunhão. Meu pai respondia: Não! Ao ouvir a resposta, as pessoas se juntavam e faziam o almoço para celebrar a cerimônia. Aniversário? Perdi as contas de quantos fiz. Era para eu ter hoje mais ou menos uns 3 mil anos. Isso não era um modo de enganar as pessoas, mas de ter a oportunidade para comer.

Demorou muito para a família Colombaioni adquirir uma lona própria?

Em 1962, já com a fama de um grande artista, meu pai foi chamado para trabalhar no Circo Darix Togni que, ao lado do Medrano, foi um dos maiores de toda a Europa. Lá ele ganhou dinheiro suficiente para comprar a nossa própria lona, feita de algodão. Cortamos aquele algodão, que era o mesmo utilizado nos cenários de teatros, e o impermeabilizamos com parafina. Em tempos de chuva, a lona aguentava apenas três dias. Depois disso, tínhamos que fazer o processo da parafina de novo.

Nani Colombaioni, seu pai, esteve ao lado como assessor do grande cineasta italiano Federico Fellini em filmes como La Strada e I Clowns. Como se estabeleceu essa amizade?

Foi nos anos 50. O mestre (se refere a Fellini assim) foi um grande apaixonado pelo circo. Onde enxergava uma barraca ou uma lona ele parava. Num dia, o mestre parou no nosso, conheceu meu pai e se tornaram amigos. Por exemplo, você pega La Strada e dá para perceber que aqueles personagens lembram a nossa família. A história era diferente, mas a estrutura do circo, a lona, o tecido eram tudo iguais. Em I Clowns, que participei quando tinha 14 anos, isso se repete. Nesse filme, a única família de lona é a nossa, o restante são atores de teatro de feira e de variedades. Na verdade, meu pai era um conhecimento ambulante da arte circense. Dessa maneira, as dúvidas que o Fellini tinha durante as filmagens Nani era quem as solucionava.

O Circo Ercolino está em atividade há 51 anos ininterruptos. No entanto, sofreu algumas modificações na temporada. O que mudou?

Desde de 1993, instalado em Netuno, o circo só entra em temporada durante o mês de agosto, por causa do verão. Atuam eu, minha mulher Mary, meus filhos: Lenny, Barry e Wendy, com seu marido Marco e minha neta Daiana.

A estrutura dos espetáculos também se modificou?

Não. Os espetáculos funcionam da mesma forma quando começamos: números, sejam eles acrobáticos, de equilíbrio, malabarismo ou de pirofagia; esquetes de clowns; e também representação de farsas, que têm um enredo maior e uma dramaturgia própria. O que fazemos lá de interessante, e isso devo graças a Nani e Carlo Colombaioni, meu tio, é levar o clown para as representações teatrais e trazer o cômico teatral para a pista.

Para o senhor, que vem de uma família tradicional de circo e de teatro popular, é possível ser um grande clown sem ter nascido sob uma lona?

Não é porque você nasceu no circo que se torna mais fácil fazer um clown. Não! É bem pior. Filho de artista é um problema, porque sempre vão esperar dele a perfeição. Claro que é uma fortuna impagável nascer num ambiente como aquele, que desde de pequeno se convive com a arte. Você se sente protegido. No entanto, quando a pessoa tem vontade, paixão, e eu vejo isso muito no Brasil, não há nenhum impedimento. Muitos podem pensar que fazer clown é simplesmente vestir a roupa de palhaço, mas não funciona bem assim. A base de tudo é a humildade aliada ao estudo. E saber onde estudar é importante. O bom professor é aquele que te ensina como se portar e o que não fazer na pista. Mas quando vejo jovens querendo aprender a ser clown para mim é uma grande emoção.

Tem alguma arte que o senhor quis aprender, mas não teve aptidão?

Eu sempre quis desenhar. Eu queria muito, muito... Mas não deu.

Como o senhor enxerga, sendo um herdeiro de escola europeia, o clown brasileiro?

No começo, o que mais me chocou foi a confusão de cores, seja na maquiagem como no figurino. Para mim, parecia que o clown brasileiro tinha caído da escada e se apresentava daquele jeito. O clown não é um ser que se veste de pano de chão. Até quando ele faz um mendigo, esse mendigo deve ter uma roupa adequada, como um fraque de estopa, por exemplo. Também percebi a falta de um sapato de clown, que para nossa tradição europeia é imprescindível.

Depois de mais de dez anos de intercâmbio com Brasil, sua visão continua a mesma?

Hoje, percebo que as coisas se modificaram. (Toma em mãos um banner com a foto do palhaço brasileiro Carequinha). Não o menciono como clown, mas como um mestre, que influenciou as gerações de palhaços do Brasil. A parte debaixo de sua maquiagem traz uma grande influência do clown norte-americano, a grande referência do Brasil, em compensação a de cima, se mostra a tradição italiana e francesa. Nele, vejo a elegância que um clown deve ter. Porém, num certo momento do Brasil, a arte desses mestres não teve seguimento. Seus filhos ou netos não quiseram seguir os mesmos passos. E isso atrapalhou muito. Foi por essa falta de prosseguimento, a razão daquela confusão de cores toda.

Publicado in Correio Popular - Caderno C, setembro/2009, p.08 http://www.circonteudo.com.br/v1/

http://www.colombaionileris.it/colombaionileris/Benvenuto.html